MONDO – Una conversazione con Luca Bracali, grande fotografo, talentuoso regista di documentari, ma soprattutto un autore e artista innamorato delle bellezze del pianeta terra

Oliviero Toscani, prima di lasciarci, sottolineò con parole chiare e distinte la specificità della fotografia rispetto le altre forme di comunicazione visiva scrivendo che era il “silenzio” di una foto a renderla non solo diversa ma superiore ai video, alle immagini televisive e persino al cinema. Credo che Luca Bracali sarebbe d’accordo solo a metà. Va bene il “silenzio” ma un buon testo, una musica efficace, mixati con maestria in un documentario, rendono esponenziale l’ingaggio emotivo delle immagini, generando dal di dentro del fruitore, una partecipazione estetica ed etica veramente vissuta. Forse è per questo che con la maturità artistica, Luca è diventato un talentuoso regista. Eppure, sono le sue fotografie al centro dei suoi progetti, dei suoi reportage che poi diventeranno anche dei docu-film. Credo dipenda dalla sua particolare sensibilità visiva che funziona come la messa in regola del perfetto punto di vista (relativamente alle fonti luminose, all’intrico di un paesaggio wild, alla fisionomica di un volto, di un corpo, animale o essere umano, per lui non fa differenza). In un mondo segnato da imperfezioni Bracali è alla costante ricerca della foto perfetta. È un uomo intelligente e quindi sa benissimo che la perfezione è una nostra idea che eccede la realtà delle cose. Tuttavia ne ha fatto la bussola inconscia che provvede di una direzione la sua ricerca. Credo che dipenda dal fatto che per lui fotografare è un atto d’amore e non solo un esercizio di tecnica o una professione. Perché ho maturato nei suoi confronti questi pensieri? Rispondo alla domanda raccontandovi una storia. Anni or sono andammo insieme alle Isole Vergini Americane. Io ero stato invitato come direttore di una lussuosa rivista che magnificava luoghi turistici; lui perché era semplicemente Luca Bracali, fotografo che stava scalando le classifiche della notorietà. Un giorno, su sua esplicita richiesta, i nostri accompagnatori ci fecero accedere alla parte dell’isola di S.John proibita ai turisti per preservarne l’integrità. Conoscevo il suo interesse per gli animali in libertà ma non riuscivo a farmi un’idea di quale mostriciattolo volesse fotografare, forse qualche topastro gigante…Cos’altro poteva essere evoluto su quell’isola? Pensai. E invece si trattava di tartarughe speciali che vivevano e si riproducevano tra i fondali del mare in prossimità della spiaggia. Lo vidi dunque indossare l’attrezzatura, assicurarsi della presa della macchina fotografica, inquietante per dimensioni, per poi immergersi e scomparire nell’acqua. Dopo una ventina di minuti riemerse e senza prestare attenzione ad altro, lo vidi cominciare a guardare il risultato delle riprese. Mi avvicinai e gli chiesi: come è andata? Mare magnifico, tantissime tartarughe…dai, fai un’immersione anche tu! rispose. Non ci penso neanche – dissi – nuotare con bestie di 150 kg vicine, provviste di un becco che assomiglia a un piccone non fa parte dei miei programmi. Ma non mi ascoltava più e dopo qualche minuto tornò ad immergersi. E poi ancora una volta e un’altra ancora. Allora mi allontanai verso l’interno per andare a cercare i resti di una piantagione olandese del ‘600, distrutta da una rivolta degli schiavi. Rimasi a fantasticare su ciò che era rimasto per alcune ore…gli olandesi portavano schiavi dall’Africa per coltivare i terreni delle isole caraibiche che avevano conquistato ed erano famosi per la loro crudeltà. La ribellione a tanta brutalità mi appariva quasi scontata. Ma doveva essersi risolta in un traumatico massacro. Questo mi suggerivano quelle rovine e il fatto che gli olandesi abbandonarono le piantagioni di S.John, trasferendole nella vicina isola di S.Thomas. Nel frattempo il sole era quasi perpendicolare al mio sofferente capoccione…Cazzo! pensai, sono rimasto troppo…mi staranno aspettando da un po’. E feci una corsa per tornare in spiaggia giusto in tempo per vedere Luca ancora una volta immergersi con una intensità sconcertante. Ma quante volte é andato giù, chiesi alla nostra paziente accompagnatrice; ho perso il conto, mi rispose rassegnata. Passavano le ore e il su e giù continuava. A un certo punto sovrastato dal caldo mi sdraiai sotto un albero e mi appisolai. Mi svegliò Luca con un tenero calcetto nel culo…Forza alzati, è arrivata la barca che ci riporta a S. Croix, disse con il volto sorridente. Era quasi il tramonto, l’accompagnatrice era distrutta e io volevo solo aria condizionata, un letto, qualcosa di molto freddo da bere, lui invece appariva come un flaneur di ritorno da una interessante passeggiata…per un attimo l’ho odiato. Dopo aver cenato gli chiesi di farmi vedere le immagini. Erano incredibili, immersione dopo immersione era riuscito a farsi accettare dalla comunità di tartarughe e le aveva ripetutamente fotografate senza che esse tradissero il minimo disagio. Quella notte riflettendo sugli esiti di quell’esperienza cominciai a comprendere cosa rende un fotografo naturalista un grande interprete della sua professione: coraggio, spirito di sacrificio e volontà di perfezione.

Forse queste qualità o virtù non sono sufficienti per ottenere una foto perfetta. Allenamento, tecnica, conoscenza del mezzo, cultura visiva sono certo fondamentali. Ma senza le prime, pensai tra me e me prima di dormire, un reportage non avrebbe potuto avere l’aura di autenticità che a mio avviso rappresenta il dono più grande che un reporter può offrire ai fruitori della sua testimonianza.

