Nella Città del Vaticano, un’aula rettangolare di circa 40 m per 13, alta una ventina di metri, illuminata da sei grandi finestre centinate su ciascuno dei lati lunghi e coperta da volte a botte ribassata, contiene una delle opere d’arte più complesse e famose al mondo. Tra il 1481 e il 1483 vi furono eseguiti affreschi dai maggiori pittori toscani e umbri. Nel 1508, il Michelangelo, dopo pressioni inaudite di papa Giulio II, decorò le volte e i lumettoni sopra le finestre. Dal 1536 al 1541 il Buonarroti terminò le decorazioni affrescando la parete frontale con il Giudizio Universale. Si può dire che nella Cappella Sistina, in oltre 800 metri quadri di pittura troviamo un condensato dell’evoluzione della pittura italiana dalla metà del ‘400 sino al culmine del Rinascimento. Per la quasi totalità degli storici dell’arte il tour de force intrapreso da Michelangelo per decorare questa sede di riunioni papali ha del prodigioso, sia come esperienza fisica dell’atto di affrescare e sia per gli straordinari esiti artistici del suo lavoro. Sembra impossibile che un solo uomo sia riuscito a creare una simile ricchezza compositiva, padroneggiando con maestria il più piccolo dettaglio.
© David LaChapelle
Nel corso del tempo, innumerevoli artisti, poeti, letterati hanno trovato nelle gradi visioni michelangiolesche relative al mito biblico della creazione, del diluvio, del giudizio universale, una inesauribile fonte di ispirazione estetica. Tra i creativi influenzati dal genio del rinascimento, uno dei più sorprendenti e inattesi è senz’altro David LaChapelle, il fotografo americano divenuto famosissimo per le sue immagini di moda coinvolgenti e ironiche, per i ritratti di personaggi dello star system, per la trasfigurazione spettacolare delle merci più popolari. A dire il vero, il fotografo in più di un’intervista, aveva ricordato a noi lettori la sua passione per Michelangelo. Passione culminata nei primi anni del terzo millennio in una fotografia sorprendente, esposta per la prima volta in una grande mostra che Palazzo Reale gli aveva dedicato e che, qualche tempo dopo rividi al Center of Contemporary Art di Lucca, nel contesto di una nutrita serie di immagini che coprivano tutte le tematiche e le fasi della carriera del fotografo.
© David LaChapelle
In Deluge, foto gigantesca che esposta occupa un’intera parete, ispirata dal Diluvio Universale di Michelangelo, la scena ci presenta le devastanti forze della natura in procinto di sovrastare il regno dell’Uomo; i sopravvissuti cercano di sfuggire alla furia delle acque aggrappandosi a ciò che può mantenerli ancora in vita. Alcuni simboli della civiltà consumistica, il Caesar Palace, noto casinò di Las Vegas, Burger King, le insegne della catena di caffè Starbucks, e il supermarchio della moda Gucci, stanno per essere inghiottiti dal diluvio. Ovviamente a noi fruitori non resta che prendere atto dell’ovvia ammonizione che LaChapelle lancia nei confronti del mondo effimero che lo ha reso famoso. Infatti, la cupa immediatezza del senso dell’immagine del fotografo, rafforzata dalla valenza percettiva di colori particolarmente intrusivi, caratteristiche salienti del suo riconoscibilissimo stile, sprofondano l’approccio percettivo all’opera, nelle mappe neuronali che fungono da correlato biologico di una categorizzazione linearizzabile con l’espressione “divina punizione di uno stile di vita”, o qualcosa del genere. Anche se, devo pur riconoscere la primarietà di una reazione emotiva che apres coup avvicinerei alla semantica di un reverente stupore.
Un altro tratto che mi colpisce nelle sue immagini è il sentimento che ciascuno di noi trovi sempre in esse il proprio punctum, vale a dire ciò che in una foto punge il nostro desiderio, risvegliandoci dal sonnambulismo delle ordinarie abitudini visive. Questo particolare effetto indotto dalla fotografia, messo in luce da Roland Barthes nella “La camera chiara” (Einaudi,1980), è forse il dono più grande che ci offre il lavoro di LaChapelle. L’effetto punctum nel Deluge è la “forza tranquilla” che promana dai corpi umani: dovrebbero essere terrorizzati, disperati, scomposti e invece, proprio mentre sta per inabissarsi il mondo che fino ad un attimo prima li vedeva consacrati al vizio, al più bieco materialismo, alla vanità estrema, esattamente in quel preciso momento, posti di fronte alla morte ritrovano valori universali come la pietà, la solidarietà, lo spirito di comunanza. Non ci credete?Osservate con attenzione l’immagine: sulla destra della scena un clone dell’umanità, in realtà si tratta di un manichino la cui posa espressiva tuttavia rende plausibile una sua estensione interpretativa, osserva con stupore la ritrovata umanità. La prima volta che guardate l’opera, potete certo partire da qualsiasi punto. Ma quando arrivate al manichino il movimento dei corpi e dell’intera scena cambia di valenza emotiva. La grandezza dell’opera e l’orrizzontalità favorisce i feedback interpretativi, come se guardassimo tante immagini legate una all’altra, costringendo il sistema occhi-mente a un lavoro di progressiva ricostruzione delle tonalità espressive dell’opera.
Nelle mostre che ho citato sopra era possibile vedere un suggestivo documentario di Frank Benvenuto in cui si raccontava come LaChapelle aveva creato questa potente e coinvolgente immagine. Il video lasciava intendere che per il fotografo la costruzione dell’oggetto artistico fosse una via di mezzo o meglio, una sintesi, tra le pratiche del cinema e del teatro. Dal punto di vista euristico LaChapelle trasforma modelli e modelle in attori chiamati a recitare in una messa in scena; nel video li vediamo, animati dalla musica, cercare la posa e l’effetto loro imposti dall’attenta regia del fotografo. Ogni singola azione, ripresa più volte da molteplici punti di vista, successivamente sarà ricomposta in un insieme coerente attraverso il montaggio al computer. Non assistiamo quindi al colpo decisivo sferrato dall’obiettivo del fotografo ad una realtà instabile, sempre in procinto di scompaginarsi travolta dalla veloce deriva del tempo dell’orologio. La consistenza, la verità della foto risiede nel lungo lavoro di concepimento della messa in scena e nell’attenta regia degli elementi che la compongono. L’immagine definitiva, con queste procedure, diviene chiaramente una estensione del lavoro della fantasia del fotografo, sottoposta in ogni momento al controllo minuzioso degli effetti di ogni singolo scatto preparatore. Ricordo che, mentre osservavo sullo schermo LaChappelle, circondato dal suo team creativo, scattare in sequenza le foto del diluvio, non potevo non pensare a cosa facesse Michelangelo negli anni di lavoro solitario sulle impalcature della Cappella Sistina: innalzato a quasi venti metri d’altezza, era costretto a dipingere supino con lo sguardo sempre rivolto verso l’alto; tuttavia lo spaventoso sforzo fisico non doveva interferire con la ricchezza inesauribile della sua fantasia e con la maestria sempre vigile nell’esecuzione di ogni minimo particolare. Una insuperabile prova di forza, in relazione alla quale non ho memoria di emulazioni successive da parte di altri artisti. Eppure, malgrado l’evidente distanza tra LaChappelle raccontato dal video e il fuoriclasse del nostro rinascimento, se riguardo la foto del diluvio sono colpito dalla capacità del fotografo di incapsulare le grandi visioni michelangiolesche nel campo visivo ed emozionale dello sguardo contemporaneo. Bisogna aggiungere che LaChapelle, pur essendo un fine osservatore di ogni cosa, fatto o persona capace di attirare l’interesse della gente, da sempre studia, incorpora e usa le creazioni dei grandi artisti del passato come metodo per creare una figurazione che ci appare molto originale, dallo stile inconfondibile. Oltre a Michelangelo nelle sue foto riverberano le energie visuali di Bellini, del Bronzino, del Canova, di Dante Gabriel Rossetti. Per non parlare della evidente corrispondenza tra il suo stile e gli artisti della pop art, primo tra tutti Andy Wharol ovviamente. Come mai non trovo contraddizione tra lo sguardo verso il passato ę il sentimento che mi spinge a sentire il suo stile come assolutamente contemporaneo? Ve la metto giù così: in un certo senso il fotografo sembra credere che i movimenti espressivi più efficaci in base ai quali creare una immagine esemplare, spesso possono raggiungerci dal passato perché già scoperti da altri artisti. Vi sarebbero configurazioni create da talenti geniali, trasformatesi grazie alle loro opere in simboli espressivi, in cui troviamo conservate le energie da cui gli stessi simbolo derivano. Quando entriamo in relazione con questa specie di engramma della nostra memoria storica, sperimentiamo l’energia mnemonica (le particolari emozioni) di cui essi erano carichi. Senza probabilmente saperlo, il fotografo usa simboli del passato non come semplici citazioni, ma perché come Aby Warburg crede che in essi vi sia un contenuto emotivo particolarmente importante ed efficace che può favorire il processo di fruizione. Per esempio nella foto “Pietà with Courtney Love” in cui la cantante/attrice sostiene in grembo un drogato appena spirato, il modo di posizionare il corpo di entrambi gli attanti della composizione è chiaramente ispirato dalle pitture del Bellini. Ma invece che adattare lo scenario al sentimento che il quadro vuole trasmetterci, come facevano gli antichi, LaChappelle creando una ambientazione kitsch o se volete eccessivamente carica di colori puri, unisce alla commozione della scena la leggerezza di un paradossale sorriso. Il fascino di LaChappelle dipende a mio avviso dalle forze visive antinomiche che riesce ad equilibrare. Da un lato le sue composizioni sono clamorosamente neobarocche, dall’altro lato il centro visivo più importante in ogni sua foto è decisamente classico. Assistiamo ad un posizionamento, alla modulazione dei gesti e delle espressioni dei personaggi centrali dell’immagine, che sembrano sempre cercare il pathos del sentimento, in messe in scena sempre eccessive, nelle proporzioni, nei colori, nelle significazioni contestuali. Oltre al Deluge, nella tappa esistenziale in cui LaChappelle abbandonò la foto di moda per dedicarsi all’arte, mi sono sembrati importanti gli scatti tratti dalla serie Museum, Statue, Cathedral ed il ciclo degli Awakened nei quali il fotografo ci induce a riflettere sulla spiritualità, sulla precarietà dell’arte, sul tema della rinascita.
Nella foto del “Museo allagato”, il contrasto tra l’ambiente degradato e i quadri esposti, ci fa pensare a quanto fragili siano le conquiste più alte della nostra civiltà; in “Cathedral”, una piccola folla di umani in preghiera dentro una chiesa allagata e semidistrutta, attraversata da una luce di illogica speranza, si ricongiungono finalmente alla fede; nelle foto dei “risvegli” i corpi ripresi mentre galleggiano sott’acqua simbolizzano una ascesa verso un altro mondo, una rinascita, forse.
LaChapelle, dopo averci a lungo sorpreso e stupito con le sue foto “commerciali”, nella attuale fase di accentuata ricerca artistica sembra voglia fotografare ciò che noi sappiamo ma non vogliamo vedere. Sembra voglia farci sentire ciò che noi, in fondo al nostro cuore udiamo, ma non vogliamo ascoltare. Per raggiungere questo scopo ha bisogno di truccare la realtà, mettendo a profitto le scoperte visive sperimentate durante le innumerevoli sedute dedicate a promuovere il mondo di oggetti che lo hanno reso celebre e ricco. Negli anni Novanta le sue foto furono pubblicate da “Paris Vogue”, “The Face”, “Vanity Fair”, “New York Times Magazine”, “Vogue”. Le sue acclamate campagne accompagnarono il successo commerciale di marchi come Diesel, MTV, Iceberg, L’Oreal, Jean Paul Gaultier, Giorgio Armani.
© David LaChapelle
Nelle mostre che lo hanno celebrato come uno dei più influenti image maker del suo tempo, le immagini che LaChapelle ha creato per le riviste e la moda sono di solito raccolte in sezioni dal titolo ironico come Plastic People, Consumo/Consumption; Eccesso/Excess e Star System. Nelle foto dedicate al culto del corpo, si nota come l’esasperazione delle pratiche di modellazione del fisico si risolvano in grottesche degenerazioni dell’ideale di bellezza. L’inventario degli eccessi sessuali, fotografati in stile ultra glamour, si rivelano essere una grottesca sindrome narcisistica di auto-affermazione. Insieme al catalogo di perversioni sessuali che LaChappelle rende particolarmente eloquenti senza mai cadere nel moralismo e nella volgarità, le immagini centrate sul consumo di oggetti, a mio avviso visualizzano le aporie di un desiderio insaziabile, incolmabile, il cui soddisfacimento sembra coinvolgere il soggetto in una escalation senza senso. Per quanto riguarda i ritratti delle star, altro genere nel quale il fotografo è stato un maestro, viene quasi sempre messa in rilievo l’attitudine all’esibizionismo dei personaggi che vivono della propria immagine pubblica, attraverso la messa in scena di ogni forma di eccesso narcisistico.
Insomma, LaChapelle ci conquista con la sua prossimità ai temi, agli oggetti, ai pseudomiti che ci circondano. La foto di moda soprattutto gli ha insegnato come far esplodere la superficie che ci affascina. Il gioco consiste nell’evitare di cercare una profondità che non esiste e nel caricare di effetti l’immagine glamorosa. Ecco perché sono così convincenti i suoi colori, potenti come i desideri più insondabili che alla fine sono come i sogni che ci svegliano.
© David LaChapelle
La sua luce non lascia quasi ombre, ma tuttavia riesce a raccontarci benissimo le ombre che ci portiamo dentro, senza compromessi, moralismi o compassioni. LaChapelle fotografa ciò che non vogliamo dire con le parole. Il suo realismo teatrale, avvicinato da molti critici al modo con cui Fellini ricreava il contesto dei suoi film, ci porta lontani dall’umanitarismo del realismo ingenuo di tante poetiche fotografiche. La vita, sembra suggerirci, è un colpo di scena ben riuscito che ci lascia soli (penso ad immagini come: When the World Is Through, 2005 ). Trovo che LaChappelle riesce a trasmetterci un effetto di solitudine pura come Hopper in Nighthawks, una icona della cultura americana, ma di segno completamente rovesciato: nel pittore è l’immobile efficacia della sua purezza cinematografica a conquistarci; in LaChappelle è la comica perdita della purezza a farci sentire soli e sperduti.
Le sue foto oggi mi appaiono come icone simboliche della schizofrenia che domina l’umanità. Come tutti i simboli le sue foto non descrivono, non spiegano bensì asseriscono. Non ci dicono: guarda cosa è successo o cosa sta per succedere. Semplicemente affermano: è successo, punto. Ma nel far questo, ci inducono a pensare a ciò che sta fuori dalla fotografia. Un altro aspetto che mi attrae in LaChappelle è che il suo sguardo è un po’ il nostro sguardo di cannibali dell’immagine. Nelle sue foto moda sembra strizzare l’occhio al nostro voyeurismo, per poi punirci facendoci percepire che esiste una verità fotografica che ci sorride solo quando prendiamo atto della nostra perdita. Il talento di LaChappelle è di avere scoperto come evitare di confondere le immagini con le cose. Il tipo particolare di surrealtà che mette in scena non è un aldilà delle cose alle quali ci hanno abituato sia il realismo ingenuo della fotografia e quella specie di contrario che sarebbe la foto che cerca l’astrazione o il mistero. Il suo surrealismo non nega le cose che ci circondano ma è ciò che ci riporta alla “cosa che sentiamo” attraverso una trasformazione percettiva: tutto sembra configurato per eccitarci, per sedurci; peccato che quel tutto evapori troppo in fretta. Che il mio sentire dipenda da un raffreddamento delle emozioni… Ecco qualcosa a cui non avevo pensato! Guardate le luci dai colori freddi delle sue immagini, guardate i volti sempre seri o dall’espressione artefatta… Non sentite allontanarsi da voi le emozioni che pensate di vedere? Non sentite l’eternità che promana dalle sue immagini?
I libri di DAVID LACHAPELLE:
– Hotel LaChapelle, edizioni Buldfinch 1999
– LaChapelle Land, Calloway Editions
– Heaven to Hell, Taschen 2010
– David LaChapelle, Giunti (catalogo della mostra di Palazzo Reale, Milano 2007)
– Land Scape, Taschen 2014
Mostra di David LaChapelle alla Reggia di Venaria (Torino)
Attualmente è possibile ammirare le opere dell’artista nella grande mostra a lui dedicata presso la Citroneria delle Scuderie Juvarriane (uno degli spazi architettonici più imponenti della Venaria).
La mostra intitolata ”Atti Divini” rimarrà aperta sino al 6 Gennaio 2020.
David LaChapelle. La messa in scena della verità fotografica presa da tergo added by Lamberto Cantoni on
View all posts by Lamberto Cantoni →
- Fashion Report: da Alfa a Missoni – 29 Settembre 2023
- Guy Bourdin, not only storyteller – 1 Settembre 2023
- René Lacoste Style, il morso del coccodrillo – 31 Luglio 2023
Non sono certo di aver capito tutto. Sicuramente dici le cose molto bene. Però trovo sia un grosso limite non far vedere le immagini che citi. Soprattutto perché La Chappelle è bravissimo e le sue foto parlano da sole.
Giusto rilievo, ci vogliono più immagini contestualizzate. Se ritorni tra un paio di giorni le troverai senz’altro.
Ho visto le nuove immagini. Ora ci si capisce di più. Quelle evangeliche però non mi convincono. cioè non mi convince il messaggio. Perché far vedere Gesù in una ambientazione di così cattivo gusto? Per non parlare degli Apostoli trasformati in una gang dei bassifondi. Ci sarà qualche cretino critico che proverà a convincerci che tutto questo è sublime. Per me il bravissimo fotografo ha fatto una provocazione che poteva risparmiarsi.
Io la volgarità la vedo ma non la sento. È strano no! Secondo me LaChapelle ci vuole parlare di una spiritualità fuori dagli schemi classici.
macchè volgarità. La Chapelle travolge le nostre sensazioni visive trascinandoci in un nuovo mondo completamente artificioso. Le sue foto sul Paradiso tropicale sono fantastiche. Peccato che l’autore le abbia trascurate.
Non mi piace entrare a gamba tesa su questioni religiose. Ma mi pare di ricordare che il nostro Gesù Cristo predicasse a favore degli ultimi. Non mi sembra sbagliato immaginare che se ritornasse tra noi, certamente non disdegnerebbe di avere come apostoli ragazzi di strada con l’aggiunta di una donna. Lo so è un messaggio forte, ma è forse inattuale?
Ancora. La messa in scena kitsch certamente può indurre una reazione percettiva avvicinabile a ciò che nel linguaggio definiamo “blasfemia”. Ad un ipotetico credente che capitasse davanti all’immagine postata all’inizio dell’articolo (l’Ultima Cena in barocco street Style), potrebbe risultare difficile smarcarsi da questa intima reazione negativa. Ma vorrei dirgli: osserva meglio la foto e ti accorgerai di poter facilmente trasformare il sentimento iniziale in qualcosa di profondamente diverso. È vero, la scena forse assomiglia a una ritualità troppo tribale per essere apprezzata dai cultori della tradizione sacra, ma solo una persona accecata dai pregiudizi può negare la presenza di un tentativo di far emergere una forma di spiritualità energica e vitale. Intendiamoci, per quanto mi riguarda, da non credente, è proprio questo aspetto che in parte mi respinge, tuttavia non ho difficoltà a riconoscere che sono attirato dalla portanza allucinatoria dell’immagine, riconoscendo nella sua configurazione, nella sua devastante bellezza vorrei dire, l’eccitamento estetico che chiamiamo arte.
La foto dell’Annunciazione in stile tropicale con Maria Vergine nera, è geniale. La manderei a Salvini.
Bisogna ammettere che una Maria Vergine nuda e nera non si era mai vista. Ma non è un nudo che disturba. Sono d’accordo con chi attribuisce a La Chapelle una tensione spirituale.
La vera genialata è l’angelo Gabriele, annunciatore con i baffi (mai visto nei quadri di devozione della nostra tradizione pittorica). L’arrivo in corsa era già stato immaginato da Raffaello. Con ben altra grazia devo dire.
Scusate, qualcuno sa dirmi se i Taschen della foto dove lei frusta nel didietro lui sono i famosi proprietari editori delle Edizioni Taschen? Io credo di no. Mi sembra impossibile che due persone indubbiamente importanti si mettano il posa in quel modo.
Per me sono loro. In effetti è abbastanza inusuale. Forse sono personaggi di grande auto ironia e poi la foto è bella.
Con questo sguardo pudico allora praticamente tutti i ritratti che Lachapelle ha fatto alle star sono delle assurdità perché passeranno alla storia con la loro faccia che trasmette un esibizionismo amorale. Io credo che per restare famosi occorra una forte dose di narcisismo. Lachapelle lo ha capito e ha dato al narcisismo esibizionista la forma pertinente richiesta dal suo pubblico di guardoni.
Anche Paris Hilton che si fa arrestare come una cortigiana suscita incredulità. Non è autoironia ma esibizionismo. I vip sono spesso degli esibizionisti. Non trovo strano che un fotografo vip possa convincerli a farsi fotografare in pose che farebbero vergognare chiunque. L’avevano già fatto altri fotografi famosi del passato. Ma per questo genere di foto possiamo parlare di bellezza?
La prima impressione delle foto di LaChapelle viste in mostra e sui giornali è di una grande bellezza. Le discussione sui contenuti morali sono solo dietrologie. Stiamo parlando di un artista e non di un personaggio qualunque.
A settembre ho visitato la mostra alla Venaria attratta dalla notorietà del fotografo. La mia opinione è che sicuramente è funzionale alla pubblicità. Possono considerarlo un artista solo quelli che troverebbero artistico praticamente tutto. Chi ama la grande arte come la sottoscritta rabbrividisce quando vede foto come quelle dell’Ultima cena. Io su una tovaglia trash come quella nell’immagine di apertura dell’articolo non riuscirei nemmeno a pulirci l’insalata. La vogliamo paragonare alla grande opera del Leonardo? Vogliamo parlare degli inquietanti 12 apostoli tatuati? E il recipiente che troviamo ai loro piedi cosa significa? Cos’è una sputacchiera gigante? E la truccatissima ragazza sulla porta chi è? la fidanzata di uno dei disadattati? Capisco che dopo l’orinatoio di Duchamp tutto è diventato possibile, ma mi rifiuto di considerare arte tutto ciò che è possibile immaginare ed esibire. Il signor LaChapelle sarà pure perfetto per la moda e per chi cerca di attirare l’attenzione, ma per me è solo un creativo molto astuto nel dare alla gente immagini di pronta digestione spacciate come esperienze estetiche quando deturpano il senso della vera arte.
Chiedo il permesso di ingiuriare Annalisa. E dire che ha avuto l’opportunità di vedere le opere da vicino. Io nella mostra di Roma mi sono messo in ginocchio davanti a una foto di LaChapelle.
Permesso negato. Annalisa ha espresso il suo pensiero in modo chiaro e coraggioso. Sono in totale disaccordo con quello che scrive ma la rispetto. Tu piuttosto, se veramente ti sei inginocchiato, allora sei un po’ fuori di testa.
LaChappelle è bravissimo, un artista. Ma non tutto quello che Annalisa ha scritto è sbagliato. Io ho capito questo: ci sono foto che trattano temi sui quali molte persone non hanno voglia di vedere banalizzati valori. Sopra ho sostenuto la stessa idea. Poi ognuno è libero di considerare arte quello che vuole.
A me piace la tecnica, la padronanza del mestiere perché mi permettono di decidere in fretta ciò che mi piace. Fissarsi sui contenuti porta quasi sempre a polemiche sterili. LaChapelle con il mezzo fotografico fa quello che vuole come un grande musicista fa con la musica. Bisogna guardare le sue immagini liberi da pregiudizi.
Mi dispiace tanto di aver rotto l’incantamento che provate per LaChapelle. L’arte senza contenuti di valore o sfacciatamente oltraggiosa per me non è vera arte. Chiamiamola in un altro modo, per esempio “creatività” o come volete voi. Non credo di fare della “dietrologia” se chiedo rispetto per valori che le esigenze pubblicitarie banalizzano.
Ciao Annalisa. Mi permetto solo un paio di notazioni. Nella foto che ti ha irritato, la tipa sulla porta che tu definisci “fidanzata di uno dei disadattati” probabilmente è Maria Maddalena, l’unica discepola di Gesù oltre la tradizionale dozzina tutta al maschile. Poi tu dici di vedere in primo piano una sputacchiera gigante. In realtà dovrebbe trattarsi di una bacinella d’olio di Nardo, usato dagli ebrei all’epoca di Cristo per completare la pulizia del corpo e per ungere post mortem i cadaveri. Ti ricordo che Maria Maddalena secondo alcune versioni fu la prostituta che lavò i piedi a Gesù. Poi la ritroviamo sotto la croce insieme ad altre due Marie (la vergine madre di Gesù e Maria di Cleofa) Fu ancora una Maria che recandosi al sepolcro per prendersi cura del corpo incontrò Gesù prima che ascendesse in cielo, dandone immediata notizia agli altri discepoli. Quindi la bacinella di olio e la Maria nell’immagine di LaChapelle sarebbero un presagio dell’imminente sacrificio di Gesù. Come vedi il fotografo sembra conoscere i Vangeli (anche quelli apocrifi) molto meglio di te.
Tu parli di Leonardo. Riconosco che nell’immagine in oggetto il modello in posa ha fattezze leonardesche (ovviamente mi riferisco alla celeberrima Ultima Cena affrescata nel refettorio di Santa Maria delle Grazie in Milano). Ma la messa in scena per me è più vicina all’ordine espressivo ideato dal Tintoretto nel quadro della Chiesa di San Travaso a Venezia. Il momento catturato dai due straordinari artisti è il medesimo, ovvero l’annuncio di Gesù che verrà tradito (Vangelo di Giovanni, 13-21). Ma a mio avviso la configurazione del Tintoretto traduce meglio gli effetti della drammatica rivelazione. Allora Annalisa, se per un attimo narcotizzi l’irritazione che hai percepito nel trash abilmente orchestrato da LaChapelle, e prendi in considerazione il potente ordine strutturale che promana dall’immagine e,infine, arrivi a capire il probabile significato della scena, puoi facilmente renderti conto che il fotografo/artista va ben oltre il pur ammirevole e armonioso confabulare di Leonardo (mi riferisco alla reazione dei 12 dopo la rivelazione del tradimento di uno di loro); va oltre anche al tono più espressivo carico di tensione della stessa scena dipinta dal pittore veneziano. Cosa può significare andare oltre ai due monumentali protagonisti della storia dell’arte? Probabilmente significa tradurre la millenaria istanza mitica della narrazione che ha ispirato generazioni di artisti, Leonardo e Tintoretto compresi, in un ingaggio percettivo e cognitivo utile per il nostro tempo. Questa è la sfida che LaChapelle si è imposto e ha affrontato con il suo mezzo espressivo, con il suo stile, con la sua mente.
A questo punto spero comprenderai perché i tuoi rigonfiamenti moraleggianti siano inadeguati per restituirci la passione che LaChapelle ha profuso nel preciso momento in cui ha cominciato a riflettere su temi religiosi. Tieni conto che la materia espressiva con cui lavora sono immagini, fotografie e non parole e concetti. Per farla breve, LaChapelle esplora il mondo atteaverso immagini. Dunque prende dei rischi, perché fatalmente una immagine complessa è più “aperta” o ambigua rispetto l’apparente linearità logica verbale/concettuale.
Per finirla qui, aggiungo che non sto dicendo che stai sbagliando nell’anteporre la tua irritazione all’analisi più completa di una immagine. Sostengo semplicemente che proprio perché quella foto ti ha fatto incazzare avresti dovuto osservarla meglio, separando le emozioni non negoziabili che tutti noi, ciascuno su temi e circostanze diverse, non può non sentire, da un giudizio più conforme al genere di fatti in questione: stiamo parlando di esperienze estetiche e non di propaganda religiosa.
Buongiorno prof. Ognuno si tenga i propri “rigonfiamenti”. Io ai miei ci tengo almeno quanto Lei tiene ai suoi.
GIULIANA Laba
La cosa che amo della moda e, più in generale, dell’arte, è la spassionata libertà di espressione. A prescindere dalle censure, o da tutti i contorni morali che a volte vi girano intorno, sento che nell’arte non ci sono confini, e che per quanto uno voglia, è libero di esprimersi e di esplicitare il proprio pensiero. Di renderlo visibile, palpabile, assaporabile. Ed è proprio quello che mi piace nelle fotografie di LaChapelle, che è tra l’altro, uno dei miei fotografi preferiti. Ma non starò qui a commentare in modo troppo soggettivo. Ciò che è invece tanto straordinario, quanto oggettivo, è la grandiosità di questo fotografo, di rendere coinvolgenti e maestose, le sue fotografie. Che si condivida o no il suo punto di vista, il suo modo di vedere, o le sue perversioni, non si può non condividere che egli si sia espresso in modo esplicito ed appagante. Si legge nelle sue fotografie, il chiaro intento di voler punzecchiare i desideri più profondi, di voler promuovere il mondo consumistico di oggi, e di stimolare quelle percezioni, che progressivamente ci lasciano intuire l’ironia e il paradosso delle sue fotografie. Con la sua estetica, si può notare come i suoi messaggi sociali però, non siano del tutto morali. O meglio, lui celebra il culto alla bellezza, all’esagerazione. Celebra gli eccessi, il kitsch, l’esibizionismo. Eppure, le sue fotografie provocatorie, non sono lì per fare del moralismo, ma bensì per esplicitare senza pudore ciò che non vogliamo dire a parole. Tant’è vero che nelle sue immagini vi è pura luce, e quasi mai ombre. Vi è una sorta di purezza paradossale. Un modo tutto suo di esplicitare concetti e desideri. Un mondo insaziabile, fatto anche di perversioni, di surrealtà, e di realismo quasi ingenuo. Si legge nelle sue fotografie il desiderio di eternità, ed anche di rinascita. Tra l’altro David stesso afferma in un’intervista che se diventasse cieco, e non potesse più fotografare, troverebbe sicuramente un altro modo per esprimere tutta la passione, l’espressività, la bellezza e l’ispirazione che vuole trasmettere con i suoi lavori.