Ho voluto raccontarvi questa storia perché conosco Luca e vi dico che non è uomo da autoincensarsi. Le sue foto sono quasi sempre gravide di una bellezza tale da renderle leggere, facili da incorporare in una emozione; ma non ci dicono nulla dei sacrifici necessari per ottenerle. La foto di reportage naturalistico in ambienti selvaggi è un’avventura dello sguardo sorretta da una passione cioè da un patire del corpo del fotografo quasi sempre rimossa dalle analisi critiche, fatalmente catalizzate dalla forma e dal contenuto delle immagini. Spero veramente che in certi passaggi della conversazione che state per leggere, seppur di traverso e con parole incerte, la facciano emergere.

Ci conosciamo da tanto tempo ma non ho mai avuto l’impertinenza di chiederti se ti ricordi la prima foto che hai scattato con una certa consapevolezza…

Sì, è una domanda un po’ strana. Però posso dirti che la ricordo benissimo. Avevo sei anni e chiesi a mio zio, appassionato amatore che possedeva 3 fotocamere, se potevo scattargli una foto. Lui mi rispose divertito di no, perché a suo avviso non potevo sapere come fare per evitare di farla sfuocata. Io puntai i piedi e insistetti avendola vinta. Però aveva ragione, l’immagine venne un po’ mossa; ma fu la mia prima foto intenzionale e posso dirti che a distanza di anni, dopo averla ritrovata, la custodisco ancora oggi come qualcosa di prezioso. Per me è un ricordo meraviglioso forse perché prefigura ciò che sono diventato…

Vuoi dire che ora la osservi come un segno del tuo destino? Ma non era sfuocata?

Sì certo. Ma avevo sei anni. Non credo ci siano tanti fotografi in circolazione che possano ancorare le origini del loro mestiere a quell’età. Per me quella foto leggermente sfuocata è una reliquia e al tempo stesso una premonizione. In realtà, i primi rudimenti di pratica fotografica li ho appresi grazie al prof. Cornelio Bisello, mio maestro di vita e tuttologo con 12 lauree, che mi regalò una fotocamera di ottima qualità e soprattutto mi iniziò ai segreti della camera oscura. Così feci i miei primi paesaggi, ritratti e still-life, imparando progressivamente a padroneggiare l’intero processo dell’atto fotografico, dalla concezione al momento dello scatto fino all’esperienza magica in cui dalle emulsioni chimiche emerge la particolare realtà narrata da una immagine.

E aldilà della camera oscura, secondo la tua opinione cosa hai imparato in questa specie di apprendistato che hai descritto?

Ho imparato che scattare foto non ti fa essere un fotografo. L’atto fotografico è un processo che comincia nella mente e poi raggiunge la sua calibratura attraverso la regolazione del corpo del fotografo…Non solo dell’occhio, ma il respiro i gesti i movimenti che modulano il punto di vista in funzione della luce…

Fammi capire bene…Per te “essere un fotografo” è in realtà un “processo”. In altre parole l’identità non ha a che fare con ciò che i filosofi chiamano “essenze”, ma è presa in un costante divenire. In altre parole tra Parmenide ed Eraclito scegli il secondo…

In un certo senso, con ogni fotografia metti in gioco te stesso; ogni reportage ti cambia e questo significa aprirsi al mondo e vivere nel tempo, il tuo tempo e quello delle cose e persone che ti circondano; anche se poi fai di tutto per interromperne il flusso per trasformarlo in una immagine che a questo punto è sia fuori che dentro al tempo. Sì, credo che sentirsi un soggetto in processo aiuti a sintonizzarsi con la realtà…

Se ben ricordo, sei diventato un fotografo professionale molto giovane…

La mia prima foto professionale l’ho scattata nell’85 e fu presentata da una rivista provinciale, Cronosport. Poi ho pubblicato su un magazine regionale e infine approdai a Rombo, una rivista distribuita a livello nazionale. Insomma, ero riuscito a farmi una reputazione nel mondo dei motori e delle competizioni di quel settore compresa la Formula 1. All’inizio non ero retribuito, ma volevo a tutti i costi fare della fotografia un lavoro e devo dire di esserci riuscito senza troppi sacrifici. A quel tempo, ma forse ancora oggi, in molti pensavano che le foto sportive di moto e auto fossero tutto sommato scontate se si utilizzava la macchina fotografica giusta. Non è così e pur ammettendo l’importanza della tecnologia, cogliere prospettiva e momento richiede abilità e maestria.

Hai ragione, scattare foto di qualità nel contesto motoristico e sportivo richiede un elevato controllo del mezzo fotografico e con la situazione del momento, una maestria che non andrebbe banalizzata…Tra l’altro, mi permetto di aggiungere che fu proprio un fotoreporter sportivo, Martin Munkacsi, negli anni trenta del ‘900 a rivoluzionare la foto di moda, contribuendo a creare un nuovo paradigma della bellezza fotografica…

Sì è vero, il mondo dei motori mi ha addestrato a diventare una cosa sola con la macchina fotografica e ad accelerare l’interazione tra mente e atto fotografico. Quella fase della mia vita di fotografo è stata un’esperienza importante. Poi, oltre alle manifestazioni sportive, ho cominciato a viaggiare con auto da incapsulare in contesti scenografici d’eccezione che avevo il privilegio di scegliere e questo ha fatto maturare dentro di me la passione che ho sempre avuto per i luoghi naturali animati da una bellezza rara…

Mi stai dicendo che la foto promozionale dell’auto contestualizzata ti ha portato a scoprire l’importanza per la tua sensibilità dell’ambiente naturale e del viaggio?

Più o meno è andata così. Viaggiare, scoprire la bellezza della natura è diventata prima una passione e poi quasi una missione, soprattutto a partire dal momento in cui ho capito che stavamo perdendo questa bellezza. Spesso non riuscivo a coprire le spese dei reportage e ho dovuto chiedere aiuto ai miei genitori. Ma mi sentivo e volevo essere un fotografo professionale e ho tenuto duro. Quando ho cominciato a pubblicare i miei libri e sono iniziate le mie collaborazioni con la televisione tutto è cambiato e finalmente ho raggiunto quella sicurezza economica che ti fa capire quanto essere fotografo possa divenire qualcosa di diverso da una mera professione…

Vuoi dire che a un certo punto hai deciso che il denaro era condizione necessaria ma non sufficiente per ciò che ti sentivi di essere?