Il mondo effimero che lui stesso rappresenta e ironizza, è lo stesso mondo effimero che l’ha reso famoso. Un mondo dalle fragili conquiste, come si può notare in alcune fotografie come “The Deluge” o “After the Deluge”. Dove anche i valori più alti sono spesso fragili, e messi in dubbio dall’uomo stesso. Ecco poi il perché di alcune provocazioni come “REBIRTH OF VENUS” (HAWAII 2009, REBIRTH OF VENUS, 2009), dove è chiaro il riferimento alla rinascita, la rinascita di un nuovo mondo, con nuovi valori e nuove concezioni di vita. Con il chiaro riferimento al suo piccolo “paradiso” di spiaggia comprato alle Hawaii per dedicarsi ai suoi piaceri e alla sua libertà.
Tra le sue chiari citazioni, oltre ai classici come Michelangelo, Bellini, o Canova, da cui prende la maestosità delle immagini e la teatralità, non possiamo non citare Andy Wharol, anche e soprattutto per i suoi colori pop e accesi, e per il suo fare provocatorio, verso le società di massa e il mondo consumistico. Di cui però, né LaChapelle, né Wharol, negano di farne parte. E anzi diventano la voce esplicita di tutto quello che la società non ha ancora palesato a voce.
Un altro fotografo a cui possiamo fare riferimento da questo punto di vista, è Martin Parr, con la sua rassegna The Last Resort: Photographs of New Brighton, volta ai riti collettivi, all’omologazione estetica e culturale, al trash food ed al cattivo gusto. I colori che usa Parr sono saturi e brillanti, ed il soggetto è isolato da un colpo di flash che lo stacca dal fondo. Anche con lui infatti, l’ombra è quasi del tutto inesistente. Bambini, adolescenti, anziani, donne in costume da bagno e turisti in abiti dozzinali, cani, automobili, carte da parati e divoratori di coni gelato. Scenari, ritratti e dettagli eloquenti di un desiderio compulsivo e irrazionale, della corsa disperata al piacere a ogni costo, all’appagamento della vista e del gusto, sono i protagonisti principali di questa sua fotografia. Le differenze tra i due fotografi sono senz’altro evidenti, con Parr si scende infatti più nel grottesco, ma, anche se in modo diverso, penso si legga chiaro in entrambi i casi, un riferimento ad Andy Wharol.
Per quanto riguarda le provocazioni invece, non possiamo non citare Steven Klein. I riferimenti alle provocazioni sono sicuramente numerose, ma quelle a cui voglio far riferimento, sono le fotografie un po’ sadomaso per l’intervista a Kylie Jenner per l’Interview Magazine del 2015. Il riferimento esplicito ad una Kylie immobilizzata dal successo, dalla sua vita surreale, che la rendono immobile e finta come una sex doll giapponese. Sono immagini forti e provocatorie perché oltre all’aspetto erotico toccano anche quello della disabilità, sfiorando un forte rischio dal punto di vista morale. Sottile e tagliente. Ma, ciò che maggiormente traspare da questo lavoro, è, a mio avviso, il paradosso, il kitsch, la surrealtà e, ancora una volta, l’estetica iperrealista che va oltre le ordinarie abitudini visive. E che vuole allo stesso tempo ammonire e celebrare quel mondo effimero, che giudica ma che l’ha resa allo stesso tempo celebre e famosa, e senza il quale, nulla di tutto questo sarebbe reale.
In conclusione mi sento di dire che, al di là dei riferimenti, la fotografia di LaChapelle rimane unica nel suo genere. Il modo in cui lui riesce a esprimere una vastità tale di concetti e provocazioni, è quasi del tutto ineffabile. Ciò che è racchiuso nella sua fotografia, è difficilmente racchiuso in qualsiasi altra forma d’arte.
Devo dire che ho letto Giuliana con molto piacere. Che l’autore dell’articolo non me ne voglia se affermo che ho trovato la sua analisi più intrigante. Non conosco le foto di Parr ma mi fido di quello che dice Giuliana. Come ho detto sopra, comunque mi sorprende che grandi personaggi si prestino ad essere ridicolizzati dal modo di esprimere grottesco della critica morale che sotto sotto LaChapelle trasmette.
Gli artisti di razza sono sempre fuori dal coro. Voglio dire che propongono punti di vista che fanno discutere. Le migliori foto di LaChapelle hanno questa potenzialità.
Il suggerimento di Giuliana inerente i paradossi visivi creati da DLC sarebbe da indagare. Bisogna però capire cosa significa “paradosso visivo”.
ELENA S. LABA
Trovo il lavoro di LaChapelle estremamente affascinante: fin dagli esordi si è servito dell’immagine fotografica come strumento di espressione, portandola alle sue estreme possibilità estetiche. Egli tramite la fotografia travalica il soggetto in sé per farne emergere la carica simbolica che già racchiude ma che non ha ancora manifestato. Immortalando le icone del proprio tempo e fissandole nella memoria comune grazie ad una post-produzione massiccia e kitch, riesce ad avviare una riflessione lucida, cinica e disillusa sulla società contemporanea. L’effetto della post produzione estremamente marcata di LaChapelle è proprio il riuscire a provocare una sensazione di artificiosità asettica e spersonalizzante.
LaChapelle utilizza la strada dell’ironia, un’ ironia sottile e tagliente.
Negli anni ’80 si dedica all’advertising, immergendosi nella New York degli eccessi e della trasgressione, della facilità e della libertà, dei sogni e delle fantasie senza limiti, ma anche dell’eroina e delll’aids.
Negli anni ’90 inizia ad immortalare moltissime celebrità, non senza il suo tipico approccio ironico, cinico e talvolta anche grottesco: egli vuole rivelare il processo mediatico attraverso cui le celebrità sono state private della loro interiorità e trasformate in fantocci, oggetto di feticismi.
Le sue foto, descritte come barocche ed eccessive, sono sempre caratterizzate dall’ironia, ed è proprio tramite la chiave dell’ironia che vanno interpretate: le immagini in realtà urlano denunciando le ossessioni contemporanee, il rapporto con il piacere, col benessere, con il superfluo. Tra misticismo, spiritualità e spettacolo, il fotografo è capace di mantenere un sottile equilibrio tra sacro e sacrilego, alternando soggetti differenti sul tema condiviso della vanitas, anche grazie alla presenza ricorrente di un nudo sfacciato ed aggressivo.
Il suo stile è caratterizzato da colori elettrici, superfici laccate e contenuti tra l’onirico e il bizzarro. Proprio a causa di questo suo stile LaChapelle viene spesso accusato di ispirarsi eccessivamente alla cultura pop, tuttavia bisogna riconoscere che proprio lui sia stato capace di generare un sistema dove passato, presente e futuro si mescolano in una dinamica ipervisuale, creando dei simbolismi multi-temporali, attraverso delle immagini che astraggono particolari oggetti e ambienti a favore di una comunicazione che enfatizza la visione artistica.
Estremamente interessanti le immagini in cui fa riferimento all’arte rinascimentale, ad esempio uno dei miei lavori preferiti di LaChapelle è l’opera del 2009 “Rebirth of Venus”, ispirata al capolavoro di Botticelli del quindicesimo secolo, “La nascita di Venere”. La foto di LaChapelle mostra una donna alta e snella dai capelli biondi, completamente nuda, affiancata da due uomini abbronzati, lungo la costa delle Hawaii. Come in molti altri suoi lavori, questa foto ci mostra una situazione fantastica con dei modelli che rispecchiano gli standard convenzionali di bellezza che vengono spesso rinforzati dei media: il fotografo trasforma la Venere di Botticelli in una bellezza da copertina. Per la foto “Rebirth of Venus”, LaChapelle ha scelto la modella Hana Soukupova, con la quale stava lavorando su una serie di fotografie alle Hawaii. Tradizionalmente la conchiglia rappresenta nella pittura l’organo riproduttivo femminile, quindi il fotografo invece di rappresentare la modella in piedi dentro una conchiglia ha fatto tenere una conchiglia ad uno dei due uomini ai lati. Il paesaggio tropicale non è esattamente mediterraneo, come il paesaggio che aveva ispirato Botticelli, quindi i colori sono molto più accesi e pungenti di quelli della palette della Venere classica. I nastri fanno riferimento ad un’ altra opera di Botticelli, Le Tre Grazie, nella quale sono rappresentate tre figure femminili che danzano. La Venere di Botticelli, a differenza di quella di LaChapelle, non fa riferimento ad una bellezza carnale, ma alla purezza della bellezza divina.
Un altro fotografo che mi viene in mente in relazione al lavoro di LaChapelle è Awol Erizku. Anche lui infatti per le sue immagini attinge ad un immaginario rinascimentale, con la differenza che nelle immagini di Awol Erizku a “stonare” con l’immaginario classico non sono tanto i colori, la composizione o la presenza prepotente di un’accentuata post produzione, ma è il fatto che tutte le sue modelle sono donne di colore. Awol Erizku rappresenta la bellezza nera, trasportando le sue modelle in dei mondi in cui la bellezza nera non era tipicamente rappresentata. Pensiamo ad esempio alla sua foto “Girl With Bamboo Earring”: l’immagine fa chiaramente riferimento alla celebre opera “Ragazza con Turbante” (anche conosciuta come “Ragazza con l’Orecchino di Perla”) di Jan Vermeer. Oppure abbiamo opere come “Girl With a Pitbull”, ispirata alla Dama con l’Ermellino, o “Teen Venus”, ispirata proprio alla Venere di Botticelli.
Sicuramente conoscete il lavoro di Awol Erizku, anche se forse non sapete di conoscerlo: sono sicura che avete tutti visto le foto postate su Instagram nel 2017 da Beyoncé in occasione dell’annuncio della sua gravidanza: quelle foto sono state scattate proprio da Awol Erizku. In quell’occasione Beyoncé è stata ritratta come una Madonna Rinascimentale: le rose sono tradizionalmente il simbolo della Madonna, e suggeriscono l’idea di fertilità, purezza e castità, ma è interessante che il fotografo abbia anche aggiunto alcuni papaveri, che simboleggiano la perdita. Questo potrebbe essere un riferimento al fatto che nel 2013 Beyoncé aveva reso pubblico il fatto di aver avuto un aborto spontaneo.
Molto interessante il parallelismo con Erizku. È molto più giovane di LaChapelle e infatti a me risulta essere stato un suo allievo o per meglio dire, di aver fatto stage presso di lui. I suoi ritratti sono più composti e “seri” rispetto al nostro fotografo. Probabilmente perché i più conosciuti sono quelli di persone di colore che vuole valorizzare, e non imbricate in significazioni grottesche come spesso fa LaChapelle con i personaggi delle Star System.
Rivoluzionario, surrealista, barocco, onirico, trasgressivo, provocatorio, talvolta kitsch. Sono solo alcune delle tante caratteristiche che hanno permesso a David Lachapelle di distinguersi come fotografo nel campo della moda e della pubblicità, sviluppando fotografie spesso difficili da comprendere, ma dotate di una cifra stilistica unica nel suo genere. Difficile da comprendere, in quanto l’interpretazione delle sue opere è deviata da una sorta di bombardamento percettivo: colori accesi, vivaci e contrasti simultanei, trasportando così il fruitore all’interno del suo mondo fantastico, disorientandolo e offuscandolo. Così facendo l’opera risulta sempre in continuo fermento e in continua evoluzione. Un collega di Lachapelle, che ritengo importante citare, é Tim Walker, fotografo di moda di origine Brittanica e collaboratore di importanti riviste come Vogue e Love. Anche negli scatti fotografici di Tim ritroviamo una nota onirica e surrealista (tipica di Lachapelle) per le quali l’osservatore viene teletrasportato in un mondo immaginario, composto da incubi e sogni. Qui, personaggi immaginari e creature fantastiche ne sono gli abitanti. Sembra una sorta di realtà il surrealismo di Tim, che va a richiamare in un certo senso anche l’approccio all’arte di Dalì. Al centro delle sue opere oltre ai soggetti vi sono tutta una serie di dettagli, accessori, comparse curate minuziosamente, che assumono forme e dimensioni distorte.
Ritornando a Lachapelle, una fotografia che mi ha colpito particolarmente é stata “Icarus”. Concentrandomi inizialmente sull’aspetto estetico, ciò che mi ha colpito particolarmente sono state le tonalità cromatiche viranti tutte sui toni del bianco, nero e del grigio, cromie ben lontane dalle classiche note sgargianti e accesse che solitamente il fotografo utilizza. Sono tutte cromie che rimandano in un certo senso a qualcosa di malinconico, é come se facesse emergere quella parte della sua vita complessa, che solitamente nei suoi scatti tiene nascosta. Per quanto riguarda invece il significato trasmissibile dall’opera, partiamo ripercorrendo una breve parte di storia. Nella mitologia, greco Icaro venne rinchiuso con il padre nel labirinto di Creta, fuggì volando con le ali che Dedalo (il padre) aveva adattato con la cera al proprio corpo e a quello del figlio. Ma, avvicinatosi troppo al Sole, la cera si sciolse e Icaro cadde nel mare. Nell’interpretazioni di Lachapelle troviamo la mitologia greca a terra in fin di vita, come se fosse precipitata dall’alto, sopra un cumulo di dispositivi elettronici dismessi (computer, tastiere, mouse, stampanti…). Particolari ma al contempo inquietanti sono le ali di Icaro, rappresentante come se fossero state ormai lacerate dal tempo, mostrando così la struttura ossea rappresentata attraverso l’utilizzo di stampelle. “Sempre più connessi e sempre più soli, l’esito di un fallimento umano ed ecologico”, può essere a mio avviso una delle possibili interpretazioni che si possono dare dell’opera. Oppure concentrandosi sulla morale della storia, ci si può ricollegare a uno dei più importanti registi, sceneggiatori e produttori cinematografici statunitensi Stanley Kubrick. La classica morale della storia mitologica é “Non tentare di volare troppo in alto” esso afferma: “…mi sono chiesto se non si potesse interpretarla invece in un modo diverso: “Dimentica la cera e le piume, e costruisci ali più solide”. Trovo che la morale di Kubrick calzi perfettamente nel contesto della fotografia di Lachapelle. Ritorna anche qui il mistero che vuole celare l’opera, lasciando libera interpretazione al fruitore.
Luca R. Laba
David LaChapelle, l’artista con una folle visione del mondo, è il primo pensiero quando sento citare il suo nome.
A mio parere, la sua entropia percettiva scardina le regole che fanno parte delle varie culture e stereotipi dell’uomo andando a trasfigurare la realtà attraverso un cromatismo irreale ed all’artificialità dei suoi scatti, per non parlare del sovraccarico di elementi in un unico scenario che disorientano lo spettatore, ma che mantengono un nucleo di significati molto forti ed imminenti.
Trovo che le sue opere parlino da sé, basta prendere in considerazione “L’ annunciazione” e subito assistiamo ad una trasgressione. Non mi riferisco alla Madonna nera, in fondo, esempi religiosi di questo genere sono numerosi (la madonna nera di Canneto, di Loreto, ecc..), ma i baffi dell’ Arcangelo Gabriele che marca la differenza uomo-donna sono una vera rivoluzione!
Ho scoperto quest’artista da poco tempo, grazie al nuovo album di Travis Scott “Astroworld”. LaChapelle ha curato la cover mantenendo ogni aspetto del suo stile, creando un esperienza percettiva stravolgente. E’ come se volesse avvisare lo spettatore che quell’album fosse un parco-giochi all’interno della mente di Scott, un esperienza irreale, folle ed esaltante.
Ma come fa un artista che ha sconvolto la percezione dello spettatore a partire dagli anni 90’ a sconvolgere anche la percezione di una nuova generazione del tutto nuova?
A questa domanda, ho trovato risposta solo durante la lettura di quest’ articolo, quando si afferma che LaChapelle non guarda al passato ne al futuro, ma affronta la realtà nel preciso istante in cui opera.
Trovo possibile creare un parallelismo tra LaChapelle ed il fotografo di moda londinese Tim Walker, il quale nei suoi scatti è in grado di trasfigurare la realtà circostante realizzando scenari irreali, come se facessero parte di una realtà onirica. In entrambi gli artisti quest’aspetto di rendere artificiale e irreale la realtà si ripete costantemente.
Credo che le loro fotografie stravolgano inevitabilmente la percezione di qualsiasi spettatore, poiché è come se venissimo proiettati in una realtà parallela alla nostra, dove tutte le istituzioni comuni vengono improvvisamente stravolte.
Personalmente trovo il loro lavoro a dir poco affascinante e come scrisse Charlotte Sinclair di Tim Walker su British Vogue, «ci ricorda la nostra capacità di sognare come bambini».
Luca R e Luca M. sono colpito dalla vostra bravura nella costruzione di un ragionamento chiaro, conciso e incisivo. Forse perché io non ci riesco. Dopo due frasi mi perdo e butto tutto in vacca.
La ringrazio Antonio, mi fa molto piacere ricevere opinioni inerenti a ciò che scrivo.
Credo che il lavoro di LaChapelle sia, a parere mio, una gioia per gli occhi. I colori accesi, la luminosità, il richiamo ai quadri classici e la disinvoltura con cui riesce a denunciare i problemi dell’era contemporanea lo rende originale ed inconfondibile ma soprattutto attraente perché credo che l’aspetto kitsch abbia a che fare per forza anche con l’atto di attirare attenzione. Le persone che guardano le opere di LaChapelle sentono di trovarsi di fronte a delle scene che toccano molti dei tabù della società: vengono infatti disprezzate da molti poichè considerate blasfeme, volgari ecc..
Sinceramente non credo che l’arte debba per forza avere una morale dato che di arte si tratta quindi non condivido affatto le critiche che vengono mosse verso questo artista: la morale nell’arte può essere qualcosa in più ma non è necessaria.
Se poi di morale vogliamo parlare credo che LaChapelle, da un lato la tolga (perché tocca temi come la volgarità e la blasfemia) ma in un certo senso dall’altro riesca anche ad inserirla poiché molte delle sue opere muovono una critica a dei problemi contemporanei che devono farci riflettere come vediamo appunto ne “Le Deluge”. Credo inoltre che l’utilizzo che fa dello Star System sia molto azzeccato perché, servendosi di personaggi che tutti noi conosciamo, riesce a rendere il dialogo tra opera e fruitore più intenso, più vivo: il fruitore è attratto e allo stesso tempo riesce a cogliere meglio i messaggi che l’artista vuole lanciare. A questo proposito però ricordo la vicenda della copertina dell’album che egli scattò per Travis Scott in cui aveva inserito tra alcune modelle seminude anche la modella transgender Amanda Lepore. Quest’ultima venne eliminata dalla foto postata dal cantante sul proprio Instagram, segno che forse lui non condivideva la troppa trasgressione che LaChapelle aveva voluto inserire o forse segno che non condivideva la sua idea di uguaglianza tra uomo, donna e transgender, forse è stato troppo azzardato? Troppo trasgressivo e provocante?
Ho trovato interessanti le sue foto realizzate per il calendario 2020 di Lavazza. Queste ultime doveva rappresentare la riconnessione con la natura, motivo per cui il fotografo sceglie la bellezza incontaminata delle Hawaii per realizzare gli scatti. Prima fra tutte la foto “Realize” che ritrae un uomo guidato dalla sua stella polare che guarda verso il futuro dell’umanità, all’insegna della sostenibilità.
Il lavoro di LaChapelle mi fa pensare alle opere di un altro fotografo suo coetaneo, Miles Aldridge. Come lui unisce la cultura pop alla fotografia utilizzando colori accesi e vivaci, ma non solo, anche lui si serve di citazioni religiose per creare le sue fotografie. Lo vediamo bene per quanto riguarda gli omaggi fatti a Botticelli per i quali lavora con modelle molto simili ai dipinti del pittore.
Inoltre anche Aldridge si serve nelle sue fotografie di personaggi famosi come Cara Delavigne anche se credo che i suoi lavori non siano provocanti e irriverenti come quelle di LaChapelle.
Mi ha molto incuriosito questo articolo sul personaggio particolare che è David LaChapelle, soprattutto per l’originalità che caratterizza le sue fotografie. I temi da cui trae ispirazione, come quello religioso ad esempio, sono temi visti e rivisti, ma lui riesce a renderli contemporanei,innovativi e trasgressivi, chiamando molto spesso personaggi famosi o modelle ad interpretare un ruolo e a trasformarli in veri e propri attori che creano una storia, la sua. I celebri scatti biblici di LaChapelle lo hanno condotto in un rumoroso vortice di commenti negativi dal momento in cui immagini angeliche e spirituali, venivano da lui riproposte in chiave moderna. A me è piaciuta particolarmente la foto scattata a Miley Cyrus, una delle protagoniste di “Lost + Found, Part I”, il libro firmato David LaChapelle per Taschen. È il quarto di una serie di pubblicazioni del fotografo americano per la casa editrice, cominciata nel 1996 con “LaChapelle Land”.Per “Lost + Found, Part I” oltre a Miley Cyrus ci sono le foto di Pamela Anderson, Julian Assange, David Bowie, Katy Perry, Amy Whinehouse, Pharrell Williams e molti altri personaggi a artisti famosi. Le foto di Miley Cyrus sono le copertine del libro, nella prima la cantante è nuda in una cella di prigione, illuminata da una luce naturale che proviene dalla finestra, nell’altra invece prende le forme di una farfalla dalle ali multi color contornata da fiori, come se il fotografo abbia voluto ricreare i passaggi della metamorfosi della farfalla.La sua carriera come fotografo è comunque iniziata grazie al genio della pop art Andy Warhol. Fu proprio lui infatti a chiamare David per realizzare uno speciale shooting fotografico per il suo noto magazine Interview. Molti fotografi contemporanei prendono spunto dall’arte, come il fotografo di moda Kenneth Willardt che fotografò la modella Jessica Stam come se fosse un opera della Pop Art, in particolare dell’ artista Roy Lichtenstein e riuscì così a riempire di colori la copertina del magazine Harper’s Bazaar. La cosa che mi ha particolarmente interessata alla persona di David La Chapalle è il suo isolamento, dal 2006 infatti l’artista si è trasferito alle Hawaii dove trascorre la sua vita in una fattoria biologica alimentata solo da energia solare e idrica. Questo suo bisogno di isolamento è nato in seguito al carico eccessivo di lavoro che stava quotidianamente vivendo, infatti afferma:”Adoro il glamour, la moda e la bellezza, ma avevo bisogno di allontanarmi da tutto ciò. Dopo aver lasciato questo mondo, non volevo più scattare a un’altra pop star, sono stato torturato da loro”.
Grazie per le preziose info. Non conosco il lavoro di Willardt. Farò una piccola ricerca. Io non so se realmente LaChapelle sia stato “torturato” dalle star che ha fotografato. Se la tua citazione corrisponde a parole enunciate dall’autore (e non sono una interpretazione di qualche giornalista), devo crederlo. Ma penso anche che il fotografo si sia vendicato. Ha impresso su di esse il proprio marchio di fabbrica consegnandole a un immaginario ricco di segni ambivalenti: sono delle star e al tempo stesso dei volti e dei corpi ironizzati, grotteschi, un po’ comici.
I lavori di LaChapelle lo hanno reso un’icona dell’arte contemporanea, capace di espandere il genere della fotografia. I suoi ritratti, le sue messe in scena, video musicali e film, sono diventati la rappresentazione dell’America del ventunesimo secolo.
Riconosco in lui la passione, quasi ossessiva, verso Michelangelo, citato in “Deluge”, verso altri artisti, e il mondo barocco, ma onestamente non provo la stessa emozione di fronte alle sue fotografie. Sicuramente le citazioni sono esplicite, ma non riesco a giustapporre l’eleganza, l’espressività e la potenza delle opere di un Michelangelo o un Leonardo con quelle dell’image-maker. La forte componente kitsch distoglie lo sguardo dalla realtà, tanto da non farmi entrare completamente dentro le sue interpretazioni. Rimango sempre lì, sull’ingresso, le guardo, ma non mi ci ritrovo.
Interessante è la serie “Land Scapes” del 2013, attraverso la quale LaChapelle ricostruisce impianti petroliferi e stazioni di rifornimento in scala. Le foto vengono scattate in un ambiente naturale, tra dune e montagne e non in studio. Questo dettaglio mette in risalto l’innaturalità delle strutture umane in un ambiente selvaggio e incontaminato. Esplicito riferimento e denuncia verso il mondo contemporaneo.
Il suo lavoro influenzerà quello delle nuove generazioni allo stesso modo in cui Richard Avedon e Irving Penn sono stati pionieri di molto di quello che noi consideriamo familiare. Oggi giorno la fotografia di moda ha un grande giro d’affari, sia per fotografi che galleristi e come quest’ultimi citati, LaChapelle spinge la fotografia oltre il suo intento pubblicitario, verso il mondo dell’arte.
La sua originalità lo allontana dagli altri, rendendolo unico. Ho intercettato alcune analogie con la fotografia di Pierre et Gilles ricca di sensualità, poesia e omoerotismo. Affrontano, come la Chapelle, tematiche legate alla cultura pop, all’omosessualità e alla pornografia, senza tralasciare i topos religiosi che trovano nelle loro opere una vasta e barocca interpretazione. Traspare sotto la ricerca di una esasperata bellezza un sentimento di malinconia e sofferenza, spesso celati dai forti colori e dalle forme esagerate.
Vorrei concludere con una citazione dell’autore che mi ha colpito: “La sua luce non lascia quasi ombre, ma tuttavia riesce a raccontarci benissimo le ombre che ci portiamo dentro, senza compromessi, moralismi o compassioni” Dietro alle superficie laccate e i colori forti e vivaci ritroviamo un significato profondo che si riaggancia all’orrore di una società che degenera nel tempo. Ammiro il coraggio dell’artista di volerlo esplicitare attraverso le sue forti creazioni, lasciando sempre allo spettatore la libertà a molteplici interpretazioni.
Interessante la connessione che proponi con Pierre & Gilles. Anche se per me i due francesi sono più raffinati, studiatamente leziosi, meno dirompenti di D.L.C.
Affascinante, coinvolgente, surreale il lavoro che ha svolto David LaChapelle.
Un’artista, fotografo che è riuscito ad attirare subito la mia attenzione con le sue opere. Per una cura del lavoro della fantasia, per la cura dei dettagli di ogni singolo scatto.
Un’immagine definitiva che esprime verità, nel lavoro e nell’attenta scelta degli elementi che la compongono.
Proprio per questo è riuscito a sconvolgere il modo di vedere rappresentare la moda.
Per LaChapelle la costruzione dell’oggetto artistico era una sintesi, tra le pratiche del cinema e del teatro. Così che trasforma modelli e modelle in attori chiamati a recitare in una messa in scena. Personaggi che si fanno fotografare comunque nonostante LaChapelle fa risaltare la loro eccentricità. La vera icona non subisce la tenaglia tra negativo e positivo.
Mi ha colpito molto il fatto che studia, incorpora e usa le creazioni dei grandi artisti del passato come metodo per creare una figurazione molto originale e allo stesso tempo senza sminuirle.
Osservando le sue opere, sono rimasta affascinata dall’opera Hawaii, New World, 2017. Che ispira una narrazione eterna e metafisica. Per i colori con la quale è stata realizzata. Un itinerario che unisce passato e presente, dissacranti universi pop e inedite utopie.
Questa serie è realizzata nella foresta pluviale delle Hawaii.
Con la quale vuole evidenziare una frattura che concerne la non-commercialità del progetto stesso.
Dal punto di vista estetico, questa “missione” si traduce in una iconografia meno ridondante, che asciuga la messe di dettagli, così da focalizzare più facilmente l’attenzione dell’osservatore sul messaggio di cui è latore New World.
I lavori di LaChapelle lo hanno reso un’icona dell’arte contemporanea, capace di espandere il genere della fotografia. I suoi ritratti, le sue messe in scena, video musicali e film, sono diventati la rappresentazione dell’America del ventunesimo secolo.
Riconosco in lui la passione, quasi ossessiva, verso Michelangelo, citato in “Deluge”, verso altri artisti, e il mondo barocco, ma onestamente non provo la stessa emozione di fronte alle sue fotografie. Sicuramente le citazioni sono esplicite, ma non riesco a giustapporre l’eleganza, l’espressività e la potenza delle opere di un Michelangelo o un Leonardo con quelle dell’image-maker. La forte componente kitsch distoglie lo sguardo dalla realtà, tanto da non farmi entrare completamente dentro le sue interpretazioni. Rimango sempre lì, sull’ingresso, le guardo, ma non mi ci ritrovo.
Interessante è la serie “Land Scapes” del 2013, attraverso la quale LaChapelle ricostruisce impianti petroliferi e stazioni di rifornimento in scala. Le foto vengono scattate in un ambiente naturale, tra dune e montagne e non in studio. Questo dettaglio mette in risalto l’innaturalità delle strutture umane in un ambiente selvaggio e incontaminato. Esplicito riferimento e denuncia verso il mondo contemporaneo.
Il suo lavoro influenzerà quello delle nuove generazioni allo stesso modo in cui Richard Avedon e Irving Penn sono stati pionieri di molto di quello che noi consideriamo familiare. Oggi giorno la fotografia di moda ha un grande giro d’affari, sia per fotografi che galleristi e come quest’ultimi citati, LaChapelle spinge la fotografia oltre il suo intento pubblicitario, verso il mondo dell’arte.
La sua originalità lo allontana dagli altri, rendendolo unico. Ho intercettato alcune analogie con la fotografia di Pierre et Gilles ricca di sensualità, poesia e omoerotismo. Affrontano, come la Chapelle, tematiche legate alla cultura pop, all’omosessualità e alla pornografia, senza tralasciare i topos religiosi che trovano nelle loro opere una vasta e barocca interpretazione. Traspare sotto la ricerca di una esasperata bellezza un sentimento di malinconia e sofferenza, spesso celati dai forti colori e dalle forme esagerate.
Vorrei concludere con una citazione dell’autore che mi ha colpito: “La sua luce non lascia quasi ombre, ma tuttavia riesce a raccontarci benissimo le ombre che ci portiamo dentro, senza compromessi, moralismi o compassioni” Dietro alle superficie laccate e i colori forti e vivaci ritroviamo un significato profondo che si riaggancia all’orrore di una società che degenera nel tempo. Ammiro il coraggio dell’artista di volerlo esplicitare attraverso le sue forti creazioni, lasciando allo spettatore la libertà a molteplici interpretazioni.
Beh! Sono convinto che tantissime persone si ritroveranno nelle tue parole. Michelangelo e Leonardo sono certamente immensi. Ma ti ricordo che a metà del XIX sec. il critico più influente del periodo John Ruskin li considerava praticamente dei volgarizzatori, trascinandosi dietro tutta la corrente dei Pre-raffaelliti. Comunque se un Michelangelo fosse operativo oggi, quali mezzi espressivi sceglierebbe? Collaborerebbe con brand e pubblicitari? Farebbe fotografie, video e film? Io penso di sì. Dal momento che era molto religioso e di forte tempra etica dubito che avrebbe indugiato a cincischiare con trasgressioni o situazione del genere. Mi piace immaginare che sarebbe stato un Salgado (l’unico artista che per me ha compiuto un’opera paragonabile al ciclo di affreschi della cappella Sistina: mi riferisco a Genesi).
Trovo che questo fotografo sia davvero interessante, è inevitabile dire che i suoi scatti a primo impatto colpiscano e catturino l’attenzione degli spettatori, sarà anche per la dimensione elevata dei suoi lavori, ma credo che i suoi effettivi punti di forza che lo consacrano un vero padrone nel suo campo siano inanzi tutto i colori delle sue fotografie che sono quasi sempre complementari, questo li rende vivaci e squillanti facendoli risaltare ancor di più di luce propria. Poi veniamo alle ambientazioni che catapultano lo spettatore all’interno di un sogno o di un allucinazione grazie al sapiente gioco di luce e ombra all’interno della scenografia. E in fine veniamo ai soggetti a cui conferisce un’aura divina, surreale grazie alle inquadrature che spesso vengono realizzate dal basso e che mirano a sottolineare la regalità e la monumentalità dell’immagine. Tutte queste scelte stilistiche sono dovute sicuramente al fatto che prende molto di ispirazione il mondo antico e le opere classiche. Le sue caratteristiche inoltre sono il fatto di stravolgere le consuetudini andando fuori dagli schemi, come per esempio ribaltando completamente l’idea di immagine sacra a cui noi tutti siamo abituati, accostando soggetti sacri a scene urbane a tratti tragicomiche. Il suo è un mondo pop fatto di immagini futuristiche accostate ad elementi classici, di provocazioni rivolte soprattutto ai grandi brand e ai fenomeni contemporanei dello starsistem. Inoltre non posso fare a meno di notare delle somiglianze con il lavoro di Pierre Et Gilles, infatti anch’egli grandissimo fotografo che si ispira molto alle immagini classiche e vintage, e fa tantissimi riferimenti alla religione conferendo una sacralità tragicomica ai suoi lavori.
La divisione tra colori primari e complementari per me non è decisiva. Nel processo percettivo cromatico il nostro cervello interviene con significativi apprezzamenti di difficile interpretazione.
Ciò che mi affascina di LaChapelle è la provocazione che interpreta nelle sue opere, l’uso della cultura pop, l’essere aggressivo, volgare e surrealista .
Queste caratteristiche per quanto mi riguarda creano una rivoluzione nell’ambito dell’arte ma anche della fotografia, ma anche nella società in cui viviamo.
Credo che le sue opere rispecchiano la società di oggi. Una società che vuol essere libera,senza limiti ne confini come nelle sue opere.
Guardando le sue foto mi ha colpita l’opera “milk maidens” sempre perché esprime volgarità e provocazione ma anche ironia e piacere.
Analizzando le sue fotografie mi ha ricordato il fotografo statunitense Man Ray che come LaChapelle ha uno stile provocante e surrealista.
Con questo articolo ho potuto conoscere David La Chapelle, figura che precedentemente mi era sconosciuta. Osservando i lavori di questo fotografo ho potuto notare, come evidenziato da Cantoni nel corso dell’articolo, che le caratteristiche che contraddistinguono le opere e le foto di moda realizzate da La Chapelle sono i forti colori vivaci posti spesso in contrasto con eventi climatici che altrimenti risulterebbero molto più bui come attimi da affrontare. La Chapelle riesce inoltre a condire questi sui lavori con la rappresentazione di un’alienazione dalla società dell’essere umano contemporaneo, ma allo stesso tempo, con un’efficace rappresentazione delle profonde sensazioni emotive, è in grado di far cogliere agli osservatori più acuti una prevalenza del sentimento umano. Personalmente mi trovo in disappunto sulla definizione come “foto di moda” parlando di alcuni scatti dell’artista. In essi infatti racchiude un paesaggio, elementi comuni, colori vivaci,… oltre che una profonda scelta stilistica che pone in secondo piano l’elemento di moda che in realtà secondo tale definizione dovrebbe essere elemento principale dello scatto. Nelle foto di La Chapelle l’attenzione dell’osservatore è infatti dapprima catalizzata dall’insieme degli elementi presenti nel quadro dell’opera che risultano per esso quasi una fonte di shock non solo per i colori ma anche per la modalità con cui vengono raffigurate certe situazioni, solo successivamente il fruitore è in grado di procedere con una più attenta analisi di quelli che sono i singoli elementi che il fotografo ha scelto di inserire nell’inquadratura. Solo a questo punto l’osservatore riesce a rendersi conto di cosa in realtà sia ciò che lo ha colpito ad una prima occhiata. Vorrei dunque evidenziare che le sensazioni descritte dall’autore vadano espresse come puramente personali in quanto ognuno può giungere ad una percezione differente in base al proprio vissuto, mentre in tal modo l’autore cerca quasi di dare una linea guida all’osservatore per quel che riguarda il modo di approcciarsi al lavoro di La Chapelle anziché lasciarlo libero in questa esperienza. Personalmente cercando di conoscere meglio La Chapelle e i suoi lavori, ho potuto apprezzare la foto “The first supper”. Quest’opera è racchiusa nella serie New World, che l’artista ha realizzato negli ultimi anni. New World segna il ritorno alla rappresentazione della figura umana, che La Chapelle aveva abbandonato negli ultimi anni e in essa immagina il viaggio dell’anima dopo la morte e il paradiso, oltre a dare una propria rappresentazione della gioia, della natura e dell’anima, nello stile surreale e pop per cui l’artista è conosciuto. Ne “The first supper” è possibile notare come in una stessa opera riescano a coesistere richiami all’arte classica (la struttura compositiva mi ha personalmente richiamato alla mente “La Primavera” di Botticelli), aspetti religiosi e naturali ma allo stesso tempo anche elementi della quotidianità contemporanea (quali il copricapo indossato dalla figura femminile centrale che rimanda a quello indossato dalle ballerine di samba nel Carnival di Rio de Janeiro). A riguardo dell’opera e in generale a questa serie di lavori, La Chapelle afferma: “I reintroduce my personal ideas of trasfiguration, regainig paradise, and the notion of life after death”. Cercando di approfondire la conoscenza dei lavori di La Chapelle mi sono imbattuta nei lavori di molti suoi colleghi, ma il fotografo che nello stile ho trovato molto simile alle sue opere è stato Miles Aldridge. Anch’egli infatti ama sperimentare con i colori e le luci, che come egli stesso dice “possono creare il sole, o il traffico visibile attraverso una finestra, o la televisione accesa, dramma, mistero, desiderio, intrigo, orrore.” All’interno della sua produzione è possibile notare come inserisca nei suoi lavori elementi comuni derivanti dall’esperienza personale sebbene dedichi un’ossessiva cura dei dettagli e una precisa pianificazione. Per Aldridge infatti “la fotografia è come un film” le sue opere dunque sono assai complicate traendo ispirazione dalla produzione di Hitchcock, Bergman, Lynch, Antonioni e Fellini.
Non sono capace di fare una disquisizione brillante come ha fatto Eleonora. Ma la penso come lei. Soprattutto mi ha colpito quello che ha scritto su Aldridge. In effetti se penso allo spot sul profumo di J.P. Gaultier che imperversa in Tv credo che abbia ragione. Questo prova l’influenza che LaChapelle sta avendo sui colleghi.
sandro ti ringrazio per ciò che hai scritto, ma sinceramente il mio non è altro che un ragionamento tratto da vari materiali su cui mi sono documentata per conoscere al meglio la figura di La Chapelle
Particolarità di LaChapelle che amo è la sua capacità di truccare la realtà. Nelle sue fotografie non viene mai rappresentato il mondo così com’è, ma il fotografo ha la capacità di trasportarci in un mondo parallelo, puro e soprattutto onirico. Si va quindi a costruire una sorta di seconda natura dove elementi elementi come cielo e terra assumono colori quasi del tutto surreali.
Vengono presentate fotografie come ”Pietà with Courtney Love” oppure ”Accueil” che potrebbero essere considerate quasi blasfeme e presentate in mostre a due passi dal Vaticano. Come possono queste immagini, nella nostra società, non destare alcuna polemica? Secondo il mio parere ciò è dovuto alla grande carica percettiva che distoglie lo spettatore dal soggetto facendo vagare il suo sguardo da una zona all’altra in modo molto veloce. Altro motivo potrebbe essere la classicità delle pose e della composizione delle immagini; infatti LaChapelle pur allontanandosi dalla realtà rimane sempre molto attaccato a uno stile di base classicista.
Una delle serie di scatti che ho preferito è Consumption dedicata all’eccesso e all’eccessiva indulgenza della società moderna. Il desiderio è una delle forze che guidano la dissolutezza delle nostre vite e dunque il soddisfacimento dei nostri voleri nasconde al suo interno il seme della totale dissolutezza. Il desiderio si mantiene vivo solo in assenza dell’oggetto desiderato e dunque quando si ottiene ciò che si vuole le persone si ritrovano quasi impoverite. Consumption rappresenta quindi le forze principali della nostra società che acquista infinite merci incrementando sempre più la sua ossessione per il possesso, ma trovandosi poi alla fine svuotata.
Ritornando a LaChapelle penso che dal punto di vista della proposta della figura di una donna molto erotica e sensuale possa essere paragonato a Helmut Newton, il primo fotografo che ha utilizzato l’erotismo per rappresentare la bellezza estrema, soprattutto all’interno di campagne di moda. La sua provocazione ammalia, incanta, ma non tocca mai le corde della volgarità. Il suo obiettivo era quello di portare a galla la quotidianità ossia tutti quei desideri e fantasie appartenenti alla sfera quotidiana, ma costretti da una morale distorta, a restare “pensiero peccaminoso”. Egli propone quindi l’immagine di una donna quasi profana e peccaminosa. Allo stesso modo si comporta LaChapelle con le sue fotografie profane, ma che allo stesso tempo ci regalano attimini divini.
Si deve molto a David LaChapelle: un genio della fotografia e un osservatore di qualsiasi cosa o persona; mi affascina il fatto che da sempre studia e usa le crezioni degli artisti, come Michelangelo, per poi creare una sua modalità di stile originale.
Conoscevo già il nome di David LaChapelle ma non mi ero mai soffermata sui suoi lavori: devo dire che si fa notare, nelle sue foto possiamo notare l’eccessivo, lo stile barocco e il colore forte, per questo possiamo intuire del perché colpiscono immediatamente lo sguardo dello spettatore.
Questi aspetti li possiamo racchiudere con un altra sua opera non ancora citata, “Nativity” del 2012, nella quale notiamo che l’ironia e il glamour si fondono insieme, spesso le sue opere considerate trasgressive a causa del sottile equilibrio tra sacro e sacrilego su cui si muove l’artista nel rappresentare temi universali.
E’ molto interessante anche il fatto che, da quello che possiamo capire dalle sue fotografie, l’artista fotografa ciò che non si vuole dire con le parole, facendo parlare già da solo il suo lavoro.
Delle fotografie già citate, quella che mi ha colpito di più è “Deluge” per questo effetto di tranquillità in contrapposizione alla storia, nel quale i corpi dovrebbero essere terrorizzati e disperati, invece questi corpi ritrovano i valori universali; questo ci fa capire la grande forza della fotografia.
LaChapelle secondo me, aprì un nuovo capitolo, dal momento che iniziò a realizzare “New World” perché si dovette interrogare sui temi del consumismo e del capitalismo, connettendoli all’idea dell’apocalisse e del diluvio. Basò questo lavoro interrogandosi anche sul cosa ci fosse dopo un diluvio, arrivando all’idea di un nuovo mondo, che non ha troppo a che fare con la mitologia ma con la speranza di un luogo dove qualsiasi persona possa essere una persona migliore, un luogo di unione, una sorta di paradiso.
Dopo la lettura dell’articolo e dopo aver visionato le opere di David LaChapell, ciò che rimane principalmente impresso almeno per quanto riguarda me, è la sua capacità di stravolgere e talvolta di sdrammatizzare uno scenario. Ciò che lo contraddistingue è il rendere le fotografie talvolta surreali tra colori accesi ed esagerazioni. Un’altra caratteristica intrigante è l’uso dell’ironia all’interno delle sue fotografie. Le sue opere denunciano problematiche contemporanee come il consumismo e con una sfrenata esigenza di apparire. Legandomi a questo concetto che ho ritrovato nell’opera Milla Made a Collage, New York, the Face , 1995, che ritrae una donna dallo sguardo compiaciuto, come se si trovasse in uno stato di piacere e benessere, con uno sguardo alquanto provocatorio. Soffermandomi sul background ho notato elementi che rimandassero a vizi, piaceri e consumi. Penso che questo concetto sia tutt’oggi presente nelle nostre vite, l’interpretazione che ho dato io a quest’opera è legata al fatto del bisogno, che ci si sente soddisfatti ed appagati solamente se si hanno oggetti legati al piacere. Credo infatti che anche in questo caso come in molte altre opere di LaChapelle l’aver ritratto una donna semi-nuda, sia stata un’azione provocante, in quanto tutti siamo attratti dalle cose belle. Andando alla ricerca di un fotografo che potesse rimandarmi alla complessità di caratteristiche di LaChapelle, mi sono imbattuta nelle fotografie di Tejal Patni. Laureato alla Sir JJ School of Applied Arts ha iniziato come fotografo di scena.. Ha girato per Harvey Nichols, Bloomingdales, Chanel, Hugo Boss, Levi’s, Splash Fashions, Emirates Airlines e tutta una serie di alcuni dei marchi più interessanti del mondo, tra cui il famoso “Calendario Splash” che ha raggiunto fama mondiale.
“Ho sempre cercato di “spingere un po ‘le cose”, dare alla gente qualcosa che non avevano mai visto prima.” Mi hanno subito colpito e rimandato LaChapelle le caratteristiche del surrealismo, dell’apparente caos causato dell’immagine e dal fatto che la fotografia colpisce, ci conduce a porci domande, non mi permette di distogliere immediatamente lo sguardo dall’immagine cosa che ad oggi capita continuamente. La cosa che ho trovato in comune è il fatto che entrambi portano lo spettatore ad indagare e provare a comprendere la fotografia.
LaChapelle sdogmatizza e critica quelle che sono le convenzioni attraverso un processo di desemantizzazione e di esonero del soggetto rispetto al contesto. Si limita a rappresentare il soggetto senza porsi il problema di come rappresentarlo. E’ evidente ,dunque, che, dando più importanza al significante rispetto al significato, abbia un approccio nettamente, o per lo meno, prevalentemente estetico all’arte (ciò non esclude il fatto che voglia trasmettere dei messaggi molto profondi). LaChapelle replica opere d’arte sacre rinascimentali sfruttandone la notorietà e dunque la cultura visiva secolarizzata rischiando di cadere nel kitsch, nell’eccesso, nel banale e nell’ironia, ma d’altronde è proprio quello che vuole lui, dato che non si preoccupa, o per lo meno non ha paura degli “effetti collaterali” che le sue fotografie possono generare. Molte volte è proprio dallo scandalo, da qualcosa di nuovo, inaspettato che nasce il successo, proprio perché l’arte, secondo me, ha bisogno di originalità, di novità, di uscire costantemente fuori dagli schemi, per quanto sconvolgente possa essere, basta avere il coraggio di spingersi oltre, un po’ come lui. C’è da dire che LaChapelle segue degli ideali ben precisi, un po’ come tutti noi, e uno dei tanti è la bellezza. Come dice in un’intervista: «Perché la bellezza non deve essere mai banale. E l’arte deve sfidare i preconcetti: bisogna togliere l’iconografia religiosa dalle mani dei fanatisti, e il nudo al monopolio della pornografia. Cerco di avere sempre una visione ottimistica, che offra ispirazione». Non è detto che tutto debba essere preso con estrema serietà solo perché delle convenzioni lo impongono o altrimenti può risultare blasfemo o eccessivo o ridicolo o addirittura banale; in un mondo, poi, ormai senza regole e senza limiti tutto ciò mi sembra profondamente moralista ed incoerente. Io personalmente adoro i suoi scatti proprio perché sono fuori dal comune, pieni di stile e molto evocativi, con chiare note utopistiche. Osservando le sue foto sembra veramente che il fotografo concretizzi i suoi ideali utopistici rendendoli verosimili, con effetti e giochi di colore, rendendo il tutto quasi magico. Ad esempio nei suoi scatti per il calendario Lavazza 2020, sembra di vedere, appunto, un “realismo magico”, uno stile pittoresco che sembra innestare spiritualità e materialismo. Ed è magnifico perché sembra di sognare, ti chiedi se quello che vedi sia realtà o finzione o entrambi. In un’intervista a proposito del calendario Lavazza dice: «Ho unito persone, modelli e modelle, alla natura. Alle Hawaii ho potuto ricreare un giardino dell’Eden. Gli scatti sono immagini in cui volersi immergere. Scappare dentro una foto, e ritrovarsi con aria pulita, niente plastica, a fianco di Madre natura». E’ vero, guardando le immagini mi viene proprio voglia di immergermi e scapparci dentro, come se fossero ambientate in un mondo paradisiaco, idilliaco, in cui ti senti al sicuro. Concludo dicendo che credo mi sia arrivato il messaggio insito nelle opere di LaChapelle; provo le stesse sensazioni che descrive il fotografo, mi immedesimo, vado oltre i dogmi e le convenzioni comuni, me ne frego della ragione, parlo semplicemente attraverso le mie sensazioni immediate, le sue fotografie sono un estremo piacere per i miei occhi e io in tutto ciò vedo assolutamente del bello. E credo che l’intento del fotografo sia, almeno in parte, proprio questo.
Sono stato colpito dalla tua vision dell’effetto LaChapelle. Credo che il tuo approccio sia quello di tutti noi cioè fregarsene delle convenzioni e lasciarsi trascinare dalla bellezza delle fotografie.
Contemporaneo, rivoluzionario, bizzarro, teatrale, iconico, in due parole: David LaChapelle. Esso è decisamente un fotografo e regista statunitense estremamente sovversivo, si può dire inoltre che LaChapelle ha rivoluzionato totalmente la rappresentazione della moda e la mentalità di essa. In ogni sua foto, oltre a notare diversi tipi di dettagli, possiamo notare a livello percettivo diverse forze che stupiscono il nostro sguardo. Esso inoltre ha l’abilità, o meglio il potere di distorcere completamente l’idea della “naturalezza” creando così immaginari surreali mai visti prima. Inoltre, ritornando al fatto della sua capacità di distorsione dell’immaginario collettivo della moda, è riuscito a cambiare la visuale di figure che noi definiamo “strane”, rendendole necessarie nell’immaginario della trasgressione. Ora cito l’icona simbolo dell’evoluzione identitaria che passa necessariamente dal cambiamento fisico, diventata icona artistica grazie al lavoro con David LaChapelle: Amanda Lepore. Essa grazie al fotografo è diventata un’icona sia della moda sia come protagonista di importanti campagne. Ho voluto citare questa icona poiché non solo David LaChapelle ha realizzato grandi opere d’arte basate su Amanda Lepore che hanno riscosso un successo inimmaginabile, ma il fotografo ha reso vivo ciò che è per lui l’ideale della figura della “stranezza”, della distorsione della natura, che si destreggia tra pensiero e giudizio e che, guardandola, fa si che questi diventino quel sano senso di colpa che si nutre verso chi ha il coraggio di dire la verità, la verità su se’ stessi che diventa un manifesto per tutti noi, un atto di coraggio biondo platino.
Mi sono piaciuti gli interventi alla discussione. Mi sorprende che nessuno abbia detto che David Lachapelle ha fatto spot bellissimi. I suoi video sono inconfondibili e secondo me dovrebbero essere ricordati.
Quello che dici è vero. Per esempio considero notevole il corto fatto per Diesel 1917, intitolato Make love not walls. È un crescendo che finisce con una tipica figurazione di valori importanti: il muro che esplode, ragazzi che ballano felici, carri armati di gomma sollevati. Naturalmente non danzano come negli spot per rimbambiti della Tim. Risultano più veri, energici.
Il corpo in movimento ritmico ha sempre interessato DLC. Il suo primo film si intitolava Rize, alzati e balla, uscito nel 2005, credo. Era un film/documentario sulle tribù metropolitane di Los Angeles, centrato su sfide di danza improvvisata. Quando lo vidi mi face una ottima impressione.
David LaChapelle ha segnato con il suo stile un’intera epoca della fotografia contemporanea della post pop-art. Il suo nome è sinonimo di eccesso e trasgressione, si pone al confine tra il buon gusto e il kitsch. E’ un artista “al limite”, che non lascia spazio ad atteggiamenti intermedi: lo si ama o lo si odia, senza vie di mezzo. Dalle sue opere emerge in maniera consistente il concetto di tragedia, di distruzione, di abbandono, di degrado in un’atmosfera apocalittica enfatizzata dalle tinte sature e tonali. Tutto è netto, tutto è sullo stesso piano perfettamente a fuoco, non esiste lo sfumato, la profondità di campo. Il suo stile è ironico, dissacrante, surreale, barocco. Nella sua opera “The Deluge” l’artista rappresenta gli orrori del nostro tempo, proprio come accadde negli scatti del fotografo inglese Martin Parr. Mi riferisco in particolare a “The Last Resort: Photographs of New Brighton”(1986), rassegna impietosa dei riti collettivi, dell’omologazione estetica e culturale, del trash food e del cattivo gusto. I colori sono saturi, brillanti e il soggetto è isolato da un colpo di flash che lo stacca dal fondo: esemplare da collezione in una galleria di orrori del nostro tempo. Parr rappresenta scenari, ritratti e dettagli eloquenti di un desiderio compulsivo e irrazionale, della corsa disperata al piacere a ogni costo, all’appagamento della vista e del gusto. E’ nel turismo di massa che la fotografia di Martin Parr trova il terreno ideale. E’ come guardare la realtà contemporanea attraverso una lente deformante: è uno sguardo sui riti della borghesia inglese ma in una prospettiva ravvicinata, impietosa, per così dire “ubriaca”, senza filtri o attenuanti, che genera un sentimento di provocazione e trasgressione ricorrente anche nelle opere di LaChapelle.
Molto coinvolgente la tua descrizione della foto di Parr. Non avrei potuto far meglio. Tuttavia avvicinarlo allo stile di DLC… mah! È vero che lo hanno scritto anche altri ma non sono convinto. Vedi, per me Parr lavora con pezzi di reale e fa di tutto per farceli percepire come tali. Le sue immagini non ci lasciano indifferenti ma disturbano. DLC ha bisogno di trasfigurare gli oggetti presi nel campo fotografico per sorprendere le nostre attese donandoci un sentimentico ludico. È solo la mia opinione naturalmente. Che non toglie nulla alla tuo pertinente intervento.
Ho conosciuto il fotografo in questione solo tramite un lavoro che aveva come soggetto Travis Scott, artista americano che insieme a pochi altri sta cambiando il movimento di quella che prima era cultura suburbana e che ora sta diventando a tutti gli effetti cultura planetaria. E al netto di quelli che sono i tecnicismi (che fondamentalmente poi riconosco ma non conosco), mi rendo conto che quello che apprezzo di più é il suo modo di muoversi in maniera funambolica tra concetti diametralmente opposti fra loro. In primis, i riferimenti pop associati a quelli religiosi con i quali fa emergere una sarcastica austerità per la quale si rimane interdetti e continuando poi con questa visione di una fine del mondo super edulcorata che contemporaneamente emana una sorta di malinconia e solitudine intrinseca che per forza di cose lascia allo spettatore un retrogusto dolce amaro sul quale poi si può ragionare.
Sulla base di questo ho trovato i lavori pubblicati nell’articolo, insieme ai portrait di Scott molto coerenti e molto interessanti e per i quali poi la fotografia passa a diventare arte, intesa come materia di riflessione.
Il Paradiso New Age di LaChapelle saranno pure foto belle ma che messaggio danno? Che il pianeta sta benissimo? Ho letto l’articolo con piacere ma se mi è permesso avrei una critica. L’autore è troppo interessato a descrivere effetti fotografici e poco propenso a prendere posizione sui contenuti delle immagini.
Genny mette il dito nella piaga. I contenuti delle foto di LaChapelle sono sempre al limite. Nella mostra a Venezia ho visto la foto della natività con il Minotauro di colore con fuori tutti gli attributi. Cosa voleva dire? che è lui il fecondatore? La foto colpisce, impressiona. Io però la spiritualità proprio non la vedo. Cioè sì, ma è imbarazzante. Usare la bellezza per mettere a disagio è storia già vista. Strano che funzioni sempre.
Per Maurizio.
Guardo l’infante nella foto (Nativity, 2012) che citi e noto subito che non ha gli zoccoletti al posto dei piedini e nemmeno le cornine. Da questo deduco che il Minotauro fecondatore è una tua paturnia mentale. Non credo che DCL voglia seminare disagio. Al contrario le sue visioni hanno quasi sempre un fondo di ottimismo. Dalla grande arte del passato il fotografo mutua l’effetto percettivo dell’ordine formale della scena, al quale sovrappone con la sua magistrale orchestrazione di luci e colori la scintillante entropia percettiva utile per infondere al tema prescelto la suonata emotiva che ritiene conforme all’effervescenza semantica (non facilmente linearizzabile) con la quale il fruitore deve fare i conti.
Per semplificare: immagina che il senso della natività abbia come contesto territorio e popolazioni dei tropici. Al posto dei re Magi, della mucca e dell’asinello etc. etc. devono per forza apparire altre figure. Non mi risulta che asini e mucche, animali notoriamente rincoglioniti dall’addomesticamento, nella savana possano sopravvivere come fanno i rinoceronti & Co. Probabilmente l’uomo che indossa una maschera a testa di toro, vuole raffigurare lo stretto legame che il pensiero selvaggio stabilisce tra uomini e bestie.
E non sono sorpreso di vedere nella foto, sciamani o guerrieri tribali invece che personaggi vestiti alla mustafà.
Non ci vuole molto a capire lo straniamento al quale DLC sottopone il mito in oggetto. Cosa vuole dire l’immagine? Probabilmente vuole ricordarci che tutte le natività hanno qualcosa di divino a prescindere dal colore della pelle e dalle decorazioni narrative.
Per Genny.
Credo che tu ti riferisca alla serie di foto conosciute come New World. Effettivamente presentano un surreale Paradiso cioè un paesaggio che sembra in sospeso tra sogno e realtà. Direi che la visione di DLC è una divertente alternativa alla teoria dei 3 Paradisi di Pistoletto, l’artista maestro in percezioni “povere”.
Il primo paradiso sarebbe la natura. Il secondo sarebbe quello artificiale creato dall’uomo. Il terzo e il più importante sarebbe il risultato di una collaborazione tra uomo e natura. Questa necessaria nuova alleanza viene costantemente ricordata da Pistoletto attraverso un metodo di essenzialità percettiva (che non esclude naturalmente il grande valore del messaggio). La tattica di DLC è l’opposto, l’esuberanza percettiva ci proietta in un mondo utopico che ripristina il rapporto con la natura all’insegna dell’entusiasmo, dello stupore. Quindi le opere di Pistoletto funzionano come un “monito”, quelle di DLC come una “speranza””desiderio”. Di cosa abbiamo più bisogno oggi?
David LaChapelle è sicuramente un personaggio che ha superato un limite e proprio per questo motivo è definito trasgressivo e rivoluzionario.
Un artista che ha reso la sua fotografia un’arte surrealista, quasi da essere confusa con un quadro di Dalì, da lui molto amato e stimato.
Nelle sue opere il fruitore può immergersi in mondi carichi di dettagli che possono sembrare parte della totalità del quadro, ma in verità si potrebbe analizzare ogni singolo elemento e comunque, questo avrebbe un significato profondo.
Prendiamo come esempio ‘’Heaven to Hell’’, lo sfondo si confonde con il paesaggio che è sia contenuto che contenitore.
Al centro, altri personaggi alludono alla morte di cristo.
A proposito del Cristo, un Cristo biondo?!? È divertente e provocatorio. Mi piace.
Sicuramente questa sua caratteristica e questo suo stile ha avuto un enorme trasformazione quando ha visitato gli affreschi di Michelangelo nella Cappella Sistina.
Da li ha creato una delle sue opere più famose ispirato al ‘’ diluvio universale ‘’ di Michelangelo : ‘’Deluge’’ (2006) toccando con grande abilità ed eleganza un tema molto delicato, la contemporaneità.
Creando un vero e proprio ‘’quadro fotografico’’ che critica l’uomo post moderno e la sua paura del grandi cambiamenti.
Condivido la scelta di riprendere un opera famosissima di Michelangelo per un fine commerciale e di visibilità.
Dal punto di vista strategico di marketing è una ottima opportunità di entrare in un contesto che ‘’fa chiacchera’’.
Sono sicura che molti commenteranno questa mia affermazione dicendo : ‘’ti sbagli Maite, l’arte non ha assolutamente un fine commerciale’’, ma non bisogna dimenticarsi che LaChapelle è prima di tutto un fotografo, e le sue opere sono estremamente ricercate, ma di certo non gratis.
inoltre, ho un altro pensiero riguardane la scelta di riprendere Michelangelo.
È interessante accostare le due opere storicamente: a Michelangelo è stato commissionato ‘’il diluvio universale’’ da un Papa, per l’esattezza Papa Giulio II, con il compito di immortalare una scena biblica che ha la funzione di essere immortale e duraturo.
Mentre LaChapelle la ripropone ai giorni nostri dove il duraturo non esiste, ogni cosa sembra essere al limite della devastazione e tutto si sta frantumando.
Sicuramente nel 500 la chiesa era un caposaldo, Dio era una figura che rasserenava l’intera umanità.
Ai giorni nostri, il mondo mondano sta cedendo, a cosa ci aggrappiamo? Di chi è la colpa di questo disastro?
A me risulta che Giulio Ii fosse chiamato il Papa terribile per la sua ferocia. A quei tempi Dio non rasserenava un bel niente. Nel suo nome si combatteva, si bruciavano donne e liberi pensatori. Cara Maite sono d’accordo con quello che scrivi su LaChapelle ma non con il tuo finale. Cioè la domanda che poni è giusta, però sembra che il mondo stia cedendo perché Dio è morto. Non sono d’accordo. Il mondo sta cedendo perché siamo degli stronzi che non vogliono cambiare stile di vita e di pensiero.
Antonio, è vero che Papà Giulio II era definito “ terribile” ma non confonderti con il suo volere ed il volere della chiesa, l’ho citato solo perché era il committente.
Hai detto bene, si combatteva, si bruciavano donne definite streghe ecc.
Ma in verità chi voleva il tutto? La chiesa.
Il suo monopolio politico ha portato a compiere tali atti.
E la cosa più importante da sottolineare è che la popolazione credeva ed incitava queste pratiche.