Proprio così. La mia professione è costosa e sono indispensabili sponsor e commissioni serie. Un reportage in qualunque paese del mondo richiede organizzazione e un calcolo preciso dei costi e dei rischi. Ma io a un certo punto, mi sono sentito un autore e questa è una dimensione che va aldilà di qualsiasi retribuzione. Prima ho citato il prof. Bisello che mi ha aiutato moltissimo dai 15 ai 18 anni. Posso aggiungere che dopo ho frequentato un corso con il fotografo Franco Villani che indubbiamente mi fu molto utile per scattare foto nelle competizioni motoristiche. Ma con il senno di poi riconosco che la mia vera ispirazione l’ho sempre maturata a partire dal confronto con l’arte. Io credo che dentro di me ci fosse certo il desiderio di essere un fotografo bravo a soddisfare i clienti, ma anche qualcosa di più profondo, di più ineffabile e nascosto…Non trovo una parola migliore di “autore” per definire non una ambizione ma un modo di essere fotografo divenuto per me dominante…

Cosa intendi quando parli di arte?

Ti faccio un esempio. Quando ho cominciato seriamente a fare ritratti riflettendo sugli esiti del mio lavoro ho scoperto che avevo modulato luci e colori ispirandomi a Van Eyck, pittore fiammingo del ‘3/400 grande esperto dell’effetto luce, e di certo non era un caso dal momento che si trattava di uno dei miei artisti preferiti. In altre mie immagini risultava evidente il debito con il Caravaggio, altro pittore che con tagli di luce mai visti prima, ha rinnovato la scena artistica del suo tempo, Potrei continuare a lungo con le influenze artistiche riscontrabili nelle mie foto. Ma credo sia più importante dire qualcosa sulla visione olistica implicita in questi continui “prestiti” che posso sintetizzare con queste parole: l’arte, la grande arte voglio dire, mi ha insegnato a vedere meglio il mondo nel quale mi immergo per estrarne dei momenti che per me sono delle epifanie dello sguardo. Non basta guardare e poi scattare. Se vuoi essere un autore devi imparare a vedere…

Il grande Ernst Gombrich sosteneva che le informazioni trasmesse dai nostri occhi al cervello sono così varie e molteplici che ne rimarremmo immediatamente sommersi se dovessimo prestare attenzione a tutti i messaggi che ci provengono dall’esterno. Da ciò discende che la nostra percezione deve sempre essere selettiva. Imparare a vedere significa dunque affinare i modi di selezionare l’eterogeneità dei percetti e tu hai appena detto che è stato l’occhio degli artisti citati ad averti aiutato ad osservare il mondo dal punto di vista autoriale…Sei d’accordo?

Sì lo sono, perché credo che esistano le scoperte visive e che non tutti vedano le stesse cose. L’occhio dell’artista come quello del fotografo non nascono per caso. Richiedono un lungo allenamento. Un autore deve acquisire sensibilità visiva per l’infinità varietà delle manifestazioni luminose causate dalla luce naturale o artificiale. Per quanto mi riguarda, riconosco che i miei interessi per i grandi pittori mi hanno aiutato a trovare la mia luce, i miei colori e contrasti…Ma oltre ai pittori, nel corso del tempo sono rimasto colpito e ho studiato le opere di grandi fotografi, per esempio, Salgado, per me il numero 1 al mondo senza discussioni; e poi Steve McCurry, amato e criticato, ma per quanto mi riguarda sicuramente un maestro e fonte di ispirazione nei ritratti. Per esempio, nel mio libro sulla Birmania la foto in copertina l’ho scattata con ben chiara nella mente quella che vidi in una della innumerevoli mostre dedicate a questo grande fotografo…

Le prime tue foto che ho apprezzato sono quelle che hai pubblicato nel tuo libro “Sos pianeta terra”. Una narrazione per immagini impressionante sia per la bellezza degli scatti e sia per il messaggio trasmesso. Un modo di presentare le criticità ecologiche che ho vissuto come qualcosa di nuovo…

Beh! Non mi piace nascondermi e anche se rischio di apparire presuntuoso, sostengo di essere stato uno dei primi fotografi al mondo ad interessarmi con coerenza e dedizione continua alla “sostenibilità”. Perché ho dedicato gran parte delle mie energie e risorse a un soggetto che vent’anni fa non era certo popolare come oggi? Semplicemente perché sono animato da un amore sfegatato per il pianeta nel quale viviamo. Non riuscivo a capire la mancanza di rispetto dei più per l’ambiente. Ero incredulo per i continui oltraggi con i quali ci relazioniamo all’unico mondo nel quale possiamo vivere. A voler essere precisi ho sviluppato la mia coscienza Green nel 2004 quando mi recai in Antartide per capire cosa fosse il buco dell’ ozono scoperto nel 1985 da Joe Farman, Brian Gardiner e Jon Shanklin, scienziati del British Antartic Survey operativi presso la Halley Research Station costruita sulla remota piattaforma di ghiaccio Bruno in Antartide per l’appunto. Successivamente nel 2006 mi sono recato nell’Artico per la prima volta, prendendone contatto e da lì nacque il mio amore per questa regione così sensibile ai cambiamenti climatici. Nel 2008 ho progettato Artic Sun on My Path, ispirato dal titolo di un libro del mitico esploratore norvegese Knut Knutsen, che consisteva nella traversata fra Canada e Alaska per documentare la migrazione degli orsi polari, l’aurora boreale, la vita degli Inuit e soprattutto per testimoniare i danni del Warm warming. Nel 2009 ho raggiunto il Polo Nord sugli sci, ebbene durante tutti questi viaggi ho intervistato e fotografato coraggiosi scienziati di tutto il mondo che stanno dedicando la loro vita per conoscere le criticità causate dall’homo economicus al pianeta, con la speranza che il linguaggio fotografico facesse diventare tra la gente più reali i messaggi che grazie alle loro ricerche a mio avviso rappresentano la verità sul rapporto uomo-ambiente. Sono fiero di aver dedicato molti libri al Pianeta Terra, 5 cartacei e uno digitale. Rispetto alla grandiosità del problema sono una piccola cosa, me ne rendo conto. Ma ho riscontrato tra le persone che vedevano le mie foto eco in mostre e libri, una partecipazione a volte calorosa, quasi sempre reverente, che mi fa sperare che non tutto è perduto. Insomma, ho cercato di dare il mio contributo per focalizzare tra la gente la più grande tragedia del nostro tempo che reputo essere il riscaldamento globale, mettendo a frutto il rapporto diretto con la natura offertomi dalla fotografia che senza esagerare posso definire entrambi come i miei due amori incondizionati. In realtà una immagine spiega ben poco della problematica complessa che chiamiamo sostenibilità. Però si rivela un mezzo molto efficace per focalizzare l’attenzione e dare consistenza alla sensibilità della gente. Il messaggio delle mie immagini può essere compreso da tutti e nessuna persona di buon senso può dirsi veramente indifferente a ciò che ho documentato. Ti faccio solo un esempio. Nel 2017 mi fu offerta la possibilità di allestire nell’edificio del Parlamento Europeo a Bruxelles, una mostra di ventisette mie foto a tema ecologico, probabilmente l’evento più importante che ha avuto come protagoniste le mie immagini. Feci anche una conferenza sulla sostenibilità vista da un fotoreporter. Rimasi stupito dalla grande attenzione che mi fu riservata da una moltitudine di parlamentari e funzionari. Sembrava quasi che conoscessero dal di dentro il problema solo grazie alle immagini. Forse esagero ma credo veramente che attraverso certe immagini si possano accendere emozioni fondamentali per dare consistenza a programmi etici.