Questo è il senso di appartenenza che noi umani necessitiamo per sopravvivere.
Siamo animali sociali e ci dobbiamo sentire parte di qualcosa, una famiglia, una comunità, una squadra.
Purtroppo è anche vero che viviamo nel mondo dell incertezza, dove la frenesia del mondo può spaventare.
Alla fine era il tema della biennale d’arte di Venezia di quest’anno “ may you live in interesting times”.
E credo che LaChapelle volesse esprimere proprio questo concetto.
Da ciò mi ricollego alla tua espressione sulla morte di Dio:
Dio non è morto, attenzione, l’ho utilizzato solo come metafora e penso sia solo meno presente.
Ritengo che sia uno dei tanti motivi per cui il mondo sta crollando.
Per non creare incomprensioni vorrei dire che io non ritengo che la figura di Dio ci debba per forza essere, ma sicuramente per alcuni è un “ porto sicuro “.
Le domande di conclusione non riguardavano solo Dio e la religione.
Concordo con te che la popolazione (soprattutto italiana) non vuole cambiare pensiero o stile di vita ma per paura.
Temiamo la novità perché è scomoda, ma da qualche anno ormai noi tutti DOBBIAMO cambiare.
Ne è un esempio il “Friday for future”, i giovani lo sentono e questo grazie al senso di appartenenza che ci accomuna.
Poco a poco le novità verranno accettate, ne sono sicura.
La personalità e la genialità di LaChapelle sono più uniche che rare, in quanto si distinguono da qualsiasi personaggio vi sia mai stato nella storia. Ha la capacità di attingere da svariate fonti culturali, anche piuttosto elevate, pur brillando di una luce propria e direi unica.
Si tratta di un particolare personaggio, all’apparenza rivoluzionario ma probabilmente in realtà meno di altri. Con questa affermazione intendo che LaChapelle ribalta il senso della disciplina della fotografia. La fotografia consiste spesso o nell’immortalare momenti naturali e spontanei da cui è possibile estrapolare il significato, o nel comporre una scena, in maniera artificiale, che comunichi specificatamente un messaggio voluto dall’artista ma che, nel complesso, appaia comunque naturale così che mantenga credibilità. LaChapelle al contrario compone “banalmente” una scena totalmente artificiale, fuori dagli schemi, volutamente surreale dove spesso vi sono dissonanze tra i personaggi ed il contesto; questo modus operandi che ricorre in tutte le sue opere, è il suo segno distintivo ed è portavoce della comunicazione pura e senza filtri dell’artista. Le sue fotografie, costruite minuziosamente nel singolo dettaglio, sono così finte, così surreali, da rappresentare alla perfezione la “reale realtà”.
Il paradosso a cui va incontro il lavoro di LaChapelle è esattamente il fulcro della sua genialità. Se ci soffermiamo ad esempio su “The Kardashian family Christmas card” ritroviamo esattamente tutte le caratteristiche citate sino ad ora. La scena è indubbiamente costruita su luoghi comuni, esagerazioni e idealizzazioni di un mondo hollywoodiano che, seppure consapevoli dell’artificio e dell’estremizzazione rappresentati, tendiamo a pensare realmente in questo modo nella nostra mente. È qui che entra in gioco il lavoro percettivo che LaChapelle attua nelle sue opere: sapendo che la nostra percezione è spesso soggetta a distorsioni, lui decide di rappresentare le percezioni della gente anziché scegliere tra la realtà o la finzione; ecco perché ci appare tutto così reale.
L’estrema credibilità che le fotografie trasmettono è probabilmente la conseguenza del fil rouge che lega la finzione della scena alla finzione da cui siamo circondati nella società odierna, soffocata dalle continue immagini del consumismo, dall’importanza materiale degli oggetti, dalle apparenze che, seppure fasulle, ci categorizzano in diverse “tipologie di persone”. L’esempio più lampante ed esplicativo che racchiude questo discorso, si può ritrovare nella chirurgia plastica: quanto tempo passiamo a contemplare bellezze che altro non sono che false?
Michela dice delle verità. Ma a me non sorprende vedere che ammiriamo facce e corpi modificati dalla chirurgia plastica. LaChapelle è talmente giusto che potrebbe fare apparire bella qualsiasi cosa. Mi sorprende sapere che l’intervento chirurgico estetico è il primo desiderio tra i giovanissimi. Non sono convinta che il messaggio del fotografo sia una critica. Essendo belle foto potrebbe risultare un incitamento a modificare se stessi.
Infatti Mary non ho voluto parlare né di critica alla società né di approvazione, ma semplicemente di quanto le sue immagini rispecchino la “falsità” della realtà dei nostri tempi, in maniera oggettiva. Personalmente non ritengo le fotografie di LaChapelle critiche, secondo me lasciano spazio alla libera opinione di ciascuno di noi; è come se lui volesse soltanto ritrarre un mondo che vede.
Le precisazioni sono giuste. Però cara signorina Maite io non sono sicuro che basti qualche piazza piena di sardine, per realizzare novità così impegnative. Ecco perché apprezzo artisti come LaChapelle, un’ex giovane, che a loro modo contribuiscono a farci sentire quanta bellezza rischiamo di perdere.
Ehi! Maite e Antonio, come siete mielosi. Ma siete sicuri che a Lachapelle gliene freghi qualcosa delle vostre disquisizioni politico religiose. Per me Michela fa la lettura giusta quando dice che è la celebrazione della finzione che prende il posto della realtà ad interessarlo.
Antonio, mi dispiace ma hai preso lucciole per lanterne.
Non ho menzionato il movimento delle sardine, ho fatto riferimento a ”Friday for Future” che è un movimento ambientalista, e soprattutto non politico, a livello mondiale.
Con questi piccoli gesti, noi giovani ci facciamo sentire.
L’arte è un canale di comunione che ci fa interrogare sul mondo circostante, ed io la adoro per questa ragione.
Purtroppo l’ arte nel mondo odierno non dispone della necessaria urgenza per potere modificare la ”status quo”.
I movimenti, hanno la forza e un impatto mediatico immediato per smuovere le coscienze della gente e dei politici, per spingerli ad agire.
cara genny, sono discussioni.
Credi che Lachapelle non si sia interrogato su questi temi ? Ne dubito.
Hai ragione ero molto bevuto. Però i movimenti esistono da sempre. Quando mai hanno combinato qualcosa?
Non ero a conoscenza di questo artista prima di leggere l’articolo ed è stato interessante scoprire questo suo mondo, caratterizzato da uno spirito critico-cinico, ma anche ironico.
E’ interessante notare come LaChapelle modifica i personaggi dello star system, ovvero riprende dipinti del passato e li ripropone in chiave moderna ed eccessiva. Ad esempio mi è rimasto impresso lo scatto fatto a Michael Jackson nei panni di un angelo che con le ali bianche, calpesta il diavolo.
Ma venire a sapere che la copertina del terzo album di uno dei cantanti che ascolto costantemente è stata scattata da David LaChapelle mi ha emozionato. Travis Scott e David LaChapelle hanno collaborato per creare una copertina spaziale.
La cosa interessante è che ogni volta che sentivo questo album mi chiedevo guardando l’immagine, chi avesse scattato questa copertina strepitosa, ma non ho mai fatto una ricerca approfondita. Infatti quella che appare una semplice cover di un album cela dietro di sé la pura essenza dell’arte di LaChapelle.
Inoltre appena aver letto l’articolo ho pensato che LaChapelle potesse avvicinarsi molto alle foto dell’artista, fotografa e regista americana Cindy Sherman. Forse per i colori vivaci e sgargianti o forse perché entrambi trattano di tematiche sociali importanti.Anche se Cindy Sherman aveva come protagonista delle fotografie se stessa, mentre LaChapelle come già detto prediligeva personaggi dello star system, entrambi hanno un modus operandi simile.
I personaggi della Sherman erano allo stesso tempo divertenti, scioccanti, commuoventi e sgradevoli, per far ciò utilizzava delle parrucche o si travestiva da clown.
A mio parere proprio i clown rappresentano un punto di incontro tra il lavoro di LaChapelle e quello di Sherman; queste opere fanno riflettere.
Sinceramente non trovo nulla di geniale in questo artista, mi riesce difficile persino commentare in quanto sarei bugiardo nel dire che LaChappelle mi sia piaciuto.
Colorato, eccessivo, forse kitsch: si riconosce già dopo uno sguardo.
Ironia e glamour si fondono nelle sue opere trasgressive, si muove LaChapelle tra sacro e sacrilego, ne è un esempio l’opera Nativity.
Per questo credo non mi sia piaciuto, troppo eccentrico!
Tuttavia ammetto che i portrait sono fantastici, ironici, sempre nello stile di LaChappelle però li ho trovati veramente originali in particolare quelli di Eminem.
Ho visto spesso in giro per il web delle immagini di LaChapelle senza sapere chi le avesse realizzate, comportamento solito in questa società dove veniamo costantemente bombardati di stimoli visivi, ma grazie a questo articolo ho avuto l’occasione di collegare le opere all’artista.
Oltre alle immagini presentate ho fatto una ricerca di altre sue opere per capire meglio con quali soggetti ha lavorato e quali provocazioni ha stimolato e trovo molto interessante il suo lavoro.
Anche un profano capirebbe subito se sono sue opere o meno. Colori brillanti e intensi, personaggi carichi di significati sia per le loro personalità nella realtà ma anche per il ruolo che interpretano nell’immagine. Espressione dei volti, vestiti (che spesso mancano) e dettagli in ogni mm di immagine rendono i suoi lavori delle opere che difficilmente dimentichi. L’insieme dei colori, delle luci, degli elementi e delle composizioni sono così straordinariamente comunicativi che a volte ti viene da riflettere se quella percezione della scena fosse voluta dall’artista oppure è una tua costruzione mentale.
Non credo ci sia innovazione in ciò che LaChapelle ha realizzato.
Trasgressivo, innovativo, surrealista, comico, pazzo, barocco, contemporaneo, sono definizioni e non solo queste, che non lo rendono diverso od innovativo da altri.
Prima di lui ci sono stati molti altri artisti, sicuramente si può differenziare da loro per ciò che mette di suo nelle sue opere, ma non che sia un rivoluzionario.
Ai tempi d’oggi vi è la possibilità di poter utilizzare altri modi di espressione che rendono all’occhio qualcosa di diverso che ai tempi a dietro non esisteva.
Ma prendiamo artisti come Duchamp, che sulla Gioconda di Leonardo da Vinci è riuscito a giocare con dei baffi e una frase, tanto da renderla lo scalpore di quel tempo.
Tanti altri artisti non riconosciuti hanno fatto tale cosa, rendendo opere d’arte dei veri e propri pezzi glamour, scherzosi, trasgressivi, utilizzati anche per pubblicità.
Sicuramente lui ha avuto l’idea di renderle uniche a suo modo, e sopratutto di utilizzare tematiche contemporanee molto forti, una tra le tante che è quella religiosa, da rendere la critica molto pesante, visto che può dare molto fastidio.
Sicuramente, essendo stato uno studente del Liceo Artistico amante dell’arte, posso dire che di furbizia ne ha usata tanta, non è sempre facile sdrammatizzare l’arte o renderla un Black Humor o anche una semplice opera comica, ma LaChapelle ci è riuscito tanto da creare scalpore e critiche.
In effetti, ciò che mi ha colpito di lui, è stata la sua capacità di riuscire ad incastrare personaggi dello star-system, con opere da lui amate di Michelangelo, utilizzando questi colori molto accesi, che rendono il tutto un cerchio di esplosione, immergendole in tematiche forti che chi se ne capacità, riesce a coglierne il messaggio.
– Bisogna sempre capire quale messaggio vi è dietro un’opera e non guardarla mai come se fosse un disegno qualunque.
Da notare in oltre, come lui renda le opere simili a dei frame di alcuni film, uno in particolare che mi viene in mente è “kingsman”, quindi molto interessante l’utilizzo delle cromie e della composizione.
Non mi risulta che nello script iniziale venga usata la parola “innovazione” e nemmeno “rivoluzione”.
Di fronte a oggetti caratterizzati da una forte carica espressiva, la nostra mente quando funziona bene, va alla ricerca di specificità cioè di caratteri che li differenziano da ciò che deve rimanere nello sfondo.
In tal modo possiamo parlare per esempio di stile individuale.
Naturalmente nessuno crea dal nulla. E la ricchezza culturale di una immagine, la sua profondità, dipende da queste correlazioni con tracce che rinviano alla soluzione di problemi (formali) comuni con intere generazioni di artisti.
La prima volta che ho guardato e osservato più attentamente le fotografie di David Lachapelle, ho provato due sentimenti opposti contemporaneamente. Il disgusto non mi faceva distogliere lo sguardo dall’immagine: mi portava a voler vedere ogni minimo particolare, per cercare di capire cosa intendesse dire con la sua messa in scena. Credo che la prima caratteristica delle sue opere, quella che attira lo sguardo in un mondo pieno di immagini, siano i colori e i loro accostamenti esagerati e surreali.
È un po’ come le opere d’arte, come citato anche nell’articolo, di Andy Warhol: prendiamo in esempio la sua Marylin Monroe. Le cromie sono la ragione per la quale la nostra attenzione si sposta e si concentra su quell’opera, con il desiderio di non stancarsi mai di osservarla. Soltanto dopo le cromie, ci accorgiamo che scompongono il volto dell’iconica Marylin. La caratteristica più sconvolgente è ci sentiamo e reagiamo allo stesso modo davanti alle immagini di Lachapelle.
Attirati dalle cromie, soltanto in seguito il nostro cervello compone l’immagine e collega le figure presenti nella composizione, a quelle che conosce nella realtà. In seguito, però non va a cercare e a sforzarsi per capire il significato, gli basta questo: l’impatto visivo che ha l’immagine sul fruitore è così forte, che non ti serve sapere o comprendere cosa ce dietro.
In realtà le sue opere/immagini prendono e raccontano la realtà, che sia presente, passato o futuro; addirittura i suoi racconti potrebbero essere posti in qualsiasi epoca, perché parlano dell’umanità, delle sue credenze e caratteristiche comportamentali sempre presenti.
Prendiamo in esame, per esempio, l’opera dover viene rappresentato Michael Jackson, che “sconfigge” e calpesta un diavolo rosso, con sullo sfondo una tempesta sul mare. Personalmente la prima caratteristica dell’immagine, che ha attirato e emozionato il mio sguardo, è stato l’accostamento della cromia bianca con quella rossa, che su un sfondo composto tonalità neutre, come il nero e il grigio, spicca.
Soltanto in un secondo momento la mia percezione si concentra su cosa queste cromie compongono. L’interpretazione però è libera: nella fotografia non si comprende cosa l’artista volesse dire, e sinceramente è così esteticamente attraente ma kitsch, che neanche mi interessa. La mia mente vaga cercando diverse interpretazioni, ma senza sforzarsi troppo, perché è già soddisfatta soltanto dal suo aspetto esteriore.
È per questo motivo che ha funzionato come fotografo di moda: le cromie che attirano l’attenzione, assieme alle composizioni caricate bastavano al fruitore comune per concentrarsi sull’immagine, sull’aspetto esteriore delle figure rappresentate – capi che indossano. Non riuscendo a percepire il significato nascosto, legato alla realtà, delle sue opere ci si concentra sulle caratteristiche che attraggono e vengono fruite da tutti – la moda e i vestiti.
A differenza dei fotografi di moda che l’hanno preceduto, ha dato inizio ad un modo diverso di includere gli abiti nelle fotografie. Creando apparentemente mondi surreali, ma che vadano in un secondo piano a rappresentare i problemi, drammi e caratteristiche della società e della realtà, che non è necessario siano del presente.
Prendiamo, per esempio uno dei fotografi più importanti e artisticamente significativi del Novecento: Horst. La sua fotografia non ritraeva mondi fantastici o la realtà, ma voleva raccontare un sogno di bellezza, eleganza e glamour: a differenza di Lachapelle, che del glamour e della bellezza, intesi in modo classico e convenzionale, non gli interessava. Nelle immagini di Horst si rintracciano i riflessi del classicismo greco, del Bauhaus, mentre in Lachapelle ci sono Michelangelo e Andy Warhol, così da andare a rappresentare no una bellezza elegante, classica, sensuale, ma quella che è il risultato di grottesche degenerazioni degli ideali di bellezza: con la rappresentazione di uno stile ultra glamour.
Le immagini di Horst si concentrano sulla bellezza classica e evocativa, le sue immagini per questo ci sembrano distanti e appartenenti ad un’altra epoca. Anche se la bellezza rappresentata è eterna, è pur sempre legata ad una cosa che non c’è più. Lachapelle con il suo kitsch, ci racconta qualcosa che c’era e ce, che è reale: anche se il mondo rappresentato nelle sue fotografie è surreale, è più realistico delle fotografie eleganti e distanti di Horst.
Personalmente quando guardo le opere di Horst mi vengono in mente le fotografie che trovi sui comodini nelle camere da letto di signore e signori anziani: quelle che ti riportano indietro nel tempo e ti fanno sognare, rivivere quei momenti anche se non li hai mai vissuti. Pensi a come sarebbe potuto essere vivere in quelle epoche, dove tutto era diverso.
Lachapelle invece apparentemente è surreale, ed è come se rappresentasse una realtà che non esiste o non appartiene alla nostra. Ma non ti fa sognare, non ti trasporta in questa apparente realtà lontana: perché quella che rappresenta è quella che viviamo. È secondo me un concetto molto difficile da comprendere, ma Lachapelle è tanto surreale quanto terreno: con il suo kitsch, che sembra apparentemente distante dalla nostra realtà, fotografa ciò che non vogliamo dire con le parole.
I tuoi rilievi sulla pregnanza cromatica delle immagini di DLC sono una interessante congettura.
Anche il finale ci offre spunti intelligenti per inquadrare meglio il processo di fruizione probabilmente previsto dall’artista.
Indubbiamente un artista che ha dato vita a un’eredità fotografica intramontabile, le sue immagini sono così pertinenti al mondo consumistico e superficiale in cui ci troviamo, quasi da lasciare senza fiato chi le guarda: in quanto si percepiscile una sottile sensazione di degenerazione irreversibile.
La crudele realtà che si palesa agli occhi dello spettatore viene attutita dall’equilibrio e perfezione che lo rassicura, ma che allo stesso tempo porta a riflettere…
ICARUS (2017)
È un’immagine tra le tante che cattura e amplifica tormenti, paure, ansie comuni ad ognuno di noi. Gli innumerevoli contrasti rendono impossibile distogliere lo sguardo: il richiamo all’arte affascina, la critica rivolta alla società è diretta, senza tanti giri di parole.
Forse vi è anche un’ispirazione alle sue prime opere, in cui il tema principale era il lato più angosciante dell’esistenza.
Sicuramente tanta dell’ironia che ritroviamo nelle sue opere è data dall’incontro rivoluzionario che ebbe agli esordi con l’insuperabile Andy Wharol, ironia accentuata anche grazie alle molteplici cromie eccentriche e spiritose, rimandano ad un nostalgico e positivo passato ormai irripetibile.
Nelle opere di questo artista si susseguono spunti per dibattiti lunghi anni luce, senza dubbio un genio.
Alessia L
David LaChapelle è considerato colui che rappresenta la moda del 3° millennio.
Nelle sue creazioni vediamo la sua visione della realtà, paragonabile a quella Felliniana, dove il fotografo, con il suo inconfondibile stile, riesce a rende artificiale tutto ciò che è reale.
Analizzando le sue creazioni, possiamo notare l’esplicito riferimento al maestro del rinascimento italiano, Michelangelo e ad altri artisti fenomenali come Bellini e Canova.
A differenza di essi , cito un pensiero dell’autore: “…ma invece che adattare lo scenario al sentimento che il quadro vuole trasmetterci, come facevano gli antichi, LaChappelle creando una ambientazione kitsch o se volete eccessivamente carica di colori puri, unisce alla commozione della scena la leggerezza di un paradossale sorriso.”
Molto interessanti sono le campagne progettate per i grandi brand di lusso, dove l’oggetto moda è volutamente decentrato, per dare importanza ad ogni minimo dettaglio dell’opera.
David Lachapelle si ispira alla Pop Art, in particolare all’artista Andy Wharol.
Notevole è il lavoro Negative Currency, serie realizzata nel 2008, anno caratterizzato da una brutale crisi finanziari.
In “One Dollar Bills” il richiamo ad Andy Warhol è evidente, dove a differenza del maestro della Pop Art, LaChapelle presenta la banconota, in suo perfetto stile straordinario e stravagante come se fosse un negativo fotografico, riempendo l’opera di colori sgargianti che, in contrapposizione tra di loro, risaltano all’istante all’occhio del fruitore.
La Chapelle è considerato senza dubbio uno dei più importanti fotografi contemporanei. Le sue fotografie mostrano le ossessioni contemporanee , il rapporto con il piacere, benessere e un’estrema voglia di apparire, infatti fa uso di colori forti e superfici laccate e con la presenza di un nudo sfrontato.
Approfondendo la ricerca di fotografie , mi è piaciuta la campagna pubblicitaria P/E 2019 per Kenzo , Kenzotopia -il paradiso surreale di David la Chapelle , questa campagna vuole trasmettere un messaggio di ottimismo e energia per le nuove generazioni, possiamo notare la presenza di ballerini, musicisti, studenti , giovani e non in un paesaggio urbano e selvaggio tra sogno e realtà.
Facendo una ricerca ho trovato che Miles Aldridge , fotografo e artista britannico , abbia somiglianze con la Chapelle per quanto riguarda le immagini surreali e i colori eccentrici.
Sì Asia, sono d’accordo. Miles Adrige ha innumerevoli somiglianze di famiglia con lo stile DLC. Per entrambi l’epopea Pop è stata fonte d’ispirazione (Wharol e Lichenstein, soprattutto). Entrambi ci invitano a percepire nell’immaginario del nostro tempo qualcosa di eccessivo ma al tempo stesso seducente e ironico, A mio avviso DLC aggiunge un tocco di volgarità che Aldridge evita.
LaChapelle è il fotografo più contemporaneo che conosco sempre intento a lanciare provocazioni attraverso le sue opere fotografiche spesso usando anche la volgarità.
Il suo marchio di lavoro è quello di prelevare opere già esistenti di artisti di grande livello e rielaborarle adattandola al mondo d’oggi e che spesso non viene detto con le parole.
Una delle opere che più mi affascina di LaChapelle è ‘’ Rape of Africa’’ del 2009, piena di colori e di riferimenti che ci riportano alla Pop Art (come ad esempio il particolare delle pareti ci ricorda un’opera di Andy Warhol).
Un artista che ho scoperto dopo qualche ricerca non troppo lontano dal modo di lavorare di LaChapelle e che mi affascina particolarmente è Bart Herreman, fotografo del Belgio che rappresenta animali e personaggi all’interno di un mondo che di volta in volta rappresenta luoghi improbabili e momenti quotidiani.
Mah! Alessia, Burt Herreman? Quello dei rinoceronti inframmezzati da figure geometriche, quello degli animali che galleggiano nel cielo? Troppo surreal/metafisico per associarlo a DLC. Perdinci e poi perbacco
Mi risulta un pò difficile constatare se le opere di questo artista mi piacciano oppure no.
Personalmente, devo dire che a primo impatto io non abbia trovato in lui un’espressione così stravagante, diversa da quello che è il mondo di oggi. Forse è proprio perché di stravaganze ne vediamo a bizzeffe che questo non mi attrae. Oppure un’altra motivazione è, forse, il passaggio di messaggi che già conosciamo. Tutti siamo in qualche modo legati alla società consumistica, che sia per un motivo o per un’altro; e tutti però ce ne infischiamo anche.
Probabilmente quello che attrae di queste foto, è il fatto che sono delle verità sbattute in faccia, che crea quasi un risveglio nel conscio nel fruitore solo nel momento in cui le osserva.
Probabilmente la bravura dell’artista consiste in questo.
Un altro messaggio che David LaChapelle trasmette in maniera non poco aggressiva lo troviamo in “Rape of Africa”, e già il titolo sta a sottolineare quello che poi viene rappresentato nell’opera. David, per questo lavoro, si ispira a “Venere e Marte” di Botticelli del 1482/83.
Il titolo significa “Stupro d’Africa”, e subito l’occhio cade sulla Venere, che viene raffigurata da Naomi Campbell, dove le vesti stracciate già parlano da sé. Oltre alla donna abusata, c’è una terra, rappresentata al centro che viene deturpata e privata sempre di più del suo oro; e dove i bambini, sin da subito, vengono rivestiti di armi e diventano così bambini soldato.
A destra invece c’è Marte, dio della guerra, che se la dorme beatamente sul bottino.
Sicuramente il punto forte di David è il linguaggio, il messaggio che in molte opere è facilmente fruibile. Messaggio che viene rafforzato sicuramente dalla composizione e dai colori.
Ci sono tre livelli sui quali le foto di LaChapelle ci catturano. Il primo è il colore, il nostro occhio è attratto da questo turbinio caleidoscopico di tinte; il secondo verte sugli oggetti e sulle forme che utilizza, sinuose, intriganti, equilibrate tengono intrappolata la vista; in ultima istanza colpisce sul piano significativo, ovvero ciò che c’è dietro quella artificiosa costruzione. Unisce sacro e profano, consenso e ammonizione, divino e terreno, creando così una dicotomia che origina un ragionamento dietro l’opera.
Intrappola realtà in cui viviamo e che spesso preferiamo evitare e osservando i suoi scatti in questa chiave è paragonabile ad un artista americana degli anni ’60-’70, Diane Arbus, infatti pur operando in epoche diverse entrambi si interessano a verità che si tendono ad evitare. Certo le differenze tra i due sono numerose, LaChapelle costruisce artificiosamente un set dove è lui ad orchestrare ogni dettaglio, la Arbus cattura l’istante così com’è priva di fronzoli ed artificiosità. Il primo ricrea la realtà la seconda la lascia cruda. Potrei elencare per ore ciò che divide i due fotografi.
Ma hanno una cosa fondamentale in comune: entrambi creano scandalo, e nulla cattura di più l’uomo dello scandalo. Ci fingiamo offesi moralmente quando in realtà siamo attirati da ciò che trasgredisce dall’etica socialmente condivisa, ed entrambi rompono queste barriere, LaChapelle per esempio con “L’annunciazione” mentre l’Arbus con ad esempio “A Young man with his pregnante wife in Washington in Square Park” (foto che ritrae una coppia di etnie diverse, e se pensiamo a tutta la discriminazione razziale dell’America degli anni ’60 non stupisce il perché questa foto creo scandalo).
I due fotografi lavorano eterizzando lo scatto ed allontanando da noi i soggetti; la Arbus cogliendoli nella loro spontaneità, ci fa percepire gli sguardi su di noi e ci mette in soggezione facendoci sentire osservati, LaChapelle con i suoi colori, le sue luci e le sue forme asserisce valori che ci fanno vedere la foto come lontana ed immutabile.
Così lontani ma così vicini ci sbattono in faccia verità scomode, con stili completamente opposti eppure guidati dalla stessa idea, quella di stuzzicare quel primario istinto insito in ogni persona andando oltre lo stereotipo e il comune consenso.
La fotografia di David LaChapelle è estremamente provocatoria e ironica nei confronti della società, del consumismo. Opere rinascimentali vengono rovesciate diventando quadro e rappresentazione di una moderna società, di tutti i suoi errori e le sue contraddizioni. Unisce riferimenti e soggetti riconducibili alla storia dell’arte a elementi “bassi”, quotidiani, in un insieme molto pieno e stridente, ma che riesce sempre a stupire e trasmettere un messaggio molto diretto.
La sua arte ti colpisce su due livelli; prima, superficialmente, si viene colpiti dai colori accesi, dall’eccesso, dalle composizioni talmente ricche da non sapere dove rivolgere lo sguardo. Quando ci si sofferma ad analizzare i soggetti, i riferimenti, si viene colpiti dal modo in cui trasmette messaggi provocatori, ironici, forti.
La sua carriera parte dalle riviste e le sue foto denunciano le ossessioni, il vuoto e l’effimero della società contemporanea e dello star system. Il Rinascimento, presente in ogni sua opera, mischiato con altre influenze tra cui la Pop Art, perde parte della sua armonia per acquisire una maggiore forza.
Ogni opera di LaChapelle possiede qualcosa che ti colpisce ma non conoscendo la sua produzione e frugando un po’ in essa mi sono trovata davanti alla serie di fotografie rappresentanti le Stazioni di servizio. Queste opere fanno riferimento a due altri artisti: Ed Rusha e Edward Hopper, ma hanno uno stile molto diverso, molto più futuristico, dato dai neon colorati (il colore acceso e forte è sempre presente nelle opere di LaChapelle). Inoltre a differenza delle fotografie di Ed Rusha ed Edward Hopper, quelle di LaChapelle lasciano un po’ straniati perché non si inseriscono in un paesaggio urbano o nelle vicinanze di un’autostrada, bensì in una foresta pluviale, come a voler dimostrare quanto l’uomo stia invadendo la natura.
Tra tutte le immagini che ci scorrono davanti ogni giorno, le fotografie di David LaChapelle mi hanno riportato alla mente quelle di Alex Prager, una fotografa e regista di Los Angeles. Nonostante i due abbiano sicuramente uno stile differente, provocatori in modo diverso, le fotografie di Alex Prager mi ricordano LaChapelle per i colori saturi e forti, ma soprattutto per il fatto che ogni sua fotografia è prodotta con lo stesso metodo che si userebbe per un film (infatti entrambi i due artisti sono fotografi ma anche registi), ad esempio l’opera Face in the Crowd che ritrae una folla di persone immersa nelle loro azioni, che pare non curarsi dell’obbiettivo o addirittura non esserne a conoscenza. In realtà non è così: nelle foto di Alex Prager come in quelle di LaChapelle tutto ciò che appare come casuale è in realtà interamente costruito, come si dice nell’articolo in modo quasi “felliniano”.