Vuoi forse dire che il potere della fotografia per come è fatta la nostra mente, è di sentire una situazione, un fatto veramente  reale solo dopo averle viste in una foto? 

Per molte persone è senz’altro così! Emotivamente prendono contatto con la realtà dopo averla vista in una foto o in un video. Ecco perché ho capito subito la responsabilità che noi fotografi abbiamo per rendere consapevoli le persone sugli effetti del cambiamento climatico. Se non si attiva la sensibilità vincono l’indifferenza, gli interessi personali, le cattive abitudini. E le buone immagini sono la chiave più potente che conosco per aprire la porta stretta della sensibilità della gente.

Non tutte le immagini hanno questo potere suppongo. Dalle tue scelte intuisco che sono utili soprattutto quelle che etichettiamo facendo riferimento al genere reportage. Quando hai cominciato a privilegiarle?

In effetti ho fatto del genere reportage naturalista lo scopo della mia vita come fotografo. Per quanto mi riguarda divido questa tipologia di foto in tre sottogeneri ovvero i paesaggi, animali in libertà, e ritratti di soggetti umani….Ma non persone a caso…Io adoro soprattutto riprendere i rappresentanti delle ultime etnie della terra, popolazioni che hanno una storia da raccontare e tra un po’ non lo potranno più fare, perché saranno estinti. Mi vengono in mente, tra i miei reportage umanistici più importanti le cui foto furono pubblicate anche da National Geographic, gli Uomini Renna che vivono in Mongolia, ai confini con la Siberia: ne sono rimasti poco più di 200 e hanno una storia meravigliosa. Ho vissuto con loro in un piccolo villaggio e ho potuto ascoltarli, osservarli e ovviamente fotografarli e intervistarli senza essere vissuto come un estraneo. Gli Uomini Renna vivono in simbiosi con il gregge che seguono spostandosi da un territorio all’altro. Tutta la loro vita simbolica ruota intorno alle leggende nate dal rapporto di stretta contiguità uomo-animale. Ricordo che dopo pochi mesi dalla pubblicazione del mio reportage su National Geographic anche il grande Steve McCurry andò a fotografarli nello stesso villaggio. Lui però ci arrivò in elicottero mentre io feci 9 ore su un fuoristrada e altre 4.5 ore a cavallo. Sempre in Mongolia mi piace ricordare anche i Cacciatori con le aquile, un popolo fiero e bellicoso, erede delle tribù di Gengis Khan che ancora oggi cacciano usando aquile come strumento per catturare la selvaggina…Sottraggono dai nidi gli aquilotti di pochi giorni mentre mamma aquila è a cercare cibo, li addestrano ad accoppare le prede e dopo 9 anni, a metà della loro vita, li rimettono in libertà affinché possano riprodursi senza interferenze umane. Altre etnie che mi hanno affascinato sono quelle della Valle dell’Omo in Etiopia come i Surma, gli Hamer, i Benna i Karo e i Mursi che in origine derivano dai Masai in Kenya. Per noi occidentali sono bizzarri per via dei loro piatti labiali, inseriti dopo essersi tolti i denti anteriori. Anche gli Hamer hanno usi e tradizioni per noi strane: frustano le donne però prima di farlo devono sposarle dando alle loro famiglie 38 vacche e un Kalashnikov. Per continuare questa lista posso aggiungere che ho documentato le donne Himba e Herrero in Namibia; in Birmania invece ho fotografato le donne Kayan o giraffa, chiamate così per tutti quei monili che si mettono al collo per allungarlo, invece nella regione M’rauku mi hanno commosso le donne Chin che per non essere violentate da principi e signorotti locali si facevano escoriare la faccia, oltraggiando la propria bellezza e passando intere giornate in preda a dolorosissime febbri, riuscendo a mangiare solo attraverso cannucce. Con questi tatuaggi diventavano brutte ma salvavano la propria integrità. Sono fiero anche del reportage fatto in Vietnam, paese nel quale si trovano ben 56 gruppi etnici, dal momento che sono riuscito a fotografare gran parte di essi. Ma forse lo scatto che oggi ricordo con più soddisfazione è quello che ho fatto nel 2001 all’ultimo cannibale vivente nell’isola di Papua Nuova Guinea; qualche anno dopo, nel 2017, fotografai l’ultimo cannibale vivente in Irian Jaya o West Papua. Il primo servizio fu pubblicato da l’Espresso, gli ultimi scatti del 2017 furono pubblicati come veri e propri scoop da National Geographic…

Come ci sei riuscito, non avevi paura! Mi riferisco ai cannibali ovviamente…

Durante il reportage in West Papua mi raccontarono di questo cannibale ancora in vita che viveva isolato nella foresta. Pare che fosse tra quelli più efferati. Tra me e me pensavo fosse una leggenda per turisti. Tuttavia presi una guida e, senza contarci troppo, lo andai cercare. Dopo svariate ore di ricerca all’improvviso il mio accompagnatore sì fermo ed entrò in una baracca in mezzo alla foresta ai margini di un villaggio. Dopo essere entrato lui per primo ci fece cenno di seguirlo ed in un attimo mi comparve di fronte  l’uomo con lo sguardo più feroce che io abbia mai incontrato. Probabilmente fu lui a trovarci e ad essere il più incuriosito. Infatti, pur scrutandoci con sguardo attento non sembrava a disagio e dopo qualche convenevole cominciò a raccontarmi la sua incredibile storia, di come uccidesse i suoi nemici per poi mangiarli con gusto, ritenendo che la loro carne fosse simile come gusto a quella del maiale… Nonostante la situazione ed il personaggio che avevo davanti ammetto di essermi sentito proprio a mio agio e piuttosto sereno, tuttavia cercai di scattare immagini che potessero raccontare una storia. Visti gli esiti credo di esserci riuscito. Comunque in generale mi sento di poter dire che chi pratica reportage deve imparare a convivere con paure e timori. La natura vera, wild, selvaggia non fa sconti a nessuno. Se vuoi documentare forme e modi di vita lontani dalle tue abitudini devi imparare a diventare empatico, umile e per certi versi invisibile…

Hai detto che nei tuoi reportage trovano sempre posto gli animali…Immagino anche i più pericolosi. Penso che sia un lavoro fotografico del tutto particolare rispetto agli altri sottogeneri della foto naturalista o umanistica che prima hai ricordato…

Sì, durante i miei viaggi ho fotografato animali di tutte le latitudini, dall’artico all’Antartide, dalla giungla alla savana, dai monti alle steppe. La differenza che passa tra fotografare un paesaggio e lo scatto a un animale in assoluta libertà è veramente molto grande. Il paesaggio non scappa, quando lo scopri non si nasconde, ti meraviglia, ti lascia senza fiato ma non ti attacca, ti concede il tempo di riflettere, scegliere con cura il punto di vista. Con la giusta pazienza puoi riuscire a sintonizzare ciò che senti nel cuore con la bellezza davanti ai tuoi occhi. Niente di tutto questo quando incontri animali nel loro ambiente naturale. Gli animali sono imprevedibili, incorruttibili, non è che puoi dargli un dolcetto e farli sorridere. Devi appostarti, nasconderti, attendere ore e ore se vuoi una foto autentica e di qualità. Posso farti due esempi. Il primo lo definirei la foto in assoluto più difficile: in Artide aspettai quasi 6 ore che due cuccioli di orso polare si svegliassero, per riprenderli, usciti dalla tana, mentre giocherellavano con mamma orsa. Tutto questo a una temperatura di 54 gradi sotto zero. Un’altra storia bellissima l’ho vissuta nella savana quando mi sono imbattuto in mamma ghepardo con i suoi 6 cuccioli di due mesi. La mia bravissima guida mi disse che si trattava di un evento straordinario perché è difficilissimo incontrare tanti piccoli ghepardi dal momento che gran parte di loro vengono sbranati quasi subito dalle iene. Per una settimana li ho seguiti dalle 6,30 del mattino alle 18 della sera, per ore immobile in condizioni climatiche estreme per il caldo e l’umidità. Fu un reportage difficilissimo e memorabile, premiato dalla pubblicazione su National Geographic…

A un certo punto della tua carriera hai cominciato a fondere le tue competenze fotografiche con la produzione di documentari per la televisione. Da quel che ho visto le tue riprese video sono incredibilmente belle. Sembra proprio che questa svolta sia avvenuta nel segno della continuità di stile. Poi parlarcene? 

Sono diventato un regista nel 2011 quando Rai 1 mi chiamò per configurare brevi servizi per un programma che si chiamava Easy Rider. Poi sono emigrato su Rai 2 e ho lavorato per TG 2 Storie, per il quale raccontavo semplicemente i miei viaggi del periodo. Infine sono approdato su Rai 3 per collaborare con il programma Kilimangiaro producendo veri e propri documentari televisivi. 

Durante questa transizione ho trovato di grande aiuto tutto ciò che avevo appreso in decenni di dedizione al linguaggio fotografico. Un bravo fotografo può diventare un ottimo videomaker, viceversa chi parte realizzando video senza competenze fotografiche gli mancherà sempre qualcosa. L’occhio fotografico è fondamentale per un regista di ogni genere di documentari. Insomma, la fotografia mi ha aiutato tantissimo. I miei primi servizi video furono visti da importanti autori e tutti mi dissero che il mio occhio fotografico era un valore aggiunto di grande impatto. Ma tuttavia devo aggiungere che questi due linguaggi, foto e video, pur essendo, secondo determinati rispetti, simili, dal punto di vista operativo sono totalmente differenti. Con la fotografia è il carpe diem che fa la differenza, cioè devi fermare il momento in cui senti/vedi qualcosa che ti punge perché ci annusi una possibile storia. Il video invece è tutto una storia che in modo continuo si distende lungo lo sviluppo di un racconto che realizzi utilizzando un apparato strumentale più complesso: telecamere tradizionali, Action cam per le riprese più dinamiche, i droni…Per non parlare dell’importanza di un testo a supporto delle immagini e del ruolo fondamentale della musica. C’è chi dice, esagerando un po’, che in un docufilm l’impatto della musica vale il 50% della sua efficacia. Piuttosto io penso che sia il montaggio la chiave di volta per trasformare il mix di immagini, contenuti narrativi, musica di un video in qualcosa di veramente potente, capace di trascinare lo spettatore dentro la storia. Il lavoro che sta dietro a un documentario fatto secondo i miei standard è molto più composito e complicato rispetto a quello che metto in pratica nei miei reportage…

…Talmente complicato che oggi si immagina che gli algoritmi generativi dell’intelligenza artificiale possano arrivare in tempi brevi a svolgere questo lavoro meglio degli esseri umani. Come già succede con le immagini fotografiche, del resto…Cosa ne pensi? Sei preoccupato degli esiti di questa rivoluzione in atto? 