Da un tipo di approccio estetico ritengo particolarmente interessante la cifra stilistica de LaChapelle circa l’unione di temi opposti, quali l’idea di reale e surreale o il sacro e blasfemo che vengono costruiti tramite delle “coreografie” quasi teatrali, o la caratterizzante e senza dubbio coinvolgente specificità di ogni singola cromia proposta, il tutto, frutto di un’ispirazione reale, concreta che tal volta deriva da avvenimenti immaginari (es: “Deluge” 2006). Credo sia importante sottolineare come LaChapelle, oltre che fotografo rivoluzionario, sia un abile coreografo in grado di inscenare ambienti (reali ma finti) integranti delle sue fotografie che a primo impatto, potrebbero risultare una costruzione digitale. Non da meno è l’utilizzo volutamente disfunzionale delle luci, simulando spazi ambigui, paratattici e disorientanti per il fruitore, affilando sempre di più quel confine che delimita uno scatto (irrazionale) da un fotomontaggio. Allude a tematiche coinvolgenti che a volte possono far riflettere chi osserva, riflettere su condizioni contemporanee di stili di vita, che siano giusti o sbagliati, o dissacrare l’intoccabile (es: “L’ultima cena”) dove spicca un’immediata trasposizione iconologica dei soggetti stessi. Nonché la trasgressione, di impronta pornografica, sottolineando la disumanizzazione del corpo rendendolo semplicemente merce. Una fotografia a riguardo: “Cunnilingus Rex”, scatto raffigurante un processo erotico in azione tra una donna e un di dinosauro in ambiente selvaggio: l’unione di ciò che convenzionalmente può definirsi un taboo. Il consumismo, altro parametro di rappresentazione legato alla società americana, per citare i “Sette vizi capitali” trasformati in chiave ironica sotto forma di atti volti a denunciare le abitudini della società stessa. In fin dei conti LaChapelle disgrega la realtà elaborando dei “paradisi colorati” che personalmente trovo erotici, invitando lo spettatore ad immergersi lasciando (perché no) anche libera interpretazione.
Penso tu abbia ragione…DLC qualche nota di erotismo la spruzza anche se fa il ritratto al suo gatto.
Onestamente penso che David la Chapelle sia dotato di una mente geniale, la capacità di rendere le sue “creazioni artistiche “ esteticamente affascinanti, ma non solo di frivola bellezza, ma anche ricche di messaggi costruiti secondo pensieri ben definiti, in grado di cambiare la nostra percezione della foto. Questa impresa gli riesce grazie all’ispirazione delle composizioni artistiche dal passato dei grandi maestri, raffigurate in chiave del tutto moderna, con elementi contemporanei e allo stesso tempo ironici. La sua arte mi ricorda, e mi permette di tentare dei collegamenti con vari artisti, tra cui Cézanne, (per la sua ricostruzione spazio temporale).
Mi ha molto affascinato il fatto che molta della bellezza che deriva da queste foto sia data da una lunga elaborazione digitale a seguire dallo scatto fotografico, dunque non è tutto eseguito in uno stesso tempo. Sotto questo punto di vista a parer mio evoca, Cézanne, il quale secondo sue determinate forme mentali era in grado di raffigurare oggetti da diverse angolazioni spaziali e temporali, costituendo cosi lunghi tempi di lavoro e non un unica visione “frontale“ e immediata del soggetto.
Per quanto riguarda il consumismo sicuramente richiama la figura di Andy Warhol, ironizzando su quelli che sono gli oggetti del nostro quotidiano consumo e sulla superficialità e scontentezza che abbiamo di essi, forse anche in alcuni accostamenti cromatici contrastanti richiama la pop art del precedente artista citato.
E in ultimo potrei trovare anche un parallelismo con Magritte seppur trattato in modo differente.
Magritte cercava ironicamente di affermare che ciò che vediamo ritratto nell’opera non è l’oggetto stesso ma ben si il dipinto dell’oggetto e dunque i limiti e l’indeterminatezza del nostro linguaggio, del tutto distante dalla realtà che si vorrebbe cercar di descrivere. in qualche modo a mio avviso la Chapelle richiama questo senso, catturando gli oggetti della nostra quotidianità ma allentandoci da essi, che in un primo momento notandoli nell’immagine ci eccitano ci esaltano, ma poi lasciano spazio ad altre sensazioni, rendendoci conto che non sono altro che la fotografia dell’oggetto che tanto anima le nostre passioni o forse il “punctum” come scritto precedentemente sopra, il desiderio, e non l’oggetto stesso, riportandoci ad emozioni vere. Per lo meno questo è ciò che ho percepito io.
A confermare alcuni degli aspetti sopra citati secondo me è la foto:
“The Rape of Africa, Los Angeles 2009”
Dove per quanto riguarda la composizione viene ripresa perfettamente dall’opera “Venere e Marte” di Sandro Botticelli, possiamo infatti notare la stessa “scenografia” seppur con dettagli differenti che non passano inosservati, sicuramente ritroviamo tutti gli elementi nella stessa posizione, come le due figure sdraiate centrali nel dipinto, e i “moderni putti” affianco che ovviamente non sono degli angelici putti con lance del 1400, ma dei Bambini nativi africani con armi vere che probabilmente fanno riferimento in chiave ironica, alla situazione reale di queste creature nel mondo tutt’altro che idilliaca. Ulteriormente sottolineata dal buco nello sfondo della foto, seppur da un piccolo spiraglio, ci da un assaggio molto chiaro di quale circostanza “corrosiva” ci sia alle spalle delle figure trattate. Ecco che ritorna quella forma sottile di surrealismo accennata precedentemente, questi bambini travestiti in modo “giocoso” anticipano ben altro che una realtà giocosa, l’ironia lascia posto all’amarezza.
Possibile è un altro riferimento alle “Brillo box” di Andy Warhol, famosa opera che celebra il consumismo americano degli anni 60, con l’arrivo dei supermercati e degli oggetti in serie, se si osserva bene la fotografia costruita da DLC si può notare che le pareti al di dietro dei nostri adoni svenenti, sono tappezzate di volantini rappresentanti “classic Sun bleach” un detersivo da una grafica oramai superata che richiama proprio la “Brillo box” trattata da Andy Warhol.
David LaChapelle può essere considerato uno tra gli artisti più eclettici del mondo contemporaneo. Le sue opere in un primo momento risultano essere molto affascinanti ma nascondono messaggi molto forti. A colpire in modo positivo l’occhio sono sicuramente i colori accesi ed elettrici definiti da una luce netta e decisiva che percorre ogni sua opera. La fotografia di David LaChapelle è una fotografia ricercata, una fotografia costruita, ed è come se per lui la realtà che ci circonda non fosse abbastanza soddisfacente e ne cercasse un’altra e questo si riscontra anche nelle opere di Roger Ballen, un altro notevole fotografo contemporaneo. Ho pensato a questo artista dopo aver visto l’opera di David LaChapelle dal titolo ‘’Benedikt and Angelika Taschen At Home at Chemosphere House (2001) la quale, è una vera e propria opera d’arte che affronta verità nascoste e che suscita sicuramente molto scalpore. I due fotografi, lavorano in modo diverso ma entrambi orientano il loro lavoro aldilà di quella che potrebbe essere una semplice fotografia e i temi che accomunano entrambi sono perlopiù affini. Le foto di Roger Ballen, sono infatti molto diverse da delle normali foto che ognuno si aspetterebbe di vedere e mostrano ciò che noi non vediamo, una sorta di realtà parallela e portano lo spettatore a guardarsi dentro ed è ciò a cui poi mira lo stesso LaChapelle. Ambedue i fotografi inoltre, cercano di ispirare e di comunicare con le persone e di connettere l’intera comunità e per questo generano spesso approvazione da parte dello spettatore. La complessità e la diversità con cui lavora David LaChapelle, lo hanno reso unico nel suo genere e il tono folle e fiabesco che dà ad ogni sua opera, ha dato vita a delle immagini irripetibili.
Mi fa piacere che tu conosca un fotografo geniale del calibro di Roger Ballen. Mi fa problema il parallelismo che suggerisci con l’immaginari di LaChapelle. Forse perché conosco solo foto in b/n dell’artista sudafricano.
Considerare LaChapelle solo un fotografo è riduttivo. E’ un’artista che, tramite la fotografia, è stato in grado di scardinare, portare disordine, turbamento, disgregazione là dove prima regnavano ordine e coesione. Specialmente in ambito in religioso. Con varie opere, è riuscito a snaturare il concetto stesso di opera religiosa. Ha cambiato radicalmente l’immagine stereotipica dei personaggi. E’ riuscito perfettamente a rendere attuale un’opera religiosa. Cosa che nessuno aveva mai fatto prima. Dal punto di vista estetico, ha creato composizioni fotografiche estremamente accattivanti, trasgressive ed eccentriche. Non sono immagini che passano inosservate. Obiettivo raggiunto. Catturare l’attenzione del pubblico e della critica.
Lil’ Kim: Luxury Item è un’opera molto interessante del 1997. Geniale, esplicita, inconfutabile. “luxury item”, letteralmente “elemento lussurioso”. Ha composto un’immagine che doveva rappresentare al meglio il concetto di lussuria. Soggetto femminile: Lil’ Kim, rapper americana donna dei ‘90s. Fisicamente bella, rappresenta lo stereotipo di lussuria che ogni uomo ha in mente. Nuda, senza mostrare nulla di sé. Trasgressivo ma mai esagerato. La sua pelle è completamente ricoperta di un pattern che emula quello famosissimo di Luis Vuitton. Accostamento Donna/Moda. Massima espressione della lussuria concepibile negli anni ’90.
LaChapelle è un’artista estremamente concettuale. Talmente bravo da rendere estremamente espliciti i suoi concetti. Tutti riescono a capirlo. E’ questo che lo rende un fuoriclasse.
Bravo Lorenzo, a tuo modo lo ha detto benissimo: DLC ci “parla” con blocchi di immaginario che tutti comprendiamo perché appartengono a ciò che Debord chiamava “La società dello spettacolo”. Con una messa in scena felliniana li sospende dall’ordine normale delle cose, e grazie a questo straniamento ci fa percepire la loro oscena bellezza e nello stesso tempo crea la possibilità di una distanza critica.
Sono conscio della bravura di LaChapelle, ma trovo difficile dire personalmente se mi piace o no il suo lavoro. Quello che posso dire è che affermazioni lette non mi trovano totalmente d’accordo, naturalmente si tratta della mia percezione e della mia sensibilità nei confronti della realtà. Credente o no la mia visione di quello che può essere l’unione del “L’amore sacro e l’amor profano” e di come questo può essere espresso o mostrato è molto semplice. Affermare che LaChapelle non sfoci nella volgarità a mio avviso non è esatto, le sue stesse immagini parlano chiaro, ora attenzione la mia intenzione non è quella di passare per bigotto o altro non è mia intenzione. Molto interessante è in che modo vuole comunicare o riportare in chiave moderna opere richiamanti la cristianità, ammetto che il parallelismo nella ultima cena e AMERICAN SUBURB X.
Trovo davvero esatto che LaChapelle abbia unito quelli che una volta erano considerati dei poveri pelleggrini con quelli che lo sono oggi, ricordando che lo stesso Cristo si circondava di figure come la Maria Maddalena (prostituta che gli lavò i piedi), lo stesso ladro che fu crofisisso con lui e persino Giuda Escariota (uomo che lo tradì). Di questi nomi che ho citato ho mi ha sopreso vedere il parallelismo tra la figura di Maria Maddalena e “Anointing,” del 2003, mi ha stupito perchè è riuscito a rievocare perfettamente quel momento. Tramite il luogo lugubre e mal tenuto, la prostituta stanca, ma in lacrime quasi lieta nel lavargli i piedi, con la figura di cristo che illumina la stanza come una luce che si attendeva.
Dopo aver adocchiato più lavori di LaChapelle, affermo che in media le fotografie da lui realizzate mi sono piaciute tutte. Ne apprezzo il contenuto, sia per la messa in scena che per i messaggi sociali e le idee che sottende. Rappresenta l’umanità secondo la propria, spesso volgare, fantasia; è costante la presenza di elementi in atteggiamenti violenti e scene di nudo. I consueti colori elettrici di molte sue composizioni accentuano la forza formale di queste, rendendole ancor più incisive, e non coprendo mai, attraverso l’idea di sogno che suscitano, la cruda realtà, mascherata ma centrale.
Tra le tante, ho preferito le fotografie di genere fashion, come “Snow Day”, ambientata in una stanza, dov’è inserito anche l’elemento di una gabbia racchiudente una donna senza veli. In questo caso, ammetto di non aver colto la questione sociale. Un chiarimento?
Con LaChapelle è stato amore a prima vista.
Ho scoperto LaChapelle per caso, un paio di anni fa, mi era capitato di vedere un servizio dedicatogli. Ricordo di essermi innamorata soprattutto dai colori accesi, pop, forti e decisi delle sue opere (basandomi esclusivamente su un fattore estetico apparente). Documentandomi poi negli anni su di lui, ho scoperto che dietro a quelle vivaci ed estrose fotografie si celava un mondo.
LaChapelle è il connubio tra cultura pop e arte concettuale, iperrealista con profondi messaggi sociali.
La sua è un’estetica pop/colorata e luminosa-lucida. Luminosa-lucida proprio perché sostiene, che vivendo in un mondo molto buio, vorrebbe che le sue immagini siano in grado di colpire i fruitori con la luce; vuole creare foto che con la loro bellezza tocchino, smuovano, facciano riflettere e ispirino le persone.
Una tra le mie opere opere preferite, è senz’altro “Rape of Africa”, la quale è un’esplicita reinterpretazione del dipinto di Botticelli ‘Venere e Marte’. Oltre ad essere esteticamente parlando superlativa, e curata nei minimi dettagli, ha una funzione sociale forte ed esplicita. Rappresenta la critica di David sulla cultura occidentale e sui suoi effetti sull’Africa, come i saccheggi, le conquiste, i bambini soldato, l’immorale estrazione di diamanti e oro, e la mercificazione della bellezza africana (dei corpi). Protagonista indiscussa dell’opera è senz’altro Naomi Campbell, che interpreta la Venere, un’altra provocazione alla David, la scelta di rappresentare una Venere africana, con gli abiti strappati, come se fosse stata abusata. C’è anche un’analogia con la Terra stessa, culla dell’umanità, succube dei nostri abusi e del degrado, dovuto alla nostra ricerca continua di ricchezza e stabilità economica.
Degli artisti che mi ricordano Lachapelle sono indubbiamente Pierre et Gilles, per la loro estetica colorata, per la loro surreale illuminazione e per la loro realtà fantastica. Trovo simile anche la loro ironia, e il cinismo che si cela dietro le loro opere. Pierre et Gilles, inoltre, analogamente a Lachapelle, come ispirazione si attingono da figure come i santi, personaggi mitologici, dai racconti della Bibbia e della tradizione cristiana.
La differenza sostanziale è senz’altro, che il risultato delle opere della coppia francese sia dato dal connubio tra fotografia (Pierre) e la pittura (Gilles).
Per concludere, sostengo che David sia pura fantasia, una fantasia sfacciata, diretta, rumorosa, luminosa, teatrale, al contempo affascinante, che di certo non passa inosservata e che è unica nel suo genere, ineguagliabile!
Sono d’accordo. L’esperienza sensoriale del colore nelle opere di DLC è ragguardevole. Probabilmente è il frutto di una sapiente regolazione delle fonti luminose e dell’effetto di potenziamento generato da contrasti di tinte che risultano, per il nostro occhio, fuori dall’ordinario. I contorni delle sue figure o forme vengono segnalati al nostro cervello senza incertezze di sorta, salvo quando una luce violenta li smaterializza. I contorni definiti e i colori fortemente contrastati generano “informazioni chiare e precise” per il nostro cervello. Il sistema visivo, in tal modo, risparmia energia psichica o nervosa, generando la sensazione di un piacere visivo. In breve, oltre ai contenuti, per comprendere l’effetto DLC, dobbiamo farci un’idea del particolare ingaggio percettivo che suggeriscono le sue opere.
Da direttore di questa testata mi piace evidenziare l’interesse e l’acuto spirito critico che emerge dai vostri commenti in quest’articolo.
Emergono sfaccettature e “letture” inedite di un artista e della sua interpretazione della moda come filosofia di vita.
È bello poter scorrere tra le vostre righe l’interesse e la passione, l’impegno e la cultura dello scrivere, anzi del de- scrivere, emozioni che emergono con impeto.
Nel coordinare tutta la redazione e nella rilettura di molti degli articoli che pubblichiamo noto in voi una capacità di storytelling propria del core di MyWhere. Vi ringrazio di contribuire con i vostri commenti perché MyWhere è nato con questo intento, e da oltre sei anni continua a perseguire con tenacia la passione dello scrivere, del narrare storie, senza fossilizzarsi in rapidi e superficiali scritti da blog.
Siamo orgogliosi di essere un portale giornalistico che continua a descriversi (nonostante sia controcorrente) come un diario contemporaneo di viaggio, capace di coinvolgere così tanti giornalisti e amanti della scrittura, ma soprattutto della lettura.
La prima cosa che si nota guardando le foto di LaChapelle è quanto lavoro ci sia dietro ad ogni fotografia e come non siano solo scatti ben concepiti ma lavori ben calcolati e rielaborati per produrre una visione precisa. Le sue fotografie somigliano più ad opere d’arte ed i colori quasi pop così accessi le rendono contemporanee, moderne. Con i suoi lavori LaChapelle descrive la nostra società e proprio per questo ci sentiamo quasi provocati dall’opera ma rimaniamo immobili ad ammirarla per la maestria con cui il fotografo ha saputo crearla. Duo fotografie che mi hanno colpito molto sono “The First Supper” e “Deluge” entrambe formate da una composizione simile che mostra il talento del fotografo e che incanta. Cariche entrambi di colori che colpiscono e formate da scene così teatrali e ben costruite che ci portano in un’altro mondo. Non conoscevo questo artista ma conoscendolo sono rimasta molto colpita dai suoi lavori e dal suo modus operandi di creare fotografie.
Una cosa certa è che LaChapelle non passa di certo inosservato e questo grazie ai contrasti assurdi che produce. Attraverso l’arte della fotografia ha costruito attorno a se un mondo nuovo fatto di pensieri profondi e diretti, che spesso si rivelano discordanti. Tutto questo grazie alla sua capacità di espressione, unica nel suo genere, che gli permette di creare una nuova emotività in grado di farci percepire le fotografie in modo diverso.
Sicuramente è la prima intenzione di LaChapelle rendere chiaro, diretto e pubblico il proprio pensiero, proprio per stimolare lo spirito critico dell’osservatore e indurlo a ragionare su tematiche che non sempre si ha il coraggio di affrontare.
LaChapelle, ancor prima di rendere pubbliche le proprie fotografie, è consapevole che le opinioni discordanti non mancheranno; questo accade perché non sempre si può condividere a pieno la realtà dei fatti che rappresenta (e come la rappresenta), ma allo stesso modo è necessaria una lettura dell’opera senza limiti e schemi mentali per potersi avvicinare al reale significato che essa svela.
Trovo particolarmente interessante l’attingere verso opere d’arte del passato, soprattutto se si parla di composizione: mantenere la stessa disposizione delle figure nello spazio di un quadro molto conosciuto, è il modo migliore per rendere immediato il paragone visivo tra quest’ultimo e la fotografia in questione. Questo accade per favorire il processo di fruizione dell’opera e metterci davanti all’immediato paragone ancor prima di osservare bene la fotografia.
Questo processo di “immediato parallelismo” può accadere in numerosi modi, tra i quali l’assunzione di una nota posa o l’inserimento di un elemento. Voglio far riferimento al set fotografico che LaChapelle ha scattato per Kim Kardashian per il lancio di un prodotto della sua linea di Make-up. Gli scatti surreali alludono allo scenario religioso, che diventa esplicito nella fotografia in cui Kim viene ritratta con una colomba e con la mano destra che punta verso l’alto. La donna veste il ruolo ultraterreno di Madonna e il paragone è diretto ed esplicito. LaChapelle è stato a lungo fan delle immagini religiose nelle sue opere, per questo non c’è da stupirsi.
Non male l’idea dell’ “immediato parallelismo” tra forme/valori visivi nella memoria (citazione di opere del passato) e la configurazione fotografica. Gli estremisti della gestalt ti applaudirebbero.
Ho letto i commenti e quasi tutti elogiano LaChapelle. Forse avete ragione voi, ma io li trovo troppo saturi di bellezza per essere artistici. Mi fanno pensare a una bella pubblicità. Per me questo è un limite.
Hai ragione Mario, ma molta pubblicità è meglio di tanta arte. È più bella, più interessante, più piacevole. LaChapelle rientra in questa categoria.
La prima sensazione vedendo i lavori di LaChapelle riguarda il continuo riferimento al movimento surrealista; trovo dei profondi parallelismi tra il mondo onorico, simbolista di LaChapelle e quello di tanti artisti della corrente sopracitata, quali Magritte, Dalì, Frida Khalo più dal punto di vista cromatico che concettuale.
La differenza sta nel mezzo; se da una parte abbiamo pura pittura, in questo caso abbiamo il medium della fotografia, attraverso il quale LaChapelle si pone l’obiettivo di ricreare una dimensione totalmente nuova, dove non ci sono regole e vincoli.
Continuando il paragone col mondo surrealista, forse un’altra divergenza sta nella base del lavoro; se i pittori surrealisti partivano da un’idea di immagine legata o alla poesia (Andrè Breton) o all’idea di un sogno, LaChapelle in molti lavori trae spunto da opere di artisti del calibro di Leonardo o Michelangelo, andandoli ad ‘adattare’ a quella che è la sua estetica prettamente onirica.
Tuttavia la produzione di LaChapelle, un pò come tutta l’arte contemporanea, si basa sul concetto di steroetipo e provocazione; dunque, anche in questo caso, Duchamp svolge un ruolo fondamentale.
Confrontandomi con alcuni miei compagni di classe, è emerso che effettivamente LaChapelle si contraddistingue per il suo pesante realismo, o meglio ‘iperrealismo’.
Mi viene in mente un concetto di Marshall McLuhan: ogni medium se surriscaldato eccessivamente, andrà a produrre un effetto contrario alla sua natura.
In questo caso LaChapelle va quasi ad estremizzare il suo medium dell’iperrealismo; forse è per questo che ho fruito l’esatto opposto, ovvero un’estetica surrealista.
L’articolo mi é piaciuto molto. Le foto di LaChapelle ci “entrano dentro”. Ci entrano dentro come fa la musica (e proprio questo é il suo obiettivo) ossia da uno destri nostri sensi arrivano alla nostra “razionalità emotiva”. Infatti pur muovendosi su un filo invisibile tra sacro e dissacrante ci mostrano, ci fanno vedere dentro le cose. Eppure i suoi colori hanno una luce fredda. Fredda come la nostra anima. Non é forse degna “di Pietà” qualsiasi madre che ha tra le braccia un figlio morto?? (morto di droga, un figlio ucciso dalla droga, la cui morte provoca in chi l’ha generato senso di colpa e di impotenza) E quanto é falsamente puro l’effimero? E la bellezza che sempre ci può essere in ogni annuncio di una prossima maternità? E quali sono i nuovi sensi di onnipotenza di ogni moderno Icaro? E quanto bisogno c’é di rinascere, di risorgere dalle acque?E quanta ricchezza nella natura? In ogni foto é rappresentato un dramma o una speranza, c’é un richiamo al percorso di vita dell’artista e un richiamo alla vita di ciascuno di noi perché anche in noi drammi e speranza, realtà e sogno convivono.
Commento elegante e arguto. La “razionalità emotiva” e “l’effimero fasamente puro” sono espressioni intriganti.
David la Chapelle mmm sono sincera come fotografo non lo conoscevo, attraverso lo scritto è molto interessante, perché dietro ad ogni immagine comunica che si racchiude un mondo, ma osservando le foto non ho quel trasporto che descrive. In alcune non ho il rimando all’abito, ma più al contesto che sta dietro.
Non apprezzo l’elaborato troppo surrealista e caricaturale.
Però apprezzo che prende come riferimento in alcune immagini anche opere di grandi artisti andando poi a lavorarle per lasciare la sua firma e l’utilizzo di colori sgargianti.
Fotografi come lui nella mia poco conoscenza in materia non ne conosco posso solo citare Miles Aldridge che è un fotografo britannico; utilizza molto colori sgargianti e d’impatto dove in alcune immagini osa con ironia.
Oppure più idoneo Tim Walker che ha diminuito con le cromie accese mantenendo però lo stile surrealista.
David LaChapelle, ammetto, mio malgrado, che fino a poco tempo fa non l’avevo mai sentito nominare ma devo ammettere che le sue fotografie le trovo veramente sbalorditive. La caratteristica che mi ha catturato particolarmente è l’uso delle tonalità esageratamente saturate ma nel contesto equilibrate, presenti nelle sue fotografie. Mi è capitato di osservare il suo nuovo lavoro, ovvero le fotografie che ha fatto per il calendario 2020 Lavazza: Earth CelebrAction, avendo come tema quello della natura, la rappresenta come ancora ce la immaginiamo noi tutt’oggi ma che è la stessa che già in questo presente sta svanendo sotto i nostri stessi occhi a causa del surriscaldamento globale. Leggendo l’intervista fatta per il Messaggero, mi è piaciuto il modo semplice e efficace che ha usato per parlare delle sue opere, citandolo: «La bellezza non deve essere mai banale. E l’arte deve sfidare i preconcetti: bisogna togliere l’iconografia religiosa dalle mani dei fanatisti, e il nudo al monopolio della pornografia» penso sia uno dei passi che ancora ai giorni d’oggi si fa fatica a fare e mi piace il fatto che lui sia stato uno che sia riuscito a farlo fregandosene delle critiche della gente.
Trovo straordinario il lavoro di questo fotografo di come si esprima in modo esplicito, senza filtri ed appagante. Riesce ad esplicitare ciò che non vogliamo dire a parole con un modo tutto suo di esprimere concetti e desideri.
Utilizza dell’ironia per esprimere i suoi concetti.
È capace di fotografare le celebrity da star system ma anche di dare una sua rivisitazione dei temi sacri ripresi dalla storia dell’arte.
Le sue fotografie denunciano le ossessioni contemporanee, il rapporto con il piacere, con il benessere, con il superfluo e con una sfrenata esigenza di apparire. Il tutto esaltato dai colori elettrici e superfici laccate.
La prima cosa che si pensa guardando alcune foto di LaChapelle (come Delunge o come l’ultima cena) è se potessero essere considerate blasfeme o meno. Io non credo sia blasfemo. Il fatto è che alla base di ciò, c’è un piacere da parte del fotografo verso quell’arte a cui lui fa riferimento. Non è semplice ironia. È rivisitazione, è genialità e rappresentazione in chiave moderna di tutta quella cultura/corrente rinascimentale a cui lui è appassionato. E poi, nell’ambito artistico, si è sempre “copiato” ciò che è venuto prima; ma questo non vuol dire rendersi il lavoro più semplice o non avere idee, anzi vuol dire avere una conoscenza di base su cui “poggi” la tua materia artistica. I suoi lavori, poi, variano dai diversi ambiti: vanno dal campo religioso come sopra citati, all’ambito della moda, all’ambito della musica ecc. Non si può non citare il suo lavoro fotografico per il noto rapper Travis Scott per il suo ultimo album “Astroworld”.
Non conoscevo il fotografo La Chapelle e ringrazio questo articolo per avermelo fatto conoscere perché mi sono appassionata e mi ha colpito quello che lui vuol trasmettere attraverso la fotografia. Diventato famoso grazie alle sue immagini di moda coinvolgenti e ironiche ispirandosi ai grandi: Michelangelo, Bellini, Andy Wharol.. creando composizioni alle volte neo barocche in altre invece decisamente classiche. Pian piano decide di abbandonare la foto di moda e quella commerciale per dedicarsi all’arte con la voglia di fotografare ciò che noi sappiamo ma non vogliamo vedere. Un altro dettaglio della sua fotografia che mi ha colpito è la sua luce che non lascia quasi ombre ma riesce a raccontare le ombre che ci portiamo dentro. Secondo me il vero fascino di La Chapelle è nel voler far dire alle sue fotografie ciò che noi non vogliamo o non riusciamo a dire, farle parlare al nostro posto.
Dopo aver letto questo articolo ho guardato numerose foto sue. Dai colori sgargianti e alle volte contrastanti, ironiche, neo barocche o classiche; tutte ti suscitano un emozione forte ed emanano un senso di eternità.
La prima volta che ho visto una fotografia di David LaChapelle, è stato nel documentario di Travis Scott, dove è stato il direttore artistico della fotografia.
Ha ideato l’ultima coperti del rapper americano sopracitato.
Nella foto Benedikt and Angelika Taschen At Home at Chemosphere House (2001),
ho notato subito il libro posto nel divano, è un libro di un noto fotografo giapponese il quale nome è Araki degli anni 60-70 dove ritrae corpi nudi di prostitute durante le loro prestazioni con i clienti.
Durante questi rapporti gli uomini praticano del sesso sadomaso ed Araki li fotografa in diverse pose.
Senza dubbio possiamo notare come David LaCHapelle si sia ispirato al fotografo giapponese per la composizione fotografica.
È interessante come LaChapelle abbia inserito all’interno della fotografia un omaggio ad Araki.
Come fotografo LaChapelle non mi suscita alcuna emozione, certo è un bravo fotografo ma non di più.
Non è in grado di trasportarmi nel suo mondo, forse perché è un mondo in cui non mi voglio avvicinare.
David LaChapelle possiamo dire che è un’artista contemporaneo a 360 gradi. La sua arte è affascinante, dietro ad ogni sua opera si può vedere come ci sia un lavoro ben studiato. Si legge nelle sue fotografie, sopratutto in Deluge (2006), l’intento di voler promuovere il mondo consumistico di oggi, e di stimolare quelle percezioni che ci fanno percepire la sua fotografia ironica. Con la sua estetica, lui celebra il culto alla bellezza, all’esagerazione; lo possiamo vedere nella fotografia Paris Hilton Hi Bitch bye Bitch (2004), ma LaChapelle adopera molte muse ispiratrici e soggetti di numerosi suoi lavori sono star come Courtney Love, Pamela Anderson, Angelina Jolie, Lindsay Lohan, Lady Gaga, Nicki Minaj, Rihanna o la transessuale Amanda Lepore. Anche la famosa Miley Cyrus, la quale ha posato per lui nel 2017 nelle vesti (si fa per dire) di una ninfa nuda, in esclusiva per Lost + Found, il libro firmato David LaChapelle per Taschen. Oltre ad avere come soggetti star americane LaChapelle fa un continuo riferimento al movimento surrealista; si trovano dei profondi parallelismi tra il mondo onirico del fotografo e quello di artisti come Magritte e Dalì. Anche se la pittura di Magritte cercava ironicamente di affermare che ciò che vediamo ritratto nell’opera non è l’oggetto stesso ma ben si il dipinto dell’oggetto e dunque i limiti del nostro linguaggio, del tutto distante dalla realtà che si vorrebbe cercar di descrivere. La Chapelle richiama questo senso, catturando gli oggetti della nostra quotidianità ma allentandoci da essi. Possiamo notare come la fotografia che la cantante/attrice tenga tra le sue braccia un drogato può sembrare quasi blasfema.Con ciò ci possiamo domandare perché, queste immagini, nella nostra società, non destino alcuna polemica? Secondo un mio parere ciò è dovuto alla grande carica percettiva che distoglie lo spettatore dal soggetto facendo virare il suo sguardo da una zona all’altra in modo molto veloce. Altro motivo potrebbe essere la classicità delle pose e della composizione delle immagini; infatti LaChapelle pur allontanandosi dalla realtà rimane sempre molto attaccato a uno stile di base classicista; oppure un’altra ipotesi potrebbero essere le cromie, molto accese da far incuriosire anche un fruitore comune, ingrato di soffermarsi sulla superficie dell’opera, ovvero alle sue caratteristiche, la moda.
L’ultimo lavoro che mi ha principalmente colpita è la copertina del terzo album del famoso rap Travis Scott, dove dietro ad una semplice cover di un album cela la pura essenza dell’arte di LaChapelle, un’immagine che nei singoli dettagli ripercorre il contrastante, folle e anticonvenzionale spirito creativo di un uomo che dagli anni ’90 non ha fatto altro che far parlare di sè e della sua “strana visione del mondo”.
Quello che dici è sostanzialmente giusto. Ho incontrato un solo problema interpretativo là dove scrivi “si legge nelle sue fotografie…l’intento di voler promuovere il mondo consumistico di oggi” … e di stimolare le percezioni che fanno affiorare ironia.
Ora, tu sostieni tutto ciò a partire dalla serie Deluge. C’è qualcosa che non mi torna. Chiaramente con Deluge, viene evocato un deciso rigurgito critico contro il fondo consumistico che anima il soggetto. Suona strano che tu vi veda la promozione del mondo consumistico di oggi. Altrimenti come spieghi l’inflessione ironica che tu giustamente riscontri?
Secondo il mio punto di vista, David LaChapelle, è per quanto riguarda il mondo della fotografia un estremo genio, dotato di tecniche che in pochi riescono ad utilizzare in maniera esaustiva come è solito fare lui. Inoltre il fotografo americano è celebre per le sue fotografie ironiche e estremamente glamour con un iconografia decisamente spinta ma che inquadra in maniera ottimale il messaggio che ci vuole trasmettere. Si riconosce decisamente l’influenza del celebre artista Andy Warhol, padre della Pop Art e collega di lavoro di David La Chapelle all’interno di alcune riviste negli anni ’80. Inoltre mi hanno stupito i suoi lavori come nel corso degli anni variano da videoclip a servizi fotografici con ogni genere di celebrità, realizzando vere e proprie opere d’arte dotate di profondità e con un orizzonte ricco di simboli che a volte traveste da oggetti di uso quotidiano. Il punto di svolta nella produzione artistica di La Chapelle è il viaggio che compie a Roma nel 2006 visitando la Cappella Sistina e ne rimane folgorato dagli affreschi di Michelangelo. Secondo quanto afferma in un’intervista successivamente, è a quel punto che decide di lasciare il mondo della moda per dedicarsi totalmente all’arte. Il risultato è l’opera The Deluge una serie di foto del 2007 ispirate al Diluvio Universale di Michelangelo un’opera ricca di citazioni e di significati. La fotografia di moda non si confronta con idee profonde. C’è un’esagerazione nell’uso dei termini, è tutto bellissimo, geniale, addirittura sublime. Ma il sublime è una cosa rara che si trova nella natura e meno frequentemente nell’arte. Al centro delle sue tematiche non possiamo non citare le ossessioni a noi contemporanee i temi più profondi quali il paradiso, la gioia, la rappresentazione della natura e quella dell’anima. Uno stile quasi surrealista adattato ai giorni nostri incentrato su forti temi e messaggi, inserirei le sue opere nella corrente surrealista ma non lo paragonerei a un artista in particolare perché non ne trovo uno che si sia compatibile del tutto.
Caro Francesco, mi ritrovo completamente in quello che scrivi. Anch’io considero LaChapelle un genio. Ma non trovavo la parola per fissare l’emozione che mi trasmettono le sue immagini. Tutte. Io non faccio differenza tra foto commerciali e artistiche. il suo stile le accomuna. La parola me l’hai donato tu: sublime. Le foto di LaChapelle non sono ne belle ne brutte. Sono sublimi.
E come la mettiamo con le pennellate di kirsch? Il kitsch può essere sublime?
È legittimo sentire il kitsch in molte foto del fotografo. Ma io credo che i suoi effetti percettivi siano meglio descritti dallo stile Camp così come lo ha presentato Susan Sotang. In questa prospettiva il tipo di coinvolgimento previsto dal fotografo sarebbe “il colmo del sublime” (il concetto evapora e al suo posto lascia l’esperienza di un eccesso di bellezza).
David LaChapelle è considerato uno dei più importanti e dissacranti fotografi contemporanei.
Noto per le sue rivisitazioni e citazioni pop della pittura rinascimentale, è riuscito a passare dalla fotografia fashion (celebrity ed editorial) alla fotografia d’arte restando sempre fedele a se stesso e mantenendosi ai livelli più alti della fotografia mondiale.
Le sue immagini, sono un punto d’incontro tra l’advertising e la pop art, capace di fotografare le celebrity dello star system come Michael Jackson, Hillary Clinton, Paris Hilton, Madonna, Uma Thurman, David Bowie ma anche di dar vita a una rivisitazione dei temi sacri come la natività, il Diluvio universale – con la serie ispirata a Michelangelo il mondo surreale, il barocco e la pop art in un mix trasgressivo capace di fondere sapientemente ironia, glamour, iconografia classica e mondo onirico.
Le sue fotografie denunciano indubbiamente le ossessioni contemporanee: il rapporto con il piacere, con il benessere, con il superfluo e con una sfrenata esigenza di apparire.
Il tutto, viene proposto in chiave ironica per rendere a mio parere più “sensibili” e “accessibili” i profondi (talvolta complessi) messaggi che emergono all’interno del lavoro di David LaChapelle.
Analizzando la parte estetica degli scatti, trovo molto interessante la meticolosa cura del dettaglio e lo studio attento della struttura compositiva.
Seppur queste fotografie non rispettano a pieno i canoni del mio gusto personale, riconosco una forza percettiva impattante che coinvolge inevitabilmente lo spettatore.
David LaChapelle genio contemporaneo, a mio parere stiamo analizzando uno dei più importanti fotografi del nostro tempo e non solo per il significato delle sue fotografie ma piuttosto per la sua unicità.
Il lavoro svolto da questo artista è unico, riesce a sorprendere e lasciare esterrefatti tutti i fruitori che si trovano davanti ad una delle sue magnifiche opere.
L’artista riesce infatti a creare una fusione tra quelle che sono le icone del mondo attuale e le rappresentazioni più classiche del mondo della pittura antica, ambito questo che riprende spesso nelle sue fotografie poiché si ispira a quello che anche lui definisce un suo idolo che è Michelangelo.
Oltre a questo un altro elemento che lascia esterrefatti tutti coloro che si trovano davanti ad una sua opera è l’utilizzo che fa della luce, sempre parte centrale dell’opera se non addirittura parte centrale oserei dire , l’utilizzo che ne fa infatti è massiccio , i colori colpiti da questa luce infatti risultano essere estremamente accesi e forniscono alla foto un’unicità unica.
A me LaChapelle piace. Ma trovo che le sue foto sono molto lavorate, ritoccate. Non hanno quella spontaneità che caratterizza i grandi fotografi.
Ma la spontaneità è così importante? Per un espressionista astratto forse è così; ma è arte solo l’atto non mediato dal pensiero? Per restare alla fotografia, è certamente vero che esistono i fan della cosiddetta “fotografia diretta”, ma perché chi lavora con accurate messe in scena, dovrebbe sentirsi in difetto rispetto ai colleghi cultori dell’istante decisivo?
LaChapelle non fa il reporter, crea significazioni visive che richiedono accurati set e lunghe sedute di ripresa. Per me sono gli esiti che contano. E senza dubbio, le sue immagini teatralizzate, finiscono col suggerirci molte più emozioni e pensieri di quelle dei cultori della spontaneità.
Mi ha molto interessato l’articolo su David LaChapelle, ma nel corso della lettura e osservando le sue foto, non so se definirlo un personaggio innovativo o scontato.
É una figura molto controversa, si è fatto riconoscere indubbiamente per la vena artistica che lo contraddistingue poiché lo spinge oltre i limiti dell’arte tradizionale e oltre a quei “limiti” ci troviamo un pò disorientati noi comuni divoratori d’arte, ecco perché le foto di LaChapelle ci stupiscono, chi in maniera positiva e chi negativa.
Facendo una breve analisi si nota come segni distintivi, che catturano subito l’occhio di chi osserva sono ovviamente i colori eccentrici, che dominano l’intera fotografia ma anche la scelta di utilizzare icone dello star system e grandi marchi, che hanno il monopolio nel sistema del consumismo.
Quando, all’inizio utilizzo il termine “scontato”, è perché mi ricorda lavori già messi in scena, molto tempo prima, da un Andy Warhol per esempio.
Lui per primo ha ironizzato sul sistema del consumismo e ha “abusato”, nelle sue opere, di icone dello spettacolo.
Tra tutti gli articoli questo di David LaChapelle è quello che più mi ha incuriosita. Oltre a farmi una cultura, poichè personalmente non lo conoscevo, ho apprezzato proprio il suo metodo di lavorare. Uscendo da ogni schema, ogni limite, ogni regola, David ha saputo dire la sua a modo suo. E sono proprio quelle regole che lui stesso non rispetta affatto che mi hanno ipnotizzata. Ebbene sì… mi piace!. I suoi lavori,specialmente in ambito religioso, hanno un velo anarchico che si contrappone con il sacro velo della Vergine. Ogni simbolo biblico è rivisitato in chiave originale e non sarò io quella a dire che questa rivisitazione sia sbagliata. Ampia la visione di un caposaldo della cultura mondiale,un intoccabile… ovvero la religione. Argomento ancora borderline per alcuni popoli ma che volente o nolente ci unisce tutti.
I temi da cui trae ispirazione sono temi visti e rivisti, ma lui riesce a renderli contemporanei,innovativi e soprattutto trasgressivi e per renderli tali credo che lui abbia un profondo rispetto dell’argomento e che la sua interpretazione sia saggia perchè educata dalla mente di chi conosce quel che sta facendo. Credo che nei suoi lavori ci sia una componente che si avvicini al kitsch ma non credo sia questo il termine corretto per descriverli. Riesce a distogliere lo sguardo dalla realtà, ipnotizzandoti ma allo stesso tempo ti emargina dalla sua interpretazione. I celebri scatti biblici di LaChapelle lo hanno condotto ad un rumoroso vortice di commenti negativi, dal momento in cui proprio questo argomento è stato “violato”. Lui stesso cita che le sue opere in tale ambito, parlino di destabilizzazione in un tempo in cui l’uomo postmoderno soffre della paura che ha di perdere punti di riferimento in un’età di grandi cambiamenti. Riconosco in lui la passione, ossessiva forse, verso il Maestro Michelangelo e la genialità di un Fellini nell’andare a creare delle storie all’interno delle sue opere. La sua originalità lo allontana dagli altri, rendendolo unico. Ho intercettato alcune analogie con la fotografia di Andrey Maksimov che è ad oggi un fotografo non tanto conosciuto ma interessante poichè tratta temi condivisi da LaChapelle come il mondo legato all’immaginario cyberpunk, alla cultura pop, senza tralasciare tematiche religiose legate al mondo orientale. Ma tornando a LUI, una tra le opere che più mi ha colpita, è “Rape of Africa”, la quale è una decisa reinterpretazione del dipinto di Sandro Botticelli “Venere e Marte” nel quale LaChapelle ha posto il suo marchio di fabbrica. Offre colori sgargianti, innaturali quasi, proprio come la pittura e le muse del Botticelli. E’ ricca e curata nei minimi dettagli.Ogni corpo rappresenta in chiave critica un tema specifico legato al mondo africano, come i bambini soldato, la mercificazione femminile, l’estrazione di materie prime sullo sfondo. Quasi a rivendicare e sottolineare la sua bellezza,LaChapelle non fa mancar nulla alla protagonista indiscussa della femminilità. Infatti è proprio la star top model Naomi Campbell, nelle vesti di Venere che l’autore rappresenta volutamente in deshabille, con rossetto sgargiante e adornata da oro e brillanti con tanto di tacchi da poledancer, molto lontana dalla Venere del Botticelli. Anche in quest’opera si trattano argomenti tutt’ora attuali e validi, come a ricordarci certi temi che alle volte diamo troppo per scontati.
Concludo affermando che questo artista mi ha davvero stupida, arricchendomi e aggiungendo un nuovo taglio prospettico alla mia, forse banale e monotona, visione di tutti i giorni.
Personalmente non conoscevo questo artista, ma leggendo questo articolo mi sono incuriosita e ho intrapreso una ricerca su di esso e devo dire che mi ha fatto riflettere.
Penso che il lavoro di Davide LaChapelle ha lo scopo di pungere l’ego delle persone.
Viviamo in un’epoca dove sembra che tutti abbiano i paraocchi e non vedono oltre quella direzione, anzi mi correggo la società di oggi vede quello che vuole e quello che fa più comodo.
Viviamo in un mondo dove si preferisce stare in silenzio e far accadere le cose per poi beffardamente lamentarsi.
L’arte di LaChapelle, ironica e provocatoria, mira a dichiarare “svegliatevi, aprite gli occhi”, come se ci spiegasse che il mondo e gli ambienti in cui lavora sono solo apparenza.
Trovo inoltre interessante il connubio tra le arti che lui utilizza, perché fondamentalmente tutt’oggi ci rifacciamo al passato, imitandolo (a mio malgrado in modo pessimo).
Certo, il passato è di vitale importanza, e di certo non va né negato né tantomeno dimenticato, purtroppo però su certe cose ancora oggi siamo dei retrogradi, forse per questo David LaChapelle è così straordinariamente provocatorio?
Soffermandomi su questo articolo ho avuto modo di approfondire un personaggio a me non troppo conosciuto, il fotografo David LaChapelle.
Faccio una premessa egli è un artista più che affermato e di certo la mia non sarà una critica basata sullo screditare la sua bravura ma come tutti i tipi di arte la propria creazione può piacere o meno. In questo caso partendo dal presupposta di esser soltanto una studentessa e non un esperta d’arte mi trovo in disaccordo con le affermazioni positive da lei citate per mostrare l’apprezzamento e la genialità che ritrova in questo artista.
Sono un amante del minimalisto della semplicità. Ritengo artisti come Coco chanel nella moda Eduard Monet nell’arte dei geni senza paragoni. La cosa che mi affascina di queste persone è il saper stupire e meravigliare con le cose più semplici.
Un abito dritto e pulito di Coco Chanel per quanto all’inizio veniva snobbato poiché banale passò alla storia e la semplicità del soggetti come le ninfee raffigurate da Monet sono famose in tutto il mondo per la sua raffinatezza e per quanto possano affascinare se guardate.Si al minimalismo. Per essere ancora più precisi si alla cose apparentemente semplici. Perché dico questo? Dietro ad una cosa che sembra semplice dietro c’è il doppio della difficoltà nel crearlo. È molto più difficile stupire con una creazione semplice che riesca a spiccare piuttosto che con stravaganze e cose appariscenti. Il troppo stroppia.
Se ci pensate è mille volte più difficile rendere una cosa semplice spettacolare che una cosa stravagante incredibile. L’occhio umano è abituato alla semplicità e troppo spesso la sottovaluta.
Quando parlo di semplicità parlo di pulizia di quadri abiti o fotografie senza troppi “ghiri gori”.
Ho ritrovato nei lavori di LaChapell un tratto narcisistico forte un eccessivo uso di figure personaggio e oggetti che si sovrastavano l’un l’altro. Ha un modo di concepire la fotografia a parer mio barocco e usando questo termine mi riferisco all’uso eccessivo di decorazioni che finiscono per appesantire il tutto.
Se dovessi far un paragone per spiegare ancora meglio la mia critica potrei paragonare la sua fotografia all’arte surrealistica ambientata ai giorni d’oggi. Esso è un mix di perversione e inconscio con immagini attuali e passate.
Per quanto alcuni suoi concetti dietro a queste sue fotografie siano condivisibili non riesco ad apprezzare esteticamente la sua arte e non mi stupisce il suo lavoro.
In un epoca in cui il personaggio estroso e stravagante risalta io non riesco ad uniformarmi a questo tipo di moda.
Detto cio concludo dicendo che amo la libertà di espressione e tutto quello che l’arte a differenza di tante altre discipline ci permette di fare. Non condivido la sua arte ma detto ciò non dico che non la ritengo tale.
Tutte le critiche leali e oneste sono non solo legittime ma auspicabili. Le tue rientrano senz’altro in questa speciale categoria. Speciale perché, soprattutto nella moda la critica seria e ponderata sembra da tempo evaporata. Tuttavia, un conto sono le preferenze soggettive o quello che appenderesti a casa tua. Altra cosa sono i giudizi strategici sull’estetica di un creativo, che dobbiamo utilizzare per scopi comunicazionali. La mia impressione è che il tuo commento lasci al palo di partenza le considerazioni strategiche sull’efficacia di LaChapelle. Fa parte del gioco,lo so bene. In definitiva è il tuo commento. Però sono convinto che una maggiore distanza dalle tue impressioni soggettive, ti avrebbe aiutato a capire che non si può utilizzare il minimalismo ad oltranza. Dopo un po’ la semplicità genera noia e deprime l’attenzione. Comunque c’è da dire che le tensioni estetiche di cui parli, cioè la propensione all’ordine, alla semplicità e per contro la pulsione barocca che spinge verso l’eccesso, sono forze estetiche che da secoli attraversano la nostra cultura. È legittimo prendere nei confronti di esse una posizione chiare; ma è altrettanto legittimo sospendere la propria reazione per tentare di capire perché oggi le immagini di LaChapelle sembrano più conformi alle aspettative del pubblico, in vista di determinati scopi.
Non ero a conoscenza di questo artista prima di leggere quest’articolo ed è stato interessante scoprire questo suo modo, caratterizzato dall’ironia e uno spirito critico . E’ interessante notare come modifica i dipinti del passato e li ripropone in quadri moderni con varie caratteristiche eccesive, mostrando il rapporto con il piacere, benessere e un’estrema voglia di apparire, infatti notiamo dalle cromie che risaltano subito che in qualche modo ci fanno immergere nella fotografia. L’artista unisce sacro e profano, consenso e ammonizione, divino e terreno, creando così una dicotomia che origina un ragionamento dietro l‘opera; in qualche modo ci fa notare la crudele realtà che si palesa agli occhi dello spettatore e viene attutita dall’equilibrio e perfezione che lo rassicura, ma che allo stesso tempo porta a riflettere . Tra le sue opere quella che mi ha più colpito è stata “ THIS IS MY HOUSE ” (1997),dove è presente la modella sudanese Alek Wek ; il nostro artista ci fa spostare l’occhio sulla modella poi sulla casa dopo di che sulla bambina, questi tre soggetti sono rappresentati con una cromia ben evidenziata, ovvero con un pigmento fucsia. I temi centrali che usa LaChapelle è la maternità e l’infanzia, infatti in quest’opera Alek rappresenta la figura materna (Vergine Maria)che protegge il proprio figlio.
Prima di leggere questo articolo non conoscevo David Lachapelle ma le sue fotografie mi hanno incuriosito. Sicuramente è un fotografo rivoluzionario, dallo stile inconfondibile, capace di attirare l’attenzione della gente. L’artista cerca di creare delle figurazioni molti originali prendendo spunto da opere d’arte del passato, per esempio quelle di Michelangelo.
Con le sue fotografie cerca di dare una sorta di “luce” allo spettatore attraverso l’uso di cromie potenti e vivaci.
Il suo obiettivo è quelli di fotografare ciò che noi sappiamo ma che al contempo non vogliamo vedere e per fare ciò ha bisogno di truccare la realtà creando fotografie alquanto originali.
I lavori di David Lachapelle non sono compresi da tutti e molto spesso vengono criticati. Questo tuttavia non ha influenzato negativamente la notorietà dell’artista, ma al contrario lo ha reso un fotografo fuori dagli schemi e di enorme successo.
Partendo dalla premessa che grazie a quest’articolo ho potuto conoscere la figura di LaChapelle, ciò che più mi colpisce, all’interno delle fotografie, a primo impatto sono le cromie squillanti. Tramite la fotografia richiama opere famose come “La pietà” di Michelangelo oppure l’“Annunciazione” di Tintoretto, riprese sin nei minimi dettagli. Anche se LaChapelle ha un approccio differente al tema religioso, con ironia. Un esempio interessante è l’opera “Tributo a Michael Jackson”, dove il celebre cantante viene affiancato alla figura della Madonna mentre si tengono per mano, come degli amici se non quasi come fidanzati, visto l’abito bianco con cui la Madonna è vestita diversamente dal tradizionale azzurro, con cui iconologicamente viene ritratta. Interessanti sono gli scatti che hanno come protagonista Michael Jackson, con cui LaChapelle prende le sue difese a seguito delle accuse a lui rivolte, in un’intervista il fotografo lo definisce un angelo, e così lo rappresenta in uno scatto in cui sovrasta Lucifero, con le ali spiegate e le mani giunte in preghiera in “Archangel Michael”. La raffigurazione religiosa dell’artista risulta essere a tratti quasi dissacrante, allontanandosi dagli stereotipi a cui noi tutti siamo abituati degli artisti classici.
Rivisitando in chiave moderna e alternativa i quadri del passato.
Mi ha dato da pensare il fatto che Esme, Sofia e Agata (e altri partecipanti, tra l’altro) non conoscessero DLC.
Per carità, è tutto banalmente normale. Conosciamo bene gli effetti della superfetazione del bombardamento di immagini al quale siamo sottoposti. Per sopravvivere in un mondo semiotico troppo carico di stimoli che ci cercano, narcotizzarne il più possibile diviene una sorta di tutela della salute mentale.
Quindi, nessun può accusare nessuno se la nostra esperienza del mondo è selettiva.
Tuttavia, il consiglio che ritengo di estendervi è di quest’ordine: non fidatevi solo degli eventi (culturali) che sembrano aprire con immediatezza le porte della vostra percezione; allenatevi a percorrere i sentieri stretti della qualità e dell’impatto semiotico di eventi significanti che, come i sassi tirati in uno stagno producono onde circolari che si allontanano dal punto di impatto, hanno la proprietà di contagiare un numero crescente di persone. Lo scopo non è accettarli, incorporarli o magnificarli, bensì di imparare a criticarli.
Leggendo Esme, Agata e Sofia, ho avuto un altro insight di pensiero che metto giù in questi termini: immagino che si possa definire il nostro fotografo come uno dei personaggi di rilievo della fotografia, dell’arte e della comunicazione contemporanea. Ma cosa significa contemporaneo a livello di percezione? È la stessa cosa alla quale pensano gli psicologi, i sociologi, i filosofi?
Non conoscevo LaChapelle prima di sentirne parlare da lei, e dopo aver dato un’occhiata ad altri progetti dell’artista, devo dire di essere rimasta molto colpita dai suoi operati. E’ sorprendente come, in ogni suo lavoro, riesca ad inserire un punctum capace di coinvolgere chiunque. Cerca e riesce a colpire noi fruitori giocando con luci e colori, riesce ad attirare sempre l’attenzione di chi osserva le sue opere. Sono più che d’accordo con lei quando scrive che LaChapelle fotografa ciò che non riusciamo a dire con le parole. Inoltre provo un senso di ammirazione per chi prende il “vecchio” e lo trasforma in “nuovo”, come ha fatto l’artista con alcuni dei suoi lavori (es. foto che fanno parte della sua mostra “Atti Divini”).
Vorrei concludere con una citazione che condivido di Ansel Adams “Una foto non si scatta, si crea.”
Anni fa avevo notato le fotografie di LaChapelle ma in quel periodo non ero interessata al perché di tutto questo sfarzo di colori e di forme, mi sembrava alquanto eccessivo, non sapevo nemmeno fosse stato lui ad ideare la copertina dell’album “Astroworld” di Travis Scott, un album a cui, oltretutto, ho dedicato molta attenzione visiva poiché mi interessava cogliere tutti quei particolari fondamentali per la perfetta realizzazione dell’immagine. Sicuramente all’epoca non percepivo le immagini come ora, mi limitavo ad osservarle senza cogliere effettivamente ciò che mi volessero dire. Ora, col senno di poi, posso dire che l’artista mi affascina particolarmente e i suoi lavori, con questa aria così surrealista, esagerata e alle volte perfino kitsch, creano un turbinio di emozioni che ti travolgono e a cui si fa fatica a credere dato che pone in bella vista quello che sai ma che in un certo qual modo vorresti nascondere. Devo essere sincera, generalmente preferisco le foto scattate senza troppi aggiustamenti, una foto spontanea se così vogliamo dire, come quelle di Platon, che con gli occhi riflettono esattamente ciò che le persone sono, oppure quelle di Soham Gupta che ti narrano la vita di persone ai margini della strada. Forse sono semplicemente più facili da accettare e viste quindi senza criticare troppo, ma LaChapelle alla fine non fa lo stesso? Cerca di mostrarci ciò che ci circonda e lo accentua sottolineando i vari aspetti; utilizza colori molto accesi, vistosi, differenti proporzioni, forza le posizioni dei soggetti ma nell’insieme tutto è equilibrato e funziona. Alle volte sceglie personaggio famosi curiosi, singolari, capaci di influenzare il mondo, visto il loro grande seguito, e credo lo faccia per portarci ancora più verso le realtà. Il mondo è questo, è soprattutto questo, e non possiamo fare altro che accettarlo e farcene una ragione traendo più informazioni possibili e capendo anche qualcosa in più su noi stessi.
Anche a me piace Platon. I suoi ritratti mi riportano al grande Avedon (quando non lavorava per la moda). Ma fai attenzione: non credo che DLC sia interessato a mostrarci ciò che ci circonda. Credo piuttosto che ci trascini in un altrove. Le sue ricostruzioni sono più accurate. Il fatto che questo altrove finisca con farci percepire qualcosa di intimo o già presente in noi, è un’altra questione. Le foto di Platon (i ritratti) sembrano suggerirci che c’è qualcosa dentro il soggetto. Le foto di DCL trovano questo qualcosa nella superficie.
Non conosco Gupta. Grazie per il suggerimento.
Lachapelle per me è una figura che nel suo risulta essere estremamente sfacettata e può essere apprezzato o meno. Artista citazionista (qualcuno ricorda i fratelli chapman nell’arte?) che ha ricevuto enormi influenze da iconografie occidentali ormai svincolate dal significato originario perchè riprodotte all’infinito, richiamanti modelli “sacri”. LaChapelle prende queste ultime e ne rimescola i codici dati dai vari autori, aggiungendo una sorta di parte ironica e anche kitsch. A mio modesto parere rimango un po’ critico nei suoi confronti, poichè ci da l’illusione che sia sufficiente riverniciare o dare una patina di cronaca all’immaginario prodotto nel passato sminuendo magari i significati acquisiti di quelle opere. Un mero sfruttamento dell’immagine senza pensarne al significato. Dico questo perchè per me lui si interessa a queste iconografie non per il loro contenuto ma da tramite perchè tutti in grado di riconoscierle. Direi che le mie visioni date dalle bevute si stiano un po’ troppo diluendo e stia tornando meno efficace nelle mie stesure. Un’altra bevuta e passo all’articolo successivo.
Credo si possa dire che LaChapelle ha avvicinato in modo nuovo e originale la fotografia all’opera d’arte, non solo per i suoi evidenti richiami e riferimenti ad opere classiche. È ovvio che dietro alla fotografia ci sia uno studio ed un lavoro importante, non sempre, infatti, si ha la fortuna di cogliere l’attimo che permette di catturare quasi casualmente un’immagine che buca, che ti distingue. LaChapelle non cerca questo attimo, il suo è un lavoro accurato ed estremamente minuzioso, a volte imponente, che riesce ad avvicinare una fotografia ad un dipinto giocando su perfetti equilibri. In questo modo le sue opere, a mio avviso, riescono a trasmettere una pluralità di emozioni e di sensazioni maggiori rispetto ad uno scatto “convenzionale”. Trovo estremamente interessanti, infatti, i contrasti presenti nelle sue opere che vanno dal forte ordine strutturale, dato dalle composizioni per esempio, a un “disordine festoso”, dato dai colori e dalle esagerazioni, creando quindi una sorta di entropia percettiva che causa in noi un trauma positivo che ci travolge.
Sicuramente il suo lavoro risente dell’influenza di grandi maestri che paradossalmente vanno da Warhol a Michelangelo che lui ha saputo “unire” dando vita alla propria cifra stilistica estremamente originale, unica.
L’aggettivo che meglio lo descrive è: Dirompente, cioè una persona intenta a squarciare, spezzare, frantumare. È incredibile come con le sue immagini riesca a stimolare, smuovere reazioni in ognuno di noi stuzzicandoci e facendoci svegliare dal torpore e dal piattume di cose ormai tutte uguali. Ammiro come riesce a trasporre nelle sue opere lo sguardo critico che tutti noi abbiamo nei confronti della società e come riesca a rappresentare proprio ciò che noi percepiamo da una cosa.
Il suo essere così diretto mettendo ben a fuoco la realtà di oggi (che definirei talvolta triste e povera, priva di vita/contenuto) è una caratteristica estremamente vincente, come le esagerazioni di cui si serve. Riesce ad arrivare allo spettatore proprio perché è in grado di comunicare direttamente con lui grazie anche ad un impatto immediato che lui raggiunge utilizzando un’abbondanza di colori accesi, di visioni oniriche, di immagini talvolta eccessive, al limite del kitsch.
Proprio tutta questa eccessività, la teatralità di cui si serve l’artista credo siano fondamentali, definiscano il suo stile facendo sì che le sue opere si riconoscano al primo sguardo.
Oggi forse più che mai i suoi riferimenti tra il sacro e il profano suscitano qualcosa e hanno un’incidenza su di noi perché richiamano la nostra umanità. Quanto di tutto ciò che è sacro ad oggi è stato sminuito? Oppure, al contrario, diamo un senso di sacralità a ciò che non è altro che espressione dell’odierno ed effimero consumismo.
Nelle sue opere sembra portare all’attenzione tematiche tipiche della nostra società, come la ricerca della perfezione estetica, le ossessioni della fisicità del mondo contemporaneo ma usando in maniera estremamente intelligente un’altra arma che è quella dell’ironia, quasi a non voler esprimere un giudizio ma semplicemente scattare un’istantanea su quella che è ormai una realtà.