L’intelligenza artificiale sta avendo una crescita iperbolica. Come posso negarlo? Per quanto mi riguarda la vidi partire alla grande qualche anno fa quando vidi premiata ad un importante concorso fotografico una immagine che si scoprì poi fosse realizzata con algoritmi intelligenti. Rimasi colpito dal fatto che in giuria nessuno si accorse che quella foto era totalmente fake. In quel preciso momento pensai che sarebbe presto venuto il giorno in cui l’intelligenza artificiale ci avrebbe sovrastato creando immagini talmente false da risultare più vere del vero, generando in tutti noi una situazione di completo imbarazzo nel giudizio su di esse. Per la fotografia come sinora l’abbiamo conosciuta avrà dunque un impatto totalmente negativo. Penso ad esempio al dilagare dei selfie: apparentemente un modo simpatico per l’aggregazione dei giovani ma il loro dilagare sui social impoverisce la fotografia intesa come ricerca dell’immagine qualitativa, esemplare, significativa. Ricordo che due eroi culturali del calibro di Ferdinando Scianna e il citato Sebastiao Salgado, una decina di anni fa, osservando l’accelerazione del digitale e i comportamenti indotti, già dichiaravano che la fotografia era morta. Avevano ragione, il digitale ci ha riempiti di immagini fatte senza alcun sforzo, erodendo la valenza del secolare canone qualitativo e artistico costruito da generazioni di grandi fotografi. La mercificazione delle immagini è divenuta devastante e apparentemente inarrestabile. Cosa sopravviverà del linguaggio fotografico del passato? Io credo che sia la foto d’autore l’ultima linea di resistenza dell’intelligenza umana agli attacchi degli algoritmi generativi supportati dal sonnambulismo degli internauti divenuti marionette nelle mani di pochi arcimiliardari. 

A proposito di foto d’autore, tu hai pubblicato una ventina di libri e le tue immagini si sono viste in un numero impressionante di mostre. Immagino che entrambe siano state esperienze importanti per scoprire dimensioni di te stesso che forse all’inizio della carriera ti erano sconosciute…d’altronde in un mondo nel quale sono le immagini a certificare la realtà percepita, chi più di un autore supportato da libri e mostre può ambire a catturare l’interesse della gente? 

Indubbiamente ogni libro e ogni mostra che faccio rappresentano ulteriori gradini della mia avventurosa esperienza come autore. E malgrado le considerazioni sul digitale sviluppate nella risposta alla precedente domanda, dobbiamo prendere atto che il linguaggio della fotografia continua ad essere amato da tutti. Insomma, continua ad esserci un grande interesse in tutto il mondo sviluppato riguardo a contenuti veicolati attraverso immagini. Autori come il citato Steve McCurry stanno facendo mostre ovunque. Devo dire che anch’io a volte faccio fatica a stare al passo con le richieste di mostre o inviti ad eventi che mi riguardano. Ma ciò che trovo strabiliante è la partecipazione e la prolificazione di concorsi fotografici di ogni genere. C’è ne sono ovunque nel mondo con un livello adesione altissimo. Sono stato per anni nella giuria di uno dei più importanti contest fotografici al mondo, il SIPA o Siena Awards, concorso dedicato alla fotografia di ogni genere e l’ho visto in pochissimo tempo trasformarsi in un evento mondiale con migliaia e migliaia di immagini provenienti da Paesi di tutti i continenti. Mi ha colpito il fatto che in molte di esse la fantasia sovrastava nettamente la realtà. La mia sensazione è che con un digitale sempre più aggressivo “essere creativi” sia divenuto più importante di “essere autori”. Questi eccessi manipolativi accentuati dal digitale fanno evaporare il problema del bilanciamento tra impulso creativo e un’autorialità eticamente rispettosa del reale, che ha rappresentato la conquista più importante dei fotografi della mia generazione. Quindi da un lato il potere evocativo della fotografia sembra ben saldo dal momento che con gli smartphone attuali tutti si sentono in grado di fare foto sempre più perfette. Ma dall’altro lato vediamo un reale fatto a pezzi dall’ansia di essere creativi e dalle foto fake ottenute con gli algoritmi intelligenti. 

Mi hai sempre detto che una fotografia (o un docu-film) comincia molto prima del clic o del ciak. Ne abbiamo parlato troppo velocemente all’inizio della nostra conversazione. Puoi aggiungere qualche parola?

Ti confermo che è proprio così: una fotografia comincia prima del clic perché se vuoi la qualità, la veridicità, una buona storia non puoi affidarti al caso, allo scatto rubato, alla fortuna, Può capitare di cogliere il momento decisivo senza nessuna preparazione o sforzo, ma credo che sia più che altro un mito. Per me il grande fotografo ha già tutto nella testa prima di scattare. Non dico che ne abbia sempre piena consapevolezza. Con l’esperienza e la pratica le fasi del processo che implicano l’interazione tra la mente e l’atto di scattare possono benissimo funzionare al di sotto della coscienza, per cui visto dal di fuori, il fotografo sembra agire con leggerezza come ispirato da qualcosa che vede solo lui. In realtà per arrivare a questa leggerezza occorre tanto lavoro, migliaia e migliaia di scatti su quali riflettere. Questo ragionamento vale sia per il linguaggio fotografico e sia per i documentari. I miei reportage e i miei video presuppongono sempre studi preliminari a volte impegnativi come la fase della loro realizzazione. Naturalmente nel bel mezzo di un reportage o durante la regia di un documentario si incontrano problemi imprevedibili che ti obbligano a prendere decisioni poco ponderate. Eppure sono convinto che anche quando sono costretto ad improvvisare, il modo in cui velocemente resetto le cognizioni di partenza risolvendo un problema, dipendono da intuizioni che non galleggiano nel vuoto, bensì si appoggiano ad un training maturato in ore e ore di pratica. L’episodio si può improvvisare a patto che la storia tu l’abbia già scritta nella testa. Se sono impegnato in un reportage naturalistico so che devo esplorare il territorio alla ricerca di luoghi conformi al progetto, devo studiarne la luce, i momenti nei quali li sento carichi di energia, di bellezza. Se sono alla ricerca di foto umanistiche o ritratti, devo conoscere la popolazione in oggetto, osservare le fisionomiche tipiche di un popolo, entrarci in contatto conoscendone riti, modi di essere … Uno scatto veritiero capace di evocare la sua specifica storia non lo si improvvisa. Ecco perché la foto riuscita, efficace, bella implica sempre una pratica autoriale e i veri fotografi per me sono degli artisti.