Trovo particolarmente interessante lo scatto che immortala la cantante Lizzo (una delle ultime copertine della rivista Rolling Stone) che è a mio parere estremamente rappresentativo del suo stile in quanto ritroviamo tutto ciò che lo distingue: abbondanza, eccessività, riferimenti classici, ironia…Genera in me una molteplicità di sensazioni. Anche qui ritroviamo il parallelismo con le opere classiche come ad esempio una Venere o la Primavera botticelliana oppure una Madonna. Quello che mi colpisce è che contrariamente ad altre sue opere nelle quali estremizzava la ricerca della perfezione, con questa immagine, andando “controcorrente”, vuole assurgere la bellezza della IMperfezione come valore.
Considero l’intervento di Margherita un vero e proprio contributo critico. Autorevole e in alcuni passaggi mi è parso persino solenne. Se fossi un direttore di testata lo pubblicherei senz’altro.
“Solenne” è esagerato. Diciamo che l’ho letto con piacere e lo reputo tra i migliori. Devo ammettere però che ho un debole per i filosofi ubriachi alla Emanuele anche quando storpiano la lingua.
“Nella Città del Vaticano, Tra il 1481 e il 1483 vi furono eseguiti affreschi dai maggiori pittori toscani e umbri. Nel 1508, il Michelangelo decorò le volte e i lumettoni sopra le finestre. Dal 1536 al 1541 il Buonarroti terminò le decorazioni affrescando la parete frontale con il Giudizio Universale.” Nel corso del tempo, innumerevoli artisti, poeti, letterati hanno trovato nelle gradi visioni michelangiolesche relative al mito biblico della creazione, del diluvio, del giudizio universale, una inesauribile fonte di ispirazione estetica. uno dei più sorprendenti e inattesi è senz’altro David LaChapelle, il fotografo americano divenuto famosissimo per le sue immagini di moda coinvolgenti e ironiche, per i ritratti di personaggi dello star system, per la trasfigurazione spettacolare delle merci più popolari. le sue opere sono stravaganti e contraddittorie. “Ad esempio, nel Deluge, sua opera ispirata al Diluvio universale di Michelangelo, la “forza tranquilla” prende il sopravvento dell’opera donandole un sapore contraddittorio: le persone raffigurate dovrebbero essere terrorizzate, disperate, scomposte e invece posti di fronte alla morte ritrovano valori universali come la pietà, la solidarietà, lo spirito di comunanza.
Le sue immagini vennero pubblicate anche da grandi riviste come “Paris Vogue”, “The Face”, “Vanity Fair”, “New York Times Magazine”, “Vogue”.”
LaChapelle, dopo un periodo di arte commerciale, decise anche di approfondire le sue radici nelle fotografie sacre cercando di riprodurre immagini come l’Annunciazione e la Pietà di Cristo. spesso viene giudicato come “creatore del surreale” perché esagerato e spudorato. A mio parere è la rappresentazione di ciò che non viene detto, del moralismo messo a nudo, della verità nuda e cruda. le sue opere a primo impatto possono sembrare pacchiane e provocatorie, ma nascondono intrinseche nella loro natura significati nascosti e puri. David LaChapelle può essere considerato uno tra gli artisti più eclettici del mondo contemporaneo.
Non trovo sconvolgente la possibilità dei sentimenti di solidarietà e collettività che si può interpretare in Deluge. All’improvviso può accadere qualsiasi cosa, come sta succedendo oggi…
Situazioni che colpiscono tutti, un momento che risveglia in noi la fragilità che ci spinge a mostrare un lato migliore di noi verso gli altri, che può essere visto normalmente come un sentimento dormiente, che emerge soltanto risvegliandoci appunto dal sonnambulismo non solo delle abitudini visive, ma bensì da quelle delle nostre abitudinarie azioni e reazioni verso la realtà nella quale viviamo, come se servisse sempre un colpo scomodo che ci faccia scoprire la verità, le cose che diamo per scontate.
I risultati che trovo nelle fotografie di LaChapelle, trasmettono una grande forza, forse dovuta in gran parte alle sue esperienze.
Prende spunto da diversi grandi artisti del passato, mescolandoli con forti forme e colori dando vita a delle visioni nuove, sembrerebbero contemporanee, che spesso vanno di pari passo con diversi ambiti commerciali. Non è scontato, può sembrarlo a primo impatto, ma non lo è.
Penso sia interessante la frase citata all’interno dell’articolo: “La sua luce non lascia quasi ombre, ma tuttavia riesce a raccontarci benissimo le ombre che ci portiamo dentro…”
Sono affascinata dalla fotografia “ When the world is trough”, da questa combinazione di elementi opposti, decontestualizzati…
Il soggetto mi fa pensare ad una celebrità che viaggia durante la nostra contemporaneità ma allo stesso tempo, penso ad un angelo vestito di bianco, con i boccoli biondi, dentro un “paesaggio fantasma” di ciò che prima era un paesaggio urbano, in tutta la sua freddezza cromatica.
Mi soffermo sull’espressione perplessa della ragazza che mi fa sentire spaesata, come se fossi in bilico tra il crollo e la ricostruzione.
Viene sottratta la realtà, le macerie sullo sfondo sono lì, quasi come una manifestazione dell’inconscio, assorbendo gli oggetti che si hanno nella memoria quotidianamente, oscurandone la presenza visiva e che grazie a questa assenza, essi vengono percepiti come spettri del passato, che attirano, come un buco nero, catturato in un istante, dopo una catastrofe naturale che gli esseri umani non possono ostacolare.
Michelangelo definì l’opera di uno scultore come una rimozione, diversamente dalla pittura che va posizionata;
la distruzione presente nella fotografia di LaChapel, nonché le macerie, toglie la forma invece di farla emergere, restituendoci una sola forma intera, concreta, cioè la donna. Abbiamo le macerie che sono delle nuove forme, con una nuova vita, tolte dal loro contesto precedente, alcune spostate altrove ed altre invece, ferme nello stesso posto.
Inoltre, la valigia, la partenza, il viaggio fisico, è un’azione programmata e consapevole, forse determinata da una necessità di cambiare vita.
Un uragano, un disastro naturale invece, non è programmato dagli umani. Entrambi, però, danno vita ad una storia, ad una nascita, una vita durante la quale si entra in contatto con il mondo e la morte, dopo la quale resta qualcosa, dei ricordi. Forse il concetto di nascita, di luce, è dentro LaChapelle e non può fare a meno di renderlo parte dei suoi lavori, lasciando diverse interpretazioni a seconda di chi li fruisce, anche spirituale, sacra, notando una sorta di composizione piramidale nell’insieme di elementi che costituiscono l’immagine.
Nelle sue fotografie si percepisce un’evoluzione, una storia, che ha sicuramente del personale dentro, ma che si trasforma in qualcosa che è lontano da ciò che cataloghiamo come contemporaneo, ingannevole. Spesso c’è l’unione dell’ispirazione derivante da artisti del Rinascimento ed elementi della modernità… una modernità nella quale tutti noi abbiamo il bisogno continuo di essere qualcuno, di essere notati, vittime di una vita basata sul consumo, ossessioni superficiali radicate nel sistema sociale, vogliamo essere le star che vengono raffigurate lì sopra, pensiamo di comprenderle.
Forse, dovremo cercare anche dentro di noi la verità e non fuori, nel virtuale, nelle piattaforme social, nel mondo pieno di immagini…
Rivolgendomi all’aspetto tecnico, mi vengono in mente le stampe degli scatti di Jeff Wall, il fotografo canadese che sono enormi come dipinti, che rafforzano ancora di più il realismo e naturalismo. Pur lavorando con soggetti completamente diversi, che non hanno nulla a che fare con la moda, ad esempio; le sue fotografie sono immobili come sculture classiche e a volte intrappolano attimi divini ma anche inquieti, realizzati in modo accurato con dei set, come LaChapelle.
Nel caso di entrambi, appena guardo una loro fotografia, penso di sapere di cosa si tratti a prima occhiata, penso siano semplici da interpretare, ma in realtà ci mostrano delle complessità difficili da mettere in ordine mentale, che ci lasciano perplessi, o almeno, nel mio caso.
Interessante la faccenda della distruzione. Anche il resto dell’analisi della foto. Jeff Wall non lo conosco ma mi hai quasi convinto, Quasi.
Lo stile di LaChapelle si riconosce già dopo uno sguardo fugace. Questo penso sia dovuto, in particolare, dal “perfetto equilibrio che l’artista crea grazie all’unione degli opposti”.
Colori squillanti (a volte quasi lisergici), perversioni sessuali, eccessi, consumi, mondi surreali giustapposti ad iperrealismo, temi sacri e racconti onirici.
Credo siano proprio queste ironiche ed accurate contrapposizioni a distinguere la cifra stilistica del fotografo.
I suoi scatti così risultano impattanti, “costringendo” il fruitore ad immergersi nel profondo e a fare i conti con i tabù e con le problematiche create dalla società, ma anche con i propri difetti, i propri limiti e i propri demoni. Le emozioni suscitate, di conseguenza, fanno emergere riflessioni che (spesso) lasciano un certo amaro in bocca…Proprio come nei sogni dove si ha a che fare con il proprio inconscio, con le proprie fantasie, con ciò che non vogliamo vedere…
Ed è proprio grazie ad i suoi sogni che noi fruitori possiamo sognare ad occhi aperti.
“Amo creare tramite l’uso della fantasia, tramutando in immagine i miei sogni.”(David La Chapelle)
LaChapelle è uno degli artisti più influenti al mondo, ha la capacità di narrarsi e raccontarsi in modo particolare, racconta di un suo mondo ma che in realtà è anche il nostro.
Mi piace questo artista e il modo in cui fa vedere nelle sue opere il suo punto di vista surreale e ironico, penso che il suo modo di modificare opere famose con gesti stereotipati, mimiche facciali apatiche in delle contestualizzazioni forti, sia una critica di una parte della società che tende sempre più verso l’esteriorità, anche se le ambientazioni possono sembrare caotiche, secondo me il messaggio che vuole trasmettere è chiaro.Le sue fotografie inoltre denunciano le ossessioni contemporanee, il rapporto con il piacere, col benessere, con il superfluo e con una sfrenata esigenza di apparire. Il tutto connesso da colori elettrici e superfici laccate, e caratterizzato dalla presenza ricorrente di un nudo sfacciato e aggressivo, personalmente lo trovo molto attuale ed affascinante.
Per me lui è un genio!
Ha preso delle opere conosciute e le ha riformulate in chiave moderna prendendo in giro la società odierna facendo passere dei messaggi di critica costruttiva, ad esempio l’ opera “The Last Supper”.
Lui non è fuori di testa ma ha delle idee ben chiare con le quali vuole stuzzicare ad arte le persone mettendogli davanti una realtà ignorata.
Lui vuole scardinare stereotipi e discriminazioni, ad esempio “Annuciation”, in cui Maria è di colore, se mia nonna lo vedesse griderebbe al sacrilegio perché per lei Maria non è, e non potrà mai essere, di colore; né tanto meno L’ Angelo Gabriele con dei baffi simbolo di mascolinità.
Tutto questo perché la visione di questi soggetti è stereotipata!
Lui cerca di fare leva su emozioni umane e su stati d’ animo particolari.
E per concludere, a mio parere, un’ altra interpretazione del’ opera “Deluge” e che non importa quanto sia famoso, importante, di lusso o ricco il logo, l’ azienda o il tuo nome, davanti a un disastro comune, o davanti alla furia di madre natura, farai la stessa fine di tutti gli altri.
Ma sono d’ accordo sul fatto che gli esseri umani si aiutano tra loro solo davanti a un male comune e questa viene chiamata “ipocrisia”.
C’è chi definisce David LaChapelle uno dei migliori fotografi del nostro tempo e chi pensa invece che dopo il periodo di fotografie modaiole sia letteralmente decaduto. Io mi trovo tra i primi e personalmente credo che il fotografo statunitense sia non solo un fotografo, ma un’artista che oltre a produrre opere significative ed altamente espressive si sia distinto nel settore per la sua unicità, provocatorietà, ma soprattutto rivoluzionarietà. Una fotografia di LaChapelle si distingue sicuramente, anche grazie al suo stile carico di pigmenti accesi e brillanti, proveniente dal mondo della moda e della pubblicità, che ha saputo trasformare perfettamente anche nel campo artistico. David porta alla massima espressione la fotografia non solo per la studiata regia che si trova dietro ogni foto, ma anche grazie alle tecniche digitali ed alla strumentazione da lui usata, la quale permette alle foto di diventare quasi delle scene oniriche rientrando perfettamente nello stile surrealista. Condivido come citato nel testo, questa grande affinità tra il fotografo e Michelangelo, dal quale ha tratto evidentemente ispirazione non solo in Deluge, ma in molte altre sue opere e lo si vede per esempio nell’espressività dei corpi presenti nelle scene che LaChapelle ha minuziosamente costruito. Un’altro riferimento ad artisti del passato che secondo me è molto affine alla sua arte è il collega surrealista Salvador Dalì, infatti anche nelle sue opere siamo travolti dal suo creativo mondo immaginario con un potente carattere distintivo. Penso che si possa imparare molto dagli altristi passati, perché anche se il mondo dell’arte ed i vari strumenti di espressione siano in continua evoluzione, esistono dei pilastri concettuali che sono senza tempo e toccano le corde principali di quello che è un’opera artistica. Un riferimento lampante lo troviamo anche in campo filosofico, nel quale ancora oggi, nel 2020, ci troviamo a porci le stesse domande degli antichi filosofi greci quali Socrate, Platone ed Aristotele solo per citarne alcuni. Per esempio il dibattito tra empiristi e razionalisti, la nostra conoscenza deriva esclusivamente dalla nostra esperienza o parte della conoscenza è innata? David LaCapelle ha saputo trarre ispirazione dai migliori artisti del passato, rielaborando il tutto in un risultato straordinario e come già citato rivoluzionario, in opere che sono il frutto di moderne tecnologie unite ad un talento artistico senza tempo, capace di raccontare la società moderna in singole immagini. Una caratteristica del fotografo statunitense, sta nella capacità di usare immagini provocatorie e potentemente comunicative in modo non eccessivamente volgare e peccaminoso, per raccontare e far emergere i desideri della società che spesso riguarda la realtà dello star system, pieno di vizi ed eccessi. Prendendo in esame l’ultima foto di questo articolo, notiamo la sua grande concentrazione di colorazioni accese quali rosso, giallo ed azzurro. Percepiamo una grande concentrazione di elementi nella parte inferiore dell’immagine, dove appunto troviamo i numerosi leopardi, che rappresentano la popolazione comune, la popolazione ancora animale, che fa particolare attenzione alla bellezza ed all’estetica espressa dalla pelliccia maculata del leopardo. La stessa pelle la troviamo però anche come rivestimento del pianoforte sul quale Elton Jhon sta saltando, quindi metafora dell’industria consumistica che usa la popolazione per arricchirsi e per ricamarsi. Elton Jhon, sinonimo del personaggio di successo, dell’elevamento nella scala della società e della piramide, salta euforicamente sul pianoforte, sul sistema consumistico calpestando quella che è la pelle dei leopardi. Notiamo che la parte inferiore dell’immagine, piena di ciliegie, quindi di rosso, rappresenta il mondo pieno di passione, amore, odio della popolazione animale, meno elevata e che diminuisce sempre di più salendo verso l’alto, quindi verso l’alta società, che è quindi in un mondo più aperto, più libero, ma anche più vuoto, e dove l’amore è scambiato dalla perversione, rappresentata dalle banane. Questo è un’ esempio di come le opere di LaChapelle siano piene di significato e di espressività e che raccontino la nostra società. Ma siamo sicuri che la sua arte si fermi a raccontare il mondo istantaneo, il mondo di oggi e non una visione futuristica di quello che potrebbe essere l’umanità nei prossimi anni? Che LaChapelle non ci dia qualche indizio di come lui vede il nostro futuro?
La grande potenza degli artisti è di suscitare punti di vista che fanno discutere.
Le foto di La Chapelle hanno questa potenzialità. Colpisco, incuriosiscono e fanno discutere per le tinte decise, la scelta dei soggetti e le rivisitazioni dei temi sacri e dei quadri classici.
Dalle sue fotografie ritroviamo grandi riferimenti alla contemporaneità, all’eccesso del benessere, a tutto ciò che è superfluo. Molto interessante come prende ispirazione dalle grandi opere del passato, non concentrandosi sulla forma ma sul significato dell’opera ribaltandolo nella contemporaneità. Non rispetta i canoni convenzionali, le sue fotografie suscitano maggiore interesse e curiosità rispetto a un classico scatto. Suscita fascino nell’imperfezione.
Il mondo della moda e dello star system permette a La Chapelle di farsi conoscere al grande pubblico grazie ai ritratti di celebrità. Personaggi singolari e curiosi, che influenzano il mondo. Questa scelta credo sia fatta per raggiungere il pubblico in modo più veloce e impattante, arrivare a suscitare pensieri ed emozioni anche a chi non si è mai soffermato a lungo sulla realtà, costringendolo a pensare e a farsi una propria opinione.
Ciò che rende un’opera d’arte degna di essere definita tale è il fatto che il suo fine non è mai quello di pubblicizzare o vendere qualcosa, ma bensì quello di farci riflettere sul perché un artista abbia scelto un oggetto così banale come potrebbe essere una sedia per rappresentare un concetto o un’idea più profonda. Faccio l’esempio della sedia prendendo spunto dall’opera di Joseph Kosuth, il maggior esponente e colui che diede vita al movimento dell’arte concettuale con appunto l’opera “1 e 3 sedie” L’arte contemporanea ci ha insegnato che le opere d’arte non servono a chiedersi “come” siano state realizzate ma piuttosto “perché” e nel momento in cui non ci sentiamo spinti nel chiederci, davanti ad un’opera come quella citata sopra, cosa l’artista voglia dirci tramite quella banale sedia in legno, una sua foto e la definizione della parola sedia presa dal dizionario, significa che si è rimasti ancora intrappolati nella sfera del fruitore comune dove le opere vengono solo “guardate” e non “osservate”. Dopo questa piccola premessa composta da nozioni che ormai quasi tutti più o meno sappiamo già, vorrei soffermarmi sulla figura di Lachapelle e di come quest’ultimo si possa considerare per alcuni versi un fotografo alla pari di alcuni artisti concettuali, mentre per altri versi si possa ritenere lontano dall’essere catalogato all’interno di questo movimento. Lachapelle nasce negli anni ’60 così come il movimento dell’Arte Concettuale nato con l’obiettivo di andare contro l’idea che si potesse definire un’opera d’arte solamente quella appesa al muro e realizzata con materiali e tecniche “comuni”, ma cosa c’è di più instabile e fragile di una parete? E proprio per questo motivo che il movimento dell’Arte Concettuale ricevette fin da subito una gran approvazione e partecipazione come se fosse stata una boccata d’aria in un momento caratterizzato fino ad allora dall’oppressiva idea che l’arte dovesse essere per forza esteticamente bella sebbene presentasse delle lacune a livello semantico. Ritornando alla figura di David Lachapelle dunque lo potremmo paragona ad un’artista concettuale per il suo voler trasgredire l’idea di fotografia di moda a cui siamo comunemente abituati per lasciar spazio invece a degli scatti che, anche se a livello inconscio sono intrinsechi di significati. Osservando di sfuggita i suoi scatti c’è quasi sempre la presenza simultanea del sacro e del profano come ad esempio nei tre scatti dedicati a Michael Jackson in cui lo vediamo raffigurato come un essere così bianco e pallido da essere ad un passo dalla morte (quindi legato alla sfera terrena) ma la sua postura ovvero eretta e con le braccia aperte in segno di accoglimento rimanda alla figura della Madonna (e quindi legato alla sfera del sacro). I colori che utilizza non sono mai tenui, bensì carichi di luce e significati. Troviamo spesso il rosso, simbolo per antonomasia della passione e della trasgressione, ma anche del pericolo: studi scientifici hanno dimostrato che il cibarsi da un piatto rosso diminuisce il senso di fame poiché solitamente associato al segnale di “stop” o appunto di qualcosa a cui prestare attenzione. Lachapelle incanta, così come i migliori artisti concettuali: ha la capacità di farti soffermare sui suoi scatti e i domandare quale sia il motivo per cui magari troviamo che la figura di Eva sia stata rappresentata dalla modella transgender Carmen Carrera così come il chirurgo l’ha fatta. La foto era stata resa pubblica in Austria dove aveva suscitato un enorme sdegno e scalpore tra i cittadini che vedendo simultaneamente la presenza di organi maschili e femminili all’interno dello stesso soggetto avevano avuto una reazione paragonabile a quella che ci si poteva aspettare negli anni ’50 dai cittadini americani. Ciò che stona e rende differenzia Lachapelle da questo movimento è che i suoi scatti nascono per essere dei prodotti di massa. Prendiamo come esempio la modella transgender: lo scatto è ricco di significati nascosti, ma non ho specificato che venne usato in una campagna per l’AIDS e quindi creata per essere poi vista da milioni di persone (contando anche quelle che sono venute a conoscenza dell’immagine dopo lo scalpore che quest’ultima ha suscitato a livello mediatico). Un’opera d’arte contemporanea può essere considerata tale se risponde ad entrambe le caratteristiche citate finora in maniera simultanea e che quindi gli scatti di Lachapelle a mio avviso si avvicinino a questo mondo, ma che non ne facciano completamente parte.
Trovo particolarmente stimolanti e interessanti le fotografie di David Lachapelle, in quanto riproducono in chiave personalizzata la realtà in cui viviamo, denunciando con licenza artistica le ossessioni contemporanee, come il consumismo, il morboso rapporto con il piacere, con il benessere, con il superfluo, e riproponendo uno scorcio impietoso della società moderna. Questi aspetti li ritroviamo in maniera ricorrente anche nelle opere di Andy Wharol, al quale dal canto suo lo stesso Lachapelle fa molto spesso riferimento.
David Lachapelle unisce l’adversiting alla pop art nei ritratti dal sapore ironico e scioccante delle celebrità del calibro di Michael Jackson, Hilary Clinton, Madonna e altri, e proprio nella rivisitazione di temi sacri, quali la natività e il “Diluvio universale”, ispirati alle opere di Michelangelo, mostra di miscelare arditamente uno stile barocco con una modernissima pop art, dando vita a un mix trasgressivo di ironia e glamour assieme alla più tradizionale iconografia classica e a scene del mondo onirico. Particolare interesse ha suscitato la sua interpretazione del diluvio universale nel quale ha scelto di inserire non più soggetti tipicamente rimandabili al tema, bensì elementi che dal suo punto di vista caratterizzano fortemente la contemporaneità, in quanto presenti in contesti di vita quotidiana popolare; il manichino, il quale non è altro che espressione e forma di una umanità isolata, così come l’inserimento dell’insegna di Burger king, e il marchio Gucci, rappresentano quelli che sono gli elementi a cui il consumismo della società odierna fa spesso riferimento. Un rifacimento a dir poco stravagante ma con un’ottima resa emozionale è il mare che risucchia tutto ciò che è effimero, dal quale emerge un messaggio conciso e ben definito di Lachapelle.
Le sue fotografie sono ammantate da colori elettrici e superfici laccate spesso sposati con la presenza ricorrente di un nudo sfacciato e aggressivo, risultando in questo modo all’impatto scioccanti e penetranti.
Proprio per quanto riguarda l’aspetto cromatico non è difficile notare alcune affinità con la pittura dei preraffaelliti, soprattutto per quello che riguarda l’uso di colori puri e brillanti, elemento caratterizzante delle fotografie di David Lachapelle. Le differenze invece sono sostanziali sopratutto nel concetto di base che muove la pittura dei preraffaelliti, i quali individuano, al contrario di Lachapelle, in Raffaello l’edonismo e il culto della personalità. Di fatto questi ultimi ricercano un connubio tra arte e spirito che con il rinascimento è andato perduto. Guardando le opere di David Lachapelle e pensando ai preraffaelliti sono tentata di citare Holman Hunt, non per i temi affrontati bensì per l’uso eccessivo di colori forti e luminosi, come nel dipinto “The shadow of death” dove si possono scorgere similitudini nel complesso impianto scenico.
Conoscevo già questo artista perché seguivo la sua pagina su Instagram, me l’aveva fatto scoprire un’amica che mi disse “guarda che figata di cose fa questo qua” ed effettivamente erano davvero fighe! Siamo state tutta una serata a guardare e a discuterne. Ci avevano attirato i colori, le forme, la plasticità dei corpi che sembravano quasi sculture e questo richiamo classico mischiato con il kitsch e tutti quegli elementi un po’ assurdi ci hanno dato parecchio di cui parlare. in particolare l’opera del 2009 intitolata “Rebirth of Venus” l’artista fa riferimento alla “nascita di Venere” di Botticelli. La venere in entrambe le opere è posta al centro con la stessa posizione, ad un lato è raffigurato Zefiro, che nell’opera di LaChapelle soffia su una specie di conchiglia, che soffia su Venere il vento della passione; e dall’altro credo sia una Ore che presiede sul mutare delle stagioni che nel dipinto porge a Venere un manto rosa mentre nella foto è l’uomo che le copre i genitali. La composizione dell’opera quindi è pressoché identica, mantiene quindi il significato originale e il messaggio che voleva rappresentare Botticelli, ma è come se ne facesse una versione 2.0; cambia del tutto i colori, nella foto sono così accesi e saturati che sembrano quasi dipinti. I protagonisti hanno una carnagione calda totalmente diversa da quella del dipinto.
La conchiglia che sosteneva la Venere qua non c’è, la modella indossa delle scarpe vistose e accanto c’è una corona. Nell’aria ci sono che volteggiano tanti nastri colorati, forse per dare l’idea del vento che circonda l’intera scena. L’opera risulta così maestosa, sembrano delle statue inserite in un dipinto e fotografate. Le due opere sono così uguali ma allo stesso tempo totalmente diverse. A volte trovo difficile che queste siano foto, e infatti non le chiamerei tali, forse composizioni o semplicemente opere, poiché la post produzione è talmente alta che a volte sembra una stampa oppure un collage. Non riesco ancora bene ad inquadrare LaChapelle, trovo comunque che sia un genio moderno, capace di reinterpretare le grandi opere del passato in chiave moderna, con pensieri moderni che quindi possono coinvolgere di più e attirare più persone. Ha certamente una grande fantasia e una grande capacità compositiva che gli permetti di comunicare in modo efficiente, senza filtri, è così punto e basta. A volte disorienta ma è anche confortante.
E’ stupendo come con l’utilizzo delle nuove tecnologie si possa trasformare la realtà in qualcosa di irreale.
La fotografia è da sempre un’istantanea di un momento reale, di qualcosa che è successo e/o è lì fisicamente.
Lachapelle l’ha trasformata in qualcosa di surreale, è riuscito a rendere fisica la sua immaginazione.
Amo come l’arte riesce a trasformarsi nel tempo e come gli artisti si evolvano con essa.
Lachapelle riesce ad unire fisicità e immaginazione in opere d’arte che fanno riflettere, discutere.
Fa suscitare emozioni contrastanti, fa pensare.
Fa partire la sua carriera dal mondo della moda facendosi conoscere e fotografando personaggi famosi come Michael Jackson e Madonna.
Rappresenta i temi universali, con opere trasgressive e dall’equilibrio sottile come Nativity.
Si ispira al mondo dell’arte e a Michelangelo da cui “The Deluge” e “After the Deluge” dove lavora sulla paura del uomo moderno di perdere i propri punti di rifermento.
Per poi andare a fotografare una serie di oggetti con un’ambientazione innaturale: “Land Scape”.
Lachapelle è un’artista in continua evoluzione che cerca di creare scalpore e cerca di far riflettere il pubblico su tematiche diverse con una fotografia surreale.
All’interno della città del Vaticano sono presenti svariati affreschi, realizzati da diversi importanti pittori toscani e umbri negli anni tra il 1481 e il 1483.
Prese parte alla decorazione della Cappella Sistina anche Michelangelo, in particolare ricordiamo il famoso affresco del Giudizio Universale, realizzato negli anni dal 1536 al 1541.
Michelangelo venne considerato quindi un prodigio, sia a causa dell’esperienza fisica del modo di affrescare, sia per gli straordinari esiti artistici del lavoro completo.
Michelangelo divenne quindi fonte di ispirazione per artisti, letterati, poeti,…
Uno dei più sorprendenti di questi è David LaChapelle, fotografo americano che divenne famoso per le sue ironiche immagini di moda, per i ritratti dei personaggi dello star system, per la trasfigurazione delle merci più popolari.
Grazie a questo articolo ho conosciuto questo artista stravagante.
Egli realizzò una sorprendente fotografia raffigurante le varie fasi della sua carriera, questa venne esposta in una grande mostra che Palazzo Reale gli aveva derdicato.
Penso che il lavoro di LaChepalle sia straordinario, il modo in cui riesce a esaltare i problemi che sono presenti nella nostra epoca lo rende originale, fa ricadere l’attenzione sui suoi lavori grazie ai colori accesi e la luminosità.
I temi che prende in considerazione sono stati trattati di molte persone, però lui li riesce a rendere originali e coinvolgenti.
Una delle serie di scatti che ho preferito è Consumption dedicata all’eccesso e all’eccessiva indulgenza della società moderna. Il desiderio è una delle forze che guidano la dissolutezza delle nostre vite e dunque il soddisfacimento dei nostri voleri nasconde al suo interno il seme della totale dissolutezza.
Ma anche Delle “Deluge” per questo effetto di tranquillità in contrapposizione alla storia, nel quale i corpi dovrebbero essere terrorizzati e disperati, invece questi corpi ritrovano i valori universali; questo ci fa capire la grande forza della fotografia.
Entrambe formate da una composizione simile che mostra il talento del fotografo e che incanta. Cariche entrambi di colori che colpiscono e formate da scene così teatrali e ben costruite che ci portano in un’altro mondo.
Degli artisti che mi ricordano Lachapelle sono indubbiamente Pierre et Gilles, per la loro estetica colorata, per la loro surreale illuminazione e per la loro realtà fantastica.
David LaChapelle: Uno degli artisti contemporanei che attraverso la fotografia ci vuole far riflettere sulla sua visione del mondo moderno. Un lavoro che è molto mutato negli anni, partendo addirittura da opere in bianco e nero, passando per fotografie che raffigurano la moda e le celebrities, terminando poi con un ritorno alla natura ed alla natività.
Immagini cariche di simbolismo a volte religioso a volte blasfemo, opere che prendono ispirazione dai grandi artisti del passato come ad esempio Michelangelo, lavori che vogliono farci riflettere sulle cose ovvie: Ritratto di una società corrotta, che ha perso la via del giusto abbandonandosi all’attaccamento per le cose materiali.
LaChapelle riesce a comunicare un senso di calma e di naturalezza anche attraverso temi attuali molto forti e a tabù sociali come perversioni e nudo sfrontato. Ammirando i suoi lavori non ci si sente sconvolti ma si contempla una natura dai colori surreali nella quale hanno luogo scene bibliche rilette in chiave moderna.
La raccolta del 2017 intitolata New World in particolare è ambientata nell’isola di Maui, dove l’artista vive, e la particolarità di queste fotografie è che non sono state ritoccate al computer ma dipinte a mano dal fotografo direttamente sui negativi. I colori che ne derivano sono assolutamente accesi ma allo stesso tempo in armonia con la natura che ospita le scene ritratte come a ricreare un moderno Giardino dell’Eden in cui i ruoli sono stati stravolti, o una Natività impersonificata da figuranti appartenenti ad un’etnia diversa, un’etnia storicamente “sbagliata”.
Questa nuova serie (2017-2019) rappresenta lo stupore dell’artista per il sublime e la ricerca della spiritualità in scene di utopia tropicale.
Tra le collaborazioni che voglio ricordare c’è quella con la stilista Iris Van Herpen; i suoi abiti tridimensionali ed eterei si abbinano alla perfezione agli scenari paradisiaci che troviamo anche in New World. Un abito ricco ma allo stesso tempo leggero, capace di mutare la sua forma con un alito di vento rendendo il tutto più scenografico.
Nei lavori di LaChapelle spicca un interesse per il mondo della musica: Spesso posano per le sue fotografie cantanti del calibro di Elton John o Lizzo, ma l’artista riesce in qualche modo a dare nuova vita anche a celebrità decedute come Michael Jackson o Kurt Cobain.
Ho sentito nominare per la prima volta Lachapelle, durante una lezione di storia della fotografia mentre parlavamo di fotografia contemporanea, e devo dire che all’inizio non mi è piaciuto e non ne ero interessata , principalmente per l’ utilizzo dei colori così forti , in quanto per me troppo eccessivi; devo ammettere però, di aver dato un giudizio troppo affrettato mi ero focalizzata solo sui colori pop , sull’esagerazione perchè in realtà non capivo la percezione di queste fotografie, ma dopo quella lezione ho fatto delle ricerche sulla sua vita, sullo stile, ho cercato delle immagini fotografiche per capirci di più e posso dire che, Lachapelle è un artista, è un mix di estetica tra cultura pop e surrealista con messaggi sociali importanti, che grazie alla fotografia ha portato nell’arte disordine , quando prima c’era un’ordine e delle regole .
Per gusto personale ,e per esperienza preferisco realizzare e guardare fotografie che non contengono tante manipolazioni , come ad esempio quelle di Dorothea Lange che raccontava la problematica della crisi economica , con i volti delle persone che vivono in situazioni critiche, forse perchè sono più facili da comprendere , sono più immediate, ma con l’analisi fatta durante la lettura di questo articolo Lachapelle fa la stessa cosa, raccontando attraverso la composizione e manipolazione ciò che lo circonda e lo fa utilizzando utilizzando colori pop , luminosi , ricordando vagamente gli artisti della corrente artistica Pop-Up , ma anche artisti che fanno parte della fotografia allestita come Sandy Skoglund, che realizza le sue fotografie allestendo le diverse composizioni , con colori forti .
Ho trovato molto interessante l’opera The Deluge , ispirandosi a Michelangelo per cui aveva una passione forte .
Quest’opera evoca emozioni particolari , dove i personaggi sopravvissuti a questo disastro naturale cercano di aggrapparsi a ciò che li mantiene vivi , come alcuni simboli consumistici come il marchio di moda Gucci , il casinò di Las Vegas e altri dettagli nascosti nell’opera.
Trovo che il talento di Lachapelle sia quello di permettere ad ognuno di trovare il suo “punctum” ovvero ciò per noi risulta abitudinario , e in quest’opera il punctum è la tranquillità , questi corpi che dovrebbero essere terrorizzati per il disastro naturale, in realtà quello che stanno facendo è quello di attaccarsi al vizio , alla vanità estrema , ma davanti alla morte si ritrovano i valori universali come , la solidarietà , la pietà .
In conclusione trovo che Lachapelle sia molto concettuale , manda messaggi concettuali attraverso luci e colori , è un’artista con molta fantasia quasi che da fastidio , ma teatrale e affascinante , insomma diverso da tutti gli altri unico nel suo genere e stile !
Prima di questa lettura avevo soltanto sentito parlare di David Lachapelle, senza mai approfondire l’argomento. È interessante come l’artista cita opere del passato e riesce a riproporlo in chiave moderna stravolgendone il significato originale anche tramite l’utilizzo di colori decisi e alternati.
L’utilizzo di immagini dello star system lo aiuta a trasmettere il suo messaggio rendendo riconoscibile e richiamando alla memoria l’opera che vuole citare.
David LaChapelle, fotografo amante dell’arte classica capace di restituire al mondo una sua reinterpretazione surrealista di celebri iconografie. Nelle fotografie del celebre fotografo si ritrova lo sguardo di Michelangelo come nell’opera sopracitata, del Canova, di Dante Gabriel Rossetti e di Bellini.Questo in quanto, per sua credenza, i movimenti espressivi più efficaci in base ad i quali creare un’immagine esemplare, spesso possono raggiungerci dal passato perché già scoperti da altri artisti. Caratterizzante dell’operato de LaChapelle è l’iconografia religiosa classica reinterpretata in una chiave surrealista caratterizzata da colori barocchi, in uno stile pop alla Andy Warhol. I soggetti, sia nelle opere artistiche che di moda diventano dei veri e propri attori, che, nel grottesco e nel kitsch riescono a trasmettere leggerezza dei corpi creando pathos del sentimento, tramite una modulazione dei gesti e delle espressioni. Le sue fotografie rappresentano il consumismo che l’autore stesso critica profondamente tramite le immagini plastiche dello Star System o l’opera sopracitata “Deluge”.
Non riesco a farmele piacere. Trovo i colori e le luci esasperate ed esagerate, troppo accese. In compenso apprezzo il significato dissacrante delle sue foto.
Scommetto che ci sono un sacco di altre dimensioni didattiche che non ti piacciono. Ma si può prendere le distanze da esse senza apparire noncuranti. Per esempio esercitando la critica, ovvero fare uno sforzo per conoscerne le specificità, se vuoi i limiti; contestualizzarle, mettendole in tensione con altre etc.
Il soggettivismo esasperato non lascia spazio a nessuna crescita.
David LaChapelle è un fotografo statunitense ed è anche un fotografo amante dell’arte classica ed è capace di reinterpretare le celebri surrealiste iconografiche . Le sue immagini secondo me sono troppo luminose e i colori sono di una intensità di una specifica tonalità . Ma apprezzo tantissimo lil significato di ogni sua singola opera .
Giulia Zappia cinema 1 Laba
David Lachapelle è un fotografo statunitense degli anni 60 . Le sue opere personalmente non mi piacciono molto perchè i suoi colori sono troppo accessi , le tonalità sono troppo eccessive ma non discuto che è un fotografo importante e un regista di molti film di cui Blade Runner che è un bellissimo film
Giulia & Giulia, non dovreste fare i commenti da ubriache. Prendo atto che LaChapelle non vi piace. Ma potevate, da sobrie, tentare di comprendere perché ha un successo travolgente e forse scoprire che la sua tavolozza dei colori è una scelta espressiva molto efficace per non prendere troppo sul serio la tragedia umana.
David LaChapelle non realizza solo fotografie, ma le trasforma in veri e propri quadri.
Avendo affrontato studi artistici conosce molto bene l’arte classica e rinascimentale e si ispira proprio ad essa per realizzare alcune opere.
Oltre che fotografo commerciale e
ritrattista di personaggi famosi, è un regista di
videoclip musicali, film documentari e di spot
pubblicitari.
Trovo che le sue fotografie di moda più potenti visivamente siano quelle che scatta nel 2005 in cui ritrae modelle che sfoggiano abiti di lusso immerse in luoghi che sembrano essere stati distrutti da catastrofi.
Questa apparente contrapposizione mi ha colpito molto, soprattutto le espressioni delle modelle, noncuranti della situazione e sicure di sè come se con quegli abiti potessero dominare il mondo o addirittura potessero aver causato loro le catastrofi.
In quegli anni si stava distaccando dal mondo della moda e forse è stata proprio una sua provocazione.
Pop surrealista,noto per i suoi colori estremamente vivaci e saturi,riesce a comunicare attraverso forti contrasti tra presente,passato e futuro.
La sua è una fotografia barocca, teatrale,
ricca di narrazioni fantasiose talvolta ironiche.
Dal 2006 abbandona la fotografia commerciale e si trasferisce alle Hawaii dove si dedica alla fotografia artistica e alla sua fattoria biologica.
Simboli artistici del passato vengono riproposti in chiave moderna: i miti della cristianità, le icone religiose e le scene bibliche diventano una reinterpretazione della società moderna basata sul consumismo.
Temi a lui molto cari in quanto molto religioso e credente.
Ispirandosi a Michelangelo e al Giudizio Universale realizza “The Deluge” in cui ci mostra la decadenza di un mondo che ha provocato grandi danni ambientali.
In merito a questo realizza anche la serie “Land Scape” criticando l’uso smisurato delle risorse fossili ai danni della natura.
In particolare per “Spree” realizzato in due anni, LaChapelle ha costruito un modellino di 35 centimetri di una nave da crociera
intrappolata in pezzi di ghiaccio, il Titanic 2.0, per rappresentare ciò che ci attende se non prestiamo maggiore attenzione allo sfruttamento delle risorse ambientali.
Non solo modellini di navi, ma anche stazioni petrolifere o strutture industriali.
Le fotografie sono state scattate collocando modellini in ambienti naturali che contrastassero tra loro.
Nonostante ciò ripone un velo di speranza nell’umanità rappresentata dal bacio tratto dalla serie “The Revelations”
La sua arte genera pensieri contraddittori, alcuni la trovano sbalorditiva, altri invece non riescono a capirne il senso.
Nella sua arte è evidente l’influenza del surrealismo e della pop art e lo possiamo vedere anche nell’utilizzo dei colori.
Il suo gesto fotografico mostra come la realtà contemporanea superi la finzione digitale perché è il reale stesso che si è situato nell’irrealtà. Nessuna necessità di un metaverso, perché il reale è già virtuale. I corpi sono corretti, rimodellati, ridefiniti. La natura è un set cinematografico immersivo, assorbito e determinato da effetti speciali.
I corpi nudi, i colori saturi e le immagini luminosi sono alcune delle costanti del suo lavoro.
Il suo stile infatti l’ha portato più volte ad essere criticato sia per una presenza continua di nudi, sia per l’affrontare in maniera profana temi legati alla religione. Ma è proprio questo stile che lo rende unico e riconoscibile.
Oltre ad avere un’impronta pop ci sono molti richiami all’arte classica e barocca.
Personalmente il suo modo di approcciarsi all’arte e il suo modo di creare arte mi colpisce.
Mi colpisce perché è unico e riconoscibile.
Ho avuto l’occasione di vedere alcune delle sue opere esposte al MOCO Museum di Barcellona e sono rimasta davvero a bocca aperta
L’articolo è un’immersione entusiasmante nella mente di David LaChapelle e nella sua passione per Michelangelo. La Cappella Sistina viene descritta come un’opera d’arte complessa e famosa, e Michelangelo viene lodato per la sua maestria artistica e la sua padronanza dei dettagli. LaChapelle viene presentato come un fotografo famoso per le sue immagini di moda coinvolgenti e ironiche, nonché per la sua passione per Michelangelo.
La fotografia “Deluge” è una sorprendente rappresentazione delle forze della natura che minacciano di sovrastare il regno dell’Uomo, con alcuni simboli della civiltà consumistica che stanno per essere inghiottiti dal diluvio. L’autore sottolinea l’importanza dell’immagine di LaChapelle come una riflessione sulla natura effimera del mondo moderno e le conseguenze delle nostre scelte sulla natura e sull’ambiente.
Personalmente, credo che l’opera di LaChapelle sia straordinaria e di grande impatto emotivo. La sua capacità di creare immagini coinvolgenti e spettacolari è sorprendente, e la sua passione per Michelangelo si riflette nella bellezza e nella complessità delle sue opere. La fotografia “Deluge” mi ha colpito profondamente, poiché rappresenta una forte avvertenza sulla fragilità del nostro mondo e sulla necessità di proteggere l’ambiente. L’approccio percettivo all’opera è potente e intenso, e mi ha lasciato con una sensazione di reverente stupore. In generale, l’articolo è stato un’immersione appassionante nel mondo dell’arte e della fotografia, e mi ha fatto apprezzare ancora di più il talento e la creatività di David LaChapelle.
La Chapelle è sicuramente uno dei più affermati pop art Artist, famoso per le sue opere di critica sociale e per il modo distintivo nel quale le crea. Infatti le sue opere sono facilmente riconoscibili dal suo modo di utilizzare i colori e la messa in scena dei suoi soggetti fotografici. In modo particolare questo aspetto l’ho percepito nella visione dell’opera Deluge, i corpi delle persone sono resi in modo scultoreo, al fine di esagerare nel trasmettere emozioni, che però non arrivano al fruitore. Inoltre questa finzione mi ricorda le opere di Michelangelo e probabilmente è un modo che ha l’autore di rendere la sua fotografia un carattere immortale, fuori dal tempo, nonostante i riferimenti espliciti di critica della società attuale.
Il distaccamento emotivo che pervade nelle sue opere dovuto, come da lei scritto, dall’uso di luci con colori freddi e i volti seri o dall’espressione artefatta, sono caratteri che ritrovo e che rendono le sue fotografie uniche e surreali.
Io ho avuto la possibilità di vedere dal vivo al Moco Museum Barcellona, il cristo di La Chapelle e la caricatura dei personaggi fotografati rende onore alla teatralità che riesce a dare ai soggetti.
Non avevo mai sentito parlare di LaChapelle e onestamente ritengo che si un fotografo estremamente particolare che in pochi posso apprezzare, per via del suo stile estremamente appariscente ed estroso.
Ritrovo affascinate il suo continuo studio verso i i grandi artisti del passato e la riprese delle loro opere come quelle di Michelangelo, realizzando una fotografia magnifica (The Deluge) descrivendo come le forze della natura siano pronte a distruggere il mondo umano facendo percepire un certo rimprovero verso quest’ultimo da parte dell’autore, Bellini, Canova, Bronzino e molti altri, arrivando cosi a creare raffigurazione che ci appaiono destramente uniche nel suo genere creandosi un suo stile.
Una caratteristica fondamentale e sicuramente da riconoscere di LaChapelle è l’utilizzo dei colori, difatti quest’ultimi sono definiti intrusivi sgargianti, esuberanti ed essendo un’amante dei colori tenui le sue fotografie non mi esaltano particolarmente anzi quasi mi infastidisce quest’uso così eccessivo e così acceso dei colori.
Anche se le fotografie di moda che realizza a carattere quasi ironico non si possono immaginari con colori differenti sopratutto per come voleva raffigurare le star del momento, esaltandone il loro siete di vita esuberante e il loro narcisismo.
Difficile descrivere l’impatto che un artista della portata di LaChapelle ha su di un fruitore di primo livello come il sottoscritto. In Primis per la scarsità di informazioni in mio possesso, visto che (non mi vergogno ad ammetterlo) questo grande fotografo globally – known l’ho scoperto davvero di recente (come tanti altri grandi nomi che sfuggivano completamente al mio immaginario prima di poco tempo fa). In seconda analisi, perché non sono mai stato un fan dello stile rinascimentale di questo genere. Questo, mi rendo conto, è un lascito (meglio trauma) degli studi scolastici, ma sopratutto simbolo di una grande ignoranza del sottoscritto nei confronti di questo stile (stile detto in modo riduttivo). Ho sempre trovato l’eccessivo qualcosa di estremamente fuorviante nell’arte, che recava solo danni, ma probabilmente è solo una deformazione professionale malriposta (less is more è un mantra insindacabile per gli attori di metodo); in quanto ora so (dopo uno studio leggermente più approfondito di quello scolastico) che la mia lettura assolutamente superficiale di questo stile largamente utilizzato da LaChapelle mi ha fatto cascare in una trappola. Trappola che mi ha reso ceco di fronte al vero significato nascosto, allo strato subito successivo a quello superficiale; significato che ora sento di aver capito di più grazie a questo grande artista. Ciò che mi ha fatto davvero perdere in queste (quasi ) gargantuesche fotografie, è la verità macabra che ne fuoriesce. Il lustro sfrenato, i colori quasi troppo brillanti e le forme assolutamente non documentative della realtà che vengono ricreate in queste enormi diapositive teatrali (come le definirei io), hanno la capacità intrinseca di far esplodere di crudo significato il ribollio costante che gravità intorno alle cose e alle persone. Lavorando per ossimori, riesce a tirare fuori lo sporco più nero non solo mostrandolo pulito ma esaltandolo così tanto da permettere all’occhio più attento di percepire a volte l’ironia del messaggio, altre volte la realtà così com’è: come se tutto il contorno pomposo quasi superfluo agisca da solvente più che da materiale coprente. E’ semplicemente meraviglioso questo “uso pop” dello stile Rinascimentale per veicolare messaggi provocatori attraverso canali mainstream ritenuti dalla massa “candidi” e intoccabili. Il campo magnetico da cui lo sguardo viene catturato mentre si sofferma a trovare lo strato “sensibile” delle pellicole di LaChapelle (come se ci mettessimo a strappare lo strato superiore di una polaroid per soffermarci ad osservare il magma dell’alogenuro d’argento che velocemente si impressiona, rivelandoci per un solo secondo la “verità” del suo composto) è qualcosa che, davvero, solo la Cappella Sistina e company può risvegliare ancora in noi oggi.
Mi prendo un momento finale per provare a parlare anche di qualcos’altro che ho notato infatuandomi del Grande Stile di LaChapelle (un processo che è ancora in corso). Credo che oltre ad aver ironizzato, giocato sulle debolezze dell’essere umano, preso d’assalto colonne portanti della nostra società (ricordiamolo: la stessa in cui vive lui stesso), il suo desiderio più profondo sia salvare l’essere umano. Salvare, di certo, anche se stesso sottolineando le problematiche di tutto ciò che lo ha arricchito e fatto crescere (figlio che “uccide” i genitori, come dice la psicologia infantile), ma sopratutto lanciando un salvagente in mare per chiunque si senta perso in questo mondo. Un “si, anche io vedo quello che vedi tu” o “tutti ci sentiamo soli, anche se ci dipingono su una parete di un monumento”. Salvare la mente umana che lentamente si sta staccando dal corpo creando una sua piccola realtà antisociale fatta di solitudine e rimpianti, e riportarla ad un senso di comunità, di bellezza vista per quello che è: semplice bellezza.
Stupire, ammaliare, lasciando comunque perplessi e pensosi, è una qualità che quasi nessuno riesce ad ottenere padroneggiando l’arte della fotografia (e del cinema, ricordiamo il documentario di LaChapelle, altro capitolo di cui si dovrebbe parlare). Perciò credo sia fondamentale non cadere nella stessa trappola in cui si è ficcato il sottoscritto, e cercare di spingersi sempre di più oltre il bordo della ragione e superficie, per conquistare la meraviglia di cogliere per un attimo l’olio essenziale di questo magico medium.
Non riesco a capire se David LaChappelle sia un artista che con le sue opere rientri nei miei canoni di piacere estetici; Sicuramente non è e non sarà una dei miei artisti preferiti, ma nemmeno l’ultimo.
Le sue opere sono senza dubbio opere rivoluzionarie, uniche nel suo genere.
Mentre guardavo le sue opere, mi è venuto in mente Gregory Crewdson: per la tecnica sulle luci e i colori studiati nei minimi dettagli. Le foto di Crewdson era delle vere e proprie opere d’arte, tutto era studiato, le due foto erano popolate da attori e aveva una crew di una cinquantina di persone.
Per cui le opere di LaChappelle non saranno nella mia top10 ma sono sicuramente opere geniali e innovative.
Ovviamente avevo già sentito parlare di David LaChapelle, fotografo americano molto acclamato, noto per le sue immagini vibranti e spesso surreali che sfidano le nostre aspettative e percezioni della bellezza e della cultura delle celebrità. Il suo lavoro spesso combina riferimenti alla storia dell’arte, alla cultura pop e alle questioni contemporanee, rendendolo visivamente sorprendente quanto concettualmente ricco.
Negli ultimi anni, LaChapelle ha continuato a produrre lavori provocatori che esplorano temi come l’ambientalismo, la giustizia sociale e la spiritualità. Il suo lavoro è stato esibito e raccolto dai maggiori musei e gallerie di tutto il mondo, consolidando la sua posizione come uno dei fotografi più influenti del nostro tempo.
In generale, il lavoro di David LaChapelle è sia visivamente sorprendente che intellettualmente coinvolgente, offrendo una prospettiva unica sulla cultura e la società contemporanee.
Alcune caratteristiche del suo lavoro che apprezzo, sono ad esempio l’uso di colori vivaci, l’approccio surreale alle immagini e la sua capacità di creare scene iconiche e riconoscibili della cultura popolare contemporanea.
E’ un fotografo molto eclettico e difficile da paragonare ad altri. Tuttavia, se dovessi fare un confronto, un altro fotografo contemporaneo che potrebbe avere qualche elemento in comune con lui è Annie Leibovitz. Come LaChapelle, Leibovitz ha fotografato molte celebrità e le sue immagini spesso trasmettono un messaggio potente. Inoltre, entrambi hanno lavorato come fotografi pubblicitari e hanno contribuito alla definizione dell’estetica visiva della cultura popolare contemporanea. Ciò nonostante, la loro estetica e approccio sono molto differenti ed entrambi hanno creato un’identità unica per il loro lavoro.
David LaChapelle è un fotografo americano di grande successo noto per il suo stile unico e riconoscibile. Le sue immagini spaziano dalla moda ai ritratti di celebrità, fino alla rappresentazione surreale di oggetti comuni. La sua abilità nel creare immagini che catturano l’attenzione dell’osservatore è notevole, e il suo lavoro è molto apprezzato sia dal pubblico che dalla critica.
tonalità forti e contrastanti delle sue immagini, creano un’atmosfera quasi irreale e surreale, che cattura l’attenzione del fruitore e lo induce a riflettere sulla superficialità del mondo moderno e sulla sua effimera bellezza. LaChapelle riesce a creare un universo fotografico unico, in cui la moda e la celebrità si fondono con l’arte e la cultura, dando vita ad immagini forti e provocatorie.
Personalmente, trovo che la capacità di LaChapelle di creare immagini potenti e suggestive sia veramente notevole. Le sue foto riescono a trasmettere un senso di solitudine e di smarrimento, ma allo stesso tempo, ci invitano a riflettere sulle nostre abitudini e sul nostro modo di vivere. La sua passione per l’arte e la cultura si riflette in ogni sua immagine, creando un ponte tra il mondo dell’arte e quello della moda.
Inoltre, apprezzo la sua abilità di creare immagini surreali e al contempo estremamente realistiche, che ci inducono a guardare oltre la superficie delle cose e a cercare la verità che si nasconde dietro di esse. Le sue foto ci spingono a riflettere sui problemi della società moderna, sulla superficialità della cultura consumistica e sull’impatto devastante dell’uomo sulla natura.
In conclusione, penso che LaChapelle sia un artista straordinario, capace di creare immagini che catturano l’immaginazione del fruitore e lo invitano a riflettere sui grandi temi dell’umanità. La sua passione per l’arte e la cultura si manifesta in ogni sua foto, creando un universo fotografico unico e sorprendente.
L’articolo è molto interessante, non bisogna dimenticare che David LaChapelle prima di dedicarsi alle foto artistiche ha anche un background di fotografo di moda ed inoltre spesso si è dedicato alla cinematografia.
Nelle sue foto ha sempre cercato di andare contro tendenza e suscitare sicuramente scalpore, molto apprezzabili le “rivisitazioni religiose” presenti nelle sue fotografie artistiche e le frecciatine ai brand più importanti in quegli anni.
Vorrei citare una sua opera cinematografica, il film documentario “Rize”, che racconta di due diverse culture del ballo “hip-hop” negli Stati Uniti d’America facendone riferimento paragonandole a delle danze rituali africane. I soggetti del documentario mi ricordano molto i soggetti nella sua rivisitazione dell’Ultima Cena, “Jesus is my homeboy”.
LaChapelle, fotografo a dir poco geniale!
Il suo modo di rappresentare le sue fotografie è del tutto unico e interessante.
L’uso dei colori accesi, le atmosfere oniriche, il surreale sono sempre presenti in ogni sua opera.
Io amo il colore, quindi, vedere che nei suoi elaborati sia così tanto presente cattura moltissimo la mia attenzione.
Nelle sue fotografie si nota che c’è una costruzione e un set predefinito, tutto è finzione, gli attori posano in un determinato modo che gli è stato indicato dal fotografo, le luci sono pungenti e le ombre nette, il contrasto è ben evidente.
Dice di essere stato influenzato anche da Salvador Dalì oltre che da altri pittori/fotografi, io infatti questa analogia con il pittore la vedo, l’uso del surreale, dei colori contrastanti e molto luminosi, la luce sempre presente, questa visione un pò pazza e personale del mondo.
Uno dei temi ricorrenti nell’arte di LaChapelle è la critica al sogno americano, fatta con leggerezza e una spiazzante ironia; famoso è lo scatto che ritrae una ragazza di cui si vedono solo le gambe perché è ricoperta da un gigantesco gonfiabile a forma di hamburger.
Il fatto di riuscire a rendere una tematica così seria e importante in chiave ironica, senza però cadere nel ridicolo, per me, lo rende un artista molto valido e interessante!
Negli ultimi anni sta ponendo un attenzione specifica alla tematica ambientale, ponendo l’attenzione su come le costruzioni dell’uomo possano ferire il paesaggio circostante.
Naturalmente essendo un fotografo molto particolare c’è chi lo ama e chi invece lo odia, ha uno stile molto netto e ben caratterizzante, sicuramente non lascia indifferenti.
Il testo ci parla del fotografo David LaChapelle, e della sua contrapposizione con le opere di Michelangelo. In particolare, viene menzionata una sua fotografia chiamata “Deluge” del 2006, ispirata al Diluvio Universale di Michelangelo. Nell’immagine, LaChapelle rappresenta le forze distruttive della natura che minacciano il regno dell’uomo, mentre i sopravvissuti cercano di aggrapparsi a ciò che può mantenerli in vita. Simboli della civiltà consumistica come casinò, catene di caffè e marchi di moda stanno per essere sommersi dalle acque.
Viene detto che LaChapelle nelle sue composizioni vi siano riferimenti a opere neobarocche e eccessivamente cariche, ma con un punto focale classico che si concentra sul pathos del sentimento. Alcune delle altre opere di LaChapelle menzionate nel testo includono la serie “Museum”, “Statue”, “Cathedral” e il ciclo “Awakened”, che invitano alla riflessione sulla spiritualità, la precarietà dell’arte e il tema della rinascita.
In generale, LaChapelle per realizzare le sue opere simispira molto a messe in scena teatrali e cinematografiche, riprese da molteplici punti di vista e un montaggio al computer. Si fa anche un confronto con Michelangelo e il suo lavoro solitario nella Cappella Sistina, evidenziando il notevole sforzo fisico e la maestria richiesta per realizzare tali opere d’arte.
David LaChapelle è stato un fotografo fottutamente geniale, detto proprio a parole povere.
Tra i più contemporanei ho potuto vedere alcuni dei suoi scatti e penso proprio sia uno dei miei preferiti.
Oltre allo stile che hanno le sue foto, caratterizzate da colori accesi e da queste atmosfere molto bizzarre, si può vedere il suo stile assai provocatorio e satirico.
A me fa impazzire il modo in cui lui vuole raccontare questa modernità, facendo anche certe volte lasciare a bocca aperta e inaudito l’osservatore. E’ stato, infatti per questo, bersagliato di svariate critiche e considerato blasfemo per diverse foto, tipo quella dove viene rappresentata o quasi “parodizzata” l’ultima cena.
Uno dei suoi intenti per l’appunto era anche far arrabbiare la gente, facendo anche critica al sogno americano. E’ stato poi regista di vari videoclip di artisti del calibro di Elton John, Avril Lavigne, Britney Spears e molti altri.
Facendo poi delle ricerche, se vogliamo parlare di opere più attuali che riguardano la “nostra generazione”, ho scoperto che LaChapelle è stato l’autore della copertina dell’ultimo album di Travis Scott “Astroworlds”. Quest’ultimo è un’artista americano di musica “trap”, della nuova generazione, e io essendo un suo ascoltatore, anche abbastanza quotidiano, ho voluto riportare ciò.
Nella copertina infatti si può identificare lo stile di LaChapelle. Essa rappresenta un parco divertimenti con l’entrata a forma della testa dell’artista.
David LaChapelle è un fotografo e regista straordinariamente talentuoso scoperto da Andy Wharol, noto per la sua estetica unica e il suo approccio alla fotografia. Le sue immagini sono surreali, iconiche e spesso provocatorie, sfidando i confini della realtà e offrendo uno sguardo sul mondo contemporaneo.
LaChapelle è maestro nell’uso del colore, della composizione e degli elementi visivi per creare immagini straordinarie e di grande impatto emotivo. Il suo lavoro è un mix esplosivo di arte, moda e cultura pop, che affronta temi come la fama, il consumismo, la bellezza e la celebrità con uno sguardo acuto e critico.
Ogni fotografia di LaChapelle racconta una storia complessa, ricca di simbolismo e significato, invitando gli spettatori a riflettere sulla società moderna e sulle sue contraddizioni.
Il suo impatto sulla cultura pop e sull’immaginario collettivo è notevole, e il suo stile unico ha ispirato una generazione di fotografi.
LaChapelle è un innovatore e un narratore visivo straordinario, capace di trasformare il banale in straordinario e di stimolare la nostra immaginazione con le sue opere affascinanti e indimenticabili.
David LaChapelle voleva fare il pittore, ma alla fine optò per il lavoro di fotografo, e nonostante ciò, i suoi lavori sembrano dei film disegnati su quadri, da osservare con la lente d’ingrandimento, perché pieni di dettagli e colori che lo rendono unico, nel suo modo di raccontare le provocazioni. Le sue “pellicole dipinte”, sono un ironico e drammatico specchio della nostra società. David critica la società americana, dalla quale abbiamo preso e ci siamo ispirati, per tante anzi troppe cose, rischiando di dimenticare chi siamo, e da dove veniamo. Questo infelice aspetto, gli permette secondo me di essere capito, anche al di fuori degli Stati Uniti d’America. LaChapelle può piacere come no, però a livello di composizione, penso sia incredibile come dia a volte l’impressione di semplicità, e a volte invece d’improvvisazione, non dando a mio parere apposta, a pieno l’idea dell’immenso lavoro che c’è dietro.