Molto suggestivo quello che dici. E lo considero importante per chi ama veramente raccontare ciò che ci circonda con una foto o un video. Quali sono i tuoi prossimi obiettivi? Quali nuovi viaggi stati studiando? Quali libri?

Una volta pensavo che raggiunti i sessant’anni tutte le mie passioni si sarebbero progressivamente spente. Ora che ci sono arrivato ho scoperto che non è così. Sento piuttosto come tutto sia in evoluzione. Sta per uscire il mio ventunesimo libro che verrà presentato il 20 di novembre ma al tempo stesso ho già il ventiduesimo nella mia testa. Non voglio rivelare l’argomento per il piacere di sorprendere chi mi segue. Posso solo anticipare che sarà edito dal prestigioso Istituto Militare di Firenze col quale ho in passato già pubblicato “Terra. Una fragile bellezza”. Mi é stata richiesta una mostra che racconti in qualche decina di immagini le bellezze del mondo, ovviamente sempre dal mio punto di vista naturalistico e antropologico. Di sicuro continuerò a proporre reportage e documentari dei paesi che andrò a visitare. Sono già stato in 160 nazioni e non ho nessuna intenzione di fermarmi. Ci tengo a sottolineare che in molti viaggi porto con me persone aggregate alla mia scuola di fotografia. Come ho già detto lo studium o il pensare alla foto che vuoi scattare è importantissimo così come lo è capire che ci sono dimensioni della fotografia o del realizzare un video che si imparano veramente solo facendole. Quest’anno siamo già stati in numerosi paesi. Ad ottobre andremo in Algeria per fotografare un grande deserto nei pressi di Djanet. Infine a Novembre, come oramai faccio da tanti anni, andrò in Canada a fotografare oltre alle aurore boreali meteo permettendo, gli orsi polari, animali pericolosi per l’uomo che ho già ripreso in innumerevoli reportage, ma che non mi stanco di osservare, studiare e ovviamente fotografare. È la specie che con il riscaldamento climatico rischia di più. Da qualche anno li vedo soffrire, sempre più vicini agli insediamenti umani alla ricerca di cibo tanto che i ranger, quando si avvicinano troppo al villaggio di Churchill, li narcotizzano e li mettono in galera per un mese in segno di punizione. Sono animali bellissimi e nel loro ambiente dominano tutte le altre forme di vita. Se con i miei scatti riuscirò ad attirare l’attenzione del pubblico sulla necessità di preservare il loro ecosistema, allora tutte le ore passate sotto zero in prossimità delle loro tane e dei loro spostamenti, saranno state fonte non solo di sofferenza ma anche di gioia.

Le foto che accompagnano l’intervista sono autoscatti realizzati da Luca Bracali in alcuni dei suoi innumerevoli reportage.

La gallery presenta invece una rassegna dei suoi scatti iconici in parte inediti e in parte pubblicati su riviste, libri e in grande formato nelle sue mostre.

Se desiderate vedere alcuni docu-film di Bracali cliccate le parole “talentuoso regista” in grassetto, nella mia breve premessa. Vi troverete esempi a suo tempo messi in onda dalla Rai.

Il ventesimo libro di Luca Bracali in libreria da luglio 2025

I LIBRI di Luca Bracali

• 2005 Storia Illustrata di Pistoia (Edifir)
• 2006 I colori del viaggio (Gli Ori)
• 2009 SOS Pianeta Terra (Electa Mondadori)
• 2013 A rose is a rose is a rose (Mondadori)
• 2014 Amor Maris. I miti scolpiti di Alba Gonzales (Arte’m)
• 2015 Fantasie della terra (Edizioni Zerotre)
• 2015 Myanmar. The true essence (Edizioni Zerotre)
• 2016 Pianeta Terra. Un mondo da salvare (Silvana Editoriale)
• 2016 L’Italia vista da Parigi (ASUD)
• 2016 Rapa Nui. Genesi di un restauro fra storia, leggende e misteri (Lorenzo de’ Medici Press)
• 2018 Il respiro della natura 1 Un viaggio dall’Alaska allo Zambia (Silvana Editoriale)
• 2018 Il respiro della natura 2 Romiti Vivai. La tradizione secolare del vivaio toscano nel mondo (Silvana Editoriale)
• 2020 Ghiaccio fragile (Giunti editore)
• 2021 Lockdown a Firenze. Il respiro dell’arte (Edizioni Zerotre)
• 2021 Lockdown a Roma. Il sorriso della città eterna (Edizioni Zerotre)
• 2021 Lockdown a Milano. Il suono del silenzio (Edizioni Zerotre)
• 2021 Lockdown a Venezia. Poggiata sull’acqua, sospesa nella storia (Edizioni Zerotre)
• 2021 Terra una fragile bellezza – L’obiettivo sul mondo di Luca Bracali (Istituto Geografico Militare Firenze)
• 2021 The charming of landscapes, the nobilty of art (Giorgio Tesi Editore)
• 2025 Il nostro mondo (Edizioni Zerotre)
• 2025 Over the Horizon (Istituto Geografico Militare Firenze) in uscita il 20 novembre 2025

MOSTRE

• 1992 Ufficio del Turismo APT, Montecatini Terme – “Archetipi del grande nord”
• 1995 Palazzo Arengario, Milano – “Canon Professione Fotografo”
• 2003 BZF Vallecchi gallery, Firenze – “Le ragioni del viaggio”
• 2006 Il Bisonte art gallery, Firenze – “Viaggi e viaggiatori”
• 2010 Artribù art-house, Roma – “Rifrazioni”
• 2010 Pinacoteca centrale, Fabriano – “Silenzi, colori e forme della natura”
• 2010 Photoshow, stand Canson, Roma
• 2010 Agora art gallery, New York – “Altered states of reality”
• 2010 Amarillo art gallery, Reggio Emilia – “Incanti di natura”
• 2010 Fotografia Europea010, Reggio Emilia – “Incanti di natura”
• 2010 Norweek010, Milano – “Norway. Powered by nature”
• 2010 Etna Photo Meeting, Catania – “Silenzi, colori e forme della natura”
• 2010 Pianeta Azzurro, Pietrasanta – “Viaggi reali ed immaginari”
• 2010 Accademia degli Artisti, Burgas – “The power of imagination: the third eye of the photographer and the creativity of the sculptress. Exhibition of Alba Gonzales and Luca Bracali”
• 2010 Biblioteca Nazionale SS. Cirillo e Metodio, Sofia – “Viaggi reali ed immaginari”
• 2011 Pinacoteca San Francesco, Montone (PG) – “1ª Biennale Internazionale”
• 2011 – Piazza Nettuno Bologna – “Ecosistemi”
• 2011 – Hotel Roma, Bologna – “Ecosistemi”
• 2012 – National Art Academy, Kiev – “Ecosistemi”
• 2012 – Museo Etnografico Leopoli – “Ecosistemi”
• 2013 – Pinacoteca Kerch – “Ecosistemi”
• 2013 – Museo di Letteratura Odessa – “Ecosistemi”
• 2013 – Università Ecologica, Odessa – “Ecosistemi”
• 2013 – Università statale Mariupol – “Ecosistemi”
• 2014 – Palazzo Turati, Milano – “Norvegia. Il colore della luce”
• 2014 – Pianeta Azzurro, Pietrasanta – “Amor Maris. I miti scolpiti”
• 2014 – Dome of Visions, Copenaghen – “A tribute to Planet Earth”
• 2014 – Leonardo da Vinci Center, Montreal – “A tribute to Planet Earth” – “Norway. The color of light” – “A rose is a rose is a rose”
• 2014 – Italian Cultural Institute, New York – “A rose is a rose is a rose”
• 2014 – Castello Orsini, Avezzano – “Tributo al Pianeta Terra” – “Norvegia. Il colore della luce”
• 2014 – Officine Fotografiche, Roma – “X-Photographer Days Fujifilm”
• 2015 – Castel dell’Ovo, Napoli – “2015 Anno della luce” – “Tributo al pianeta terra”
• 2015 – Roseto degli Abruzzi – “2015 Anno della luce” – Tributo al pianeta terra”
• 2015 – Corigliano Calabro – “Freddo dal Sud”
• 2015 – Parco dell’Orecchiella – “Tributo al Pianeta Terra”
• 2015 – Centro Visite Geopark farm La Bosa di Careggine – “2015 Anno della luce”
• 2015 – Casello parco Alpi Apuane di Campocatino – “A rose is a rose is a rose”
• 2015 – Pietrasanta – “A rose is a rose is a rose”
• 2015 – Castello Santa Severina, Crotone – “Prima rassegna d’arte Internazionale”
• 2015 – Palazzo Fibbioni, L’Aquila – “Le aurore polari ottava meraviglia del pianeta?”
• 2016 – Hof Cultural and Conference Center, Akureyri, Islanda – “Year of the Northern light”
• 2016 – Fondazione L. Matalon, Milano – “X-Photographer Days Fujifilm”
• 2016 – Palazzo Sozzifanti, Pistoia – “Pianeta Terra. Un mondo da salvare”
• 2016 – Centro Leonardo da Vinci, Montreal – “Pianeta Terra. Un mondo da salvare”
• 2016 – Jazz Club Torino – “Il nuovo Vietnam”
• 2016 – Ist. Duccio di Buoninsegna, Chiostro di S. Domenico, Siena – “Pianeta Terra. Un mondo da salvare”
• 2017 – Palazzo Bastogi, Firenze “Viaggi e viaggiatori”
• 2017 – Parlamento Europeo, Bruxelles – “Arctic under attack”
• 2017 – KZL Art – Studio & Gallery, Yangon, Birmania – “Myanmar. The true essence”
• 2017 – NAG Art Gallery, Pietrasanta – “Tributo al Pianeta”
• 2017 – Piazza Duomo, Pistoia – “Il respiro della natura”
• 2017 – Le Challanger, Montreal – “Planet Earth”
• 2018 – Museo Marino Marini, “Arctic. A melting world”
• 2018 – Ambasciata del Cile – “Rapa Nui”
• 2018 – Il Centro, Arese – “Obiettivo Natura Al Centro”
• 2018 – Factory NoLo, Milano – “Tribute a kind of green”
• 2018 – Bio Photo Festival, Budoia– “Pianeta Terra. Un mondo da salvare”
• 2021 – Galerie Marktplatz – “The charming of landscapes, the nobilty of art”
• 2021 –  Spazio Zero, Pistoia – “L’Oltre”
• 2021 – Galleria Vittorio Emanuele, Pistoia – “The charming of landscapes, the nobilty of art”
• 2022 – Fortezza del Priamar, Savona – “Ghiaccio fragile”
• 2023 – Galleria Artistikamente, Pistoia – “Birmania e Rapa Nui, mondi paralleli”
• 2024 – Galleria Artistikamente, Pistoia – “The Spirit of Asia”
• 2025 – Galleria Artistikamente, Pistoia – “What a wonderful world

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Lamberto Cantoni

L’amore per la scrittura probabilmente lo devo a mia madre, eroica sartina di provincia. Non avendo superato l’orrore per forbici e aghi, mi sono ritrovato a lavorare il fantasma delle origini con parole e grammatica. Ho avuto maestri eccezionali dei quali, me ne rendo conto, sono stato un pessimo allievo. Ma non ho mai perso la voglia di mettermi in gioco.

